El film propone un recorrido por la trayectoria, la mentalidad y la forma de surfear de Meister, acompañado por los testimonios de algunas de las voces más respetadas del surf mundial. Kelly Slater, Shane Dorian, Jamie O’Brien, Matt Meola, Nathan Florence y Albee Layer aportan su particular visión sobre un surfista que lleva años demostrando que los límites, en muchas ocasiones, están para cuestionarlos.

Rodada en algunos de los escenarios más reconocibles y exigentes del planeta, con imágenes de Hawái, California, Irlanda y Portugal, UNMAKEABLE combina surf de alto nivel con una mirada más personal sobre el hombre que hay detrás de cada ola.

Una reputación construida en las olas más difíciles

Nacido en la Isla Grande de Hawái, Meister creció en contacto directo con un océano que terminaría definiendo su personalidad y su trayectoria. Su surf se ha desarrollado entre las olas de Banyans, su rompiente de referencia, y algunos de los escenarios más intimidantes del planeta. Desde los tubos de Backdoor y Pipeline hasta las enormes paredes de Jaws, en Maui, ha demostrado una capacidad extraordinaria para comprometerse con olas que muchos otros ni siquiera se plantearían remar.

Aunque es especialmente conocido por su surf en condiciones de gran tamaño, su repertorio va mucho más allá de las olas gigantes. Su versatilidad, su lectura del océano y su capacidad para desenvolverse en diferentes tipos de rompientes forman parte de una identidad que le ha permitido ganarse el respeto de sus compañeros. Su paso por el circuito competitivo y su posterior consolidación como surfista de olas grandes han contribuido a construir una carrera marcada por la perseverancia y la búsqueda constante de nuevos desafíos. Freesurf Magazine+2

La película recoge precisamente esa forma de afrontar el surf. No se trata únicamente de mostrar maniobras espectaculares o sesiones de enorme intensidad, sino de entender qué sucede en la cabeza de alguien que, ante una ola aparentemente imposible, decide remar y comprometerse.

Las palabras de sus compañeros ayudan a explicar esa particular relación con el riesgo. Jamie O’Brien lo define como su surfista favorito de Backdoor de todos los tiempos. Kelly Slater, por su parte, reconoce su particular manera de afrontar las situaciones límite y lo describe como alguien que puede estar un poco loco, pero también como una de las personas más agradables que se pueden conocer. Shane Dorian resume su capacidad para lanzarse a olas que parecen imposibles con una observación reveladora: cuando otros dudan, Torrey simplemente se gira y va.

Son testimonios que dibujan un retrato bastante completo: un surfista con una determinación fuera de lo común, pero cuya personalidad está muy lejos de la imagen distante que a veces acompaña a los grandes nombres del surf de riesgo.

Una historia de amistad detrás de la película

Uno de los aspectos más especiales de UNMAKEABLE es la historia personal que hay detrás de su realización. El proyecto nace de la admiración y la amistad entre el protagonista y su entorno más cercano.

Su autor relata cómo conoció a Torrey hace aproximadamente cinco años en Steamer Lane, California. Era admirador de su surf desde que había visto Nervous Laughter y decidió acercarse a saludarlo. En aquella primera conversación le preguntó si tenía previsto viajar a Jaws para aprovechar una marejada que se acercaba.

Aquel encuentro fue el comienzo de una amistad que se fue consolidando con el paso del tiempo y gracias a sucesivos encuentros en algunos de los mejores escenarios del surf mundial, desde las sesiones de Jaws hasta Pipeline. La relación llegó incluso a las costas de Alaska, donde Torrey se incorporó durante un verano al barco de pesca comercial de su amigo.

Fue precisamente esa convivencia la que terminó de confirmar algo que la película quiere transmitir: detrás del surfista capaz de enfrentarse a las condiciones más extremas hay una persona cercana, generosa y de trato extraordinariamente sencillo.

La idea de realizar una película que reuniera las opiniones de otros grandes surfistas sobre Meister fue tomando forma poco a poco. El primer audio enviado por Jamie O’Brien confirmó que el proyecto podía convertirse en algo especial. El protagonista, sin embargo, permaneció al margen de la iniciativa, porque, según explica su amigo, es demasiado buena persona como para sentirse cómodo escuchando a otros hablar bien de él.

Fotos Torrey Meister

El resultado es un homenaje construido desde la admiración, pero también desde el cariño y las experiencias compartidas. Una película que no solo enseña cómo surfea Torrey Meister, sino que intenta explicar por qué quienes lo conocen lo valoran tanto.

Tucker Wooding y un proyecto que tardó tres años en ver la luz

Detrás de la película está Tucker Wooding, amigo de Meister y responsable de dar forma a este proyecto cinematográfico. La producción fue tomando cuerpo durante varios años y nació con una intención muy concreta: mostrar a Torrey desde una perspectiva diferente, reuniendo imágenes de su surf y las opiniones de personas que han compartido con él innumerables sesiones. Stab Mag

La película también permite apreciar la dimensión de un surfista que ha sabido construir una carrera longeva al margen de los focos más habituales. En 2013 consiguió una importante victoria en el O’Neill Cold Water Classic de Steamer Lane, un resultado que contribuyó a consolidar su trayectoria profesional y su relación con la marca O’Neill. Stab Mag+1

Pero quizá el mayor valor de UNMAKEABLE no esté únicamente en las olas que aparecen en pantalla. Su verdadero atractivo reside en descubrir que la admiración que despierta Torrey Meister entre algunos de los mejores surfistas del mundo tiene tanto que ver con su manera de surfear como con su forma de ser.

Porque, al final, las grandes olas pueden construir una reputación, pero son las personas las que dejan huella.

Y si algo deja claro esta película es que Torrey Meister ha conseguido ambas cosas.

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El surf es mucho más que encontrar una buena ola. A veces, el verdadero viaje comienza lejos del agua, en lugares donde el potencial del océano todavía permanece fuera de los grandes focos internacionales. Esa es la premisa de Sama Yone – My Way / Africa Surf Film, una película que sigue al surfista senegalés Sidy Camara en una expedición por África Occidental tras la pista de una ola mítica.

La búsqueda conduce al protagonista hasta un archipiélago frente a la costa occidental africana, donde una potente izquierda del Atlántico se convierte en el objetivo de una aventura que va mucho más allá del surf. El viaje sirve también para explorar la trayectoria de un deportista que se ha abierto camino en una escena que, durante años, ha recibido mucha menos atención internacional que otros destinos consolidados del surf mundial.

Sidy Camara, una trayectoria construida a base de determinación

Procedente de Senegal, Sidy Camara representa el crecimiento de una escena africana que busca su espacio en el panorama internacional. Su historia está marcada por la determinación y por el esfuerzo de abrirse camino desde un entorno que tradicionalmente ha permanecido alejado de los principales circuitos mediáticos del surf.

En Sama Yone, la búsqueda de una ola extraordinaria funciona como hilo conductor para acercarse al propio surfista. La película no se limita a mostrar maniobras o sesiones de surf: también construye un retrato de Camara, de su recorrido deportivo y de la ambición que impulsa a un atleta a seguir explorando sus propios límites.

El resultado es una historia en la que el rendimiento sobre la tabla convive con la dimensión humana de la aventura. Cada etapa del viaje aporta una nueva perspectiva sobre el protagonista y sobre el contexto del que procede.

África Occidental, un territorio por descubrir para el surf

Uno de los principales atractivos de la película es su mirada hacia las costas de África Occidental. La región cuenta con una gran diversidad de escenarios para la práctica del surf, desde olas accesibles hasta rompientes exigentes que pueden ofrecer condiciones de alto nivel cuando coinciden el oleaje, el viento y las mareas adecuados.

Sin embargo, buena parte de su potencial continúa siendo menos conocida para el público internacional que el de otros destinos habituales del surf. Producciones como Sama Yone contribuyen a ampliar esa mirada y a mostrar la diversidad de culturas, paisajes y comunidades que forman parte del surf africano.

La expedición pone el foco en una izquierda atlántica que alimenta la búsqueda del protagonista. Más que un simple destino, la ola representa el atractivo de lo desconocido: un lugar al que llegar, unas condiciones que interpretar y un desafío deportivo que afrontar.

Una película que va más allá de las olas

La propuesta de Sama Yone – My Way / Africa Surf Film combina tres elementos fundamentales: surf de alto nivel, exploración y un retrato íntimo de su protagonista. Esa combinación permite que la película funcione tanto como una experiencia visual ligada al océano como una historia sobre la evolución personal y deportiva de un surfista.

La búsqueda de la ola mítica se convierte así en una metáfora del camino recorrido por Sidy Camara. En un deporte donde la exposición mediática y el acceso a determinados escenarios pueden marcar la diferencia, su trayectoria refleja la importancia de la perseverancia y de las oportunidades para que nuevos talentos puedan mostrar su nivel.

Al mismo tiempo, el filme invita a mirar hacia una región cuya cultura de surf merece una mayor presencia en la conversación internacional. No se trata únicamente de descubrir una nueva rompiente, sino también de acercarse a las personas que viven el océano y construyen su propia identidad deportiva alrededor de él.

El surf africano reclama su espacio

En los últimos años, el interés por destinos menos convencionales y por nuevas historias vinculadas al surf ha ampliado la perspectiva de este deporte. África Occidental ofrece un escenario especialmente interesante para esa exploración, gracias a su litoral atlántico, la diversidad de sus olas y el desarrollo de sus comunidades locales.

​Sama Yone se suma a esa mirada con una historia que sitúa a Sidy Camara en el centro de la aventura. La película conecta la búsqueda de una ola excepcional con el recorrido de un surfista que persigue sus propios objetivos y que representa una parte de la escena africana todavía poco conocida fuera del continente.

Porque algunas olas se recuerdan por su tamaño, otras por su perfección y otras por la dificultad de llegar hasta ellas. Pero hay viajes en los que la ola es solo el principio. En Sama Yone, el Atlántico marca el rumbo mientras Sidy Camara continúa escribiendo su propia historia sobre la tabla.

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El surf no termina cuando se abandona el circuito profesional. Para algunas de las mejores surfistas del mundo, es precisamente entonces cuando comienza otra forma de descubrirlo. Esa es una de las ideas que atraviesan Milk & Honey, una película protagonizada por Stephanie Gilmore, Caity Simmers, Coco Ho y Frankie Harrer que invita a mirar más allá de las mangas, las puntuaciones y los títulos para regresar a la esencia de deslizarse sobre una ola.

Rodado principalmente durante un potente swell asociado a un tifón en Siargao, Filipinas, el filme reúne a cuatro surfistas con trayectorias, personalidades y estilos diferentes. El resultado es una propuesta que pone el foco en la relación entre surfista y tabla, la búsqueda de nuevas sensaciones y la posibilidad de seguir evolucionando cuando la competición deja de ser el único punto de referencia. La película, producida por Stab, se estrenó en 2025 y posteriormente se puso a disposición del público en YouTube en octubre de 2026.

Cuatro surfistas, cuatro formas de interpretar el océano

La presencia de Stephanie Gilmore, ocho veces campeona del mundo, aporta la experiencia de una de las figuras más influyentes de la historia del surf femenino. Su trayectoria representa el dominio técnico, el estilo y una capacidad de adaptación que va mucho más allá de las exigencias del circuito profesional.

A su lado aparece Caity Simmers, campeona mundial en 2024, una surfista que ha destacado por su creatividad, su lectura de las olas y una manera de surfear que escapa de los patrones convencionales. Su participación conecta la experiencia de las generaciones anteriores con una nueva visión del surf, en la que la expresión personal ocupa un lugar fundamental.

Coco Ho, procedente de una de las familias más reconocidas del surf hawaiano, aporta una larga trayectoria en competición y una estrecha relación con la cultura del surf. Frankie Harrer completa el grupo con su propia personalidad y una aproximación al surfing que encuentra en la exploración y la experimentación una parte esencial de su identidad.

Juntas, las cuatro demuestran que no existe una única manera de entender el surf. Cada una tiene su propio lenguaje sobre la ola, y esa diversidad es precisamente uno de los puntos de partida de la película.

Las tablas también cuentan historias

Uno de los ejes centrales de Milk & Honey es el diseño de tablas. Las cuatro surfistas viajan a Filipinas con sus modelos favoritos, combinando tablas cortas de alto rendimiento con diseños alternativos que permiten explorar otras líneas, velocidades y sensaciones.

La propuesta cuestiona una idea bastante extendida en el surf: que el máximo rendimiento está necesariamente ligado a una tabla corta y a una ejecución radical. En realidad, cada diseño responde a unas condiciones y a una forma de surfear. Cambiar de tabla puede modificar la posición en la ola, la velocidad, los giros y, sobre todo, la manera de interpretar el espacio disponible.

La película convierte esa diversidad en una oportunidad para experimentar. En lugar de plantear una oposición entre las tablas convencionales y las alternativas, muestra cómo ambas pueden complementarse y ampliar el repertorio de una surfista.

La idea queda resumida en una reflexión de Stephanie Gilmore sobre el rendimiento: no tiene sentido reservar esa consideración exclusivamente a las tablas de competición, porque cada tipo de tabla puede ofrecer prestaciones diferentes según su diseño y su uso.

Esta perspectiva también conecta con una tendencia cada vez más visible en la cultura del surf: recuperar el placer de probar materiales, explorar otros shapes y descubrir qué ocurre cuando se abandona, aunque sea temporalmente, la configuración habitual.

Filipinas como escenario para experimentar

El entorno de Siargao proporciona el escenario perfecto para esta exploración. Sus olas, su paisaje tropical y la energía del océano permiten que las protagonistas salgan de sus rutinas habituales y se concentren en surfear desde otra perspectiva.

El filme aprovecha las sesiones en el agua para mostrar distintas maneras de afrontar una misma ola. No se trata únicamente de ejecutar maniobras difíciles, sino de encontrar líneas, aprovechar secciones y adaptar el surfing a las posibilidades que ofrece cada tabla.

El viaje tampoco gira exclusivamente alrededor de las buenas condiciones. Como ocurre en cualquier expedición de surf, el viento, los cambios del mar y las sesiones menos favorables forman parte de la experiencia. Esa dimensión real del viaje recuerda que la relación con el océano no puede reducirse a una sucesión de olas perfectas.

La convivencia entre las cuatro surfistas añade otra lectura a la película. Compartir sesiones, observar cómo surfean las demás y probar materiales diferentes se convierte en una forma de aprendizaje que no necesita jueces ni clasificaciones.

Más allá de la competición

El interés de Milk & Honey reside, sobre todo, en la pregunta que plantea: ¿qué sucede cuando una surfista deja de medir su evolución únicamente a través de los resultados?

La competición exige precisión, consistencia y capacidad para adaptarse a un formato concreto. El free surf, por su parte, permite explorar otros objetivos: desarrollar un estilo propio, experimentar con el material y disfrutar de las olas sin la presión inmediata de una puntuación.

Ambas dimensiones pueden convivir. De hecho, la experiencia competitiva puede enriquecer esa búsqueda personal, mientras que surfear sin objetivos de clasificación permite descubrir recursos que después se trasladan a otras facetas del surfing.

En ese punto, la película encuentra un mensaje que va más allá de sus protagonistas. La evolución de un surfista no tiene por qué ser lineal ni responder siempre a las mismas exigencias. También puede consistir en cambiar de tabla, modificar la manera de leer una ola o recuperar la curiosidad que llevó a entrar al agua por primera vez.

Milk & Honey celebra precisamente esa libertad. La de cuatro surfistas que, después de construir carreras de primer nivel, siguen buscando nuevas formas de relacionarse con el océano. Porque, al final, el surf no consiste solamente en competir contra otras personas, sino también en descubrir hasta dónde puede llevarte una ola cuando dejas espacio para la imaginación.

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Hay olas que forman parte de la historia del surf por su tamaño, otras por su perfección y algunas por la cantidad de momentos extraordinarios que han dejado a lo largo de los años. Cloudbreak, en Fiyi, reúne todas esas condiciones. El vídeo CLOUDBREAK: The Most Historic Big-Wave Sessions | 1999–2024 recupera algunas de las sesiones más destacadas de este mítico escenario del Pacífico Sur en un recorrido que abarca un cuarto de siglo de surf de olas grandes.

La pieza, presentada por el gerente de Tavarua Resort, reúne imágenes históricas y recuerda a algunos de los surfistas que han encontrado en este arrecife un escenario tan espectacular como exigente. El resultado es una retrospectiva que permite observar cómo Cloudbreak ha consolidado su reputación internacional y cómo distintas generaciones de especialistas en olas grandes han afrontado sus enormes paredes de agua.

De las primeras sesiones a las grandes marejadas del siglo XXI

El recorrido comienza en 1999 con Conan Hayes, una época en la que Cloudbreak ya empezaba a ocupar un lugar destacado entre los destinos que atraían a surfistas en busca de grandes marejadas. La retrospectiva avanza hasta 2006, con Shane Dorian, uno de los nombres fundamentales del surf de olas grandes.

Otro de los momentos destacados llega con David Scard y su espectacular ola, nominada a Ola del Año en 2010. Un episodio que da paso a la potente marejada de julio de 2011, protagonizada por Kohl Christensen, Bruce Irons y Mark Healey, tres surfistas acostumbrados a enfrentarse a condiciones extremas.

El vídeo también recupera imágenes de la histórica marejada de Volcom de 2012, una de las referencias de aquella etapa, y continúa con las sesiones de Paul Morgan en octubre de 2014 y Dane Gudauskas en mayo de 2016.

Cada episodio añade una nueva perspectiva sobre una ola que puede transformarse por completo cuando recibe una gran marejada del océano abierto. Cloudbreak ofrece paredes largas y poderosas, secciones rápidas y zonas de arrecife que exigen experiencia, precisión y una lectura constante de las condiciones.

Sesiones en Cloudbreak, 25 años de historia

2018 y 2024: Cloudbreak en su máxima expresión

Entre los capítulos más impactantes de esta recopilación destaca la enorme marejada de 2018, en la que Ramón Navarro protagoniza una sesión de tow-in con una ola que el vídeo presenta como una de las mayores surfeadas en esta modalidad en Cloudbreak.

El recorrido concluye con la gigantesca marejada de marzo de 2024, en la que aparecen Billy Kemper, Nathan Florence, los hermanos Coffin y Benji Brand. Sus sesiones representan una etapa en la que la preparación física, el conocimiento del océano, los equipos de seguridad y los recursos audiovisuales han ampliado la capacidad de documentar jornadas de surf extremo.

Más allá de la espectacularidad de las imágenes, esta última parte permite apreciar la dimensión que ha alcanzado el surf de olas grandes en las últimas décadas. Las tablas, las motos acuáticas, los equipos de apoyo y la experiencia acumulada han contribuido a desarrollar una disciplina en la que cada decisión puede resultar determinante.

Cloudbreak, leyenda del surf de olas grandes

Cloudbreak, una ola que ha escrito su propia historia

Situada frente a la isla de Tavarua, en Fiyi, Cloudbreak es un arrecife de coral expuesto a las marejadas del Pacífico Sur. Cuando coinciden el tamaño, la dirección del oleaje, el periodo y las condiciones locales adecuadas, la ola puede ofrecer sesiones de dimensiones extraordinarias.

Su reputación no se explica únicamente por los días gigantes. Cloudbreak es también una ola de gran calidad, con secciones largas y potentes que la convierten en un destino de referencia para surfistas de diferentes generaciones. Sin embargo, cuando las marejadas alcanzan una magnitud excepcional, el arrecife muestra su cara más exigente y atrae a algunos de los nombres más reconocidos del surf de olas grandes.

El responsable de Tavarua Resort, que recuerda su primer viaje a Fiyi en 1987, cuando el alojamiento en la isla todavía consistía en tiendas de campaña junto a la playa, aporta al vídeo una perspectiva personal sobre la evolución de este lugar. Su testimonio conecta los primeros años de exploración con la dimensión internacional que Cloudbreak ha adquirido con el paso del tiempo.

La edición incluye también material adicional de diferentes fotógrafos y videógrafos, con aportaciones de archivos vinculados a The Big Wave Project, además de imágenes de profesionales como Pablo García, Andrew Christie, Matt Shuster, Guy Mac, Tucker Wooding y Tom Servais, entre otros. El trabajo de estos cámaras resulta esencial para conservar la memoria de sesiones que, en muchos casos, se desarrollaron en condiciones difíciles y lejos de la costa.

Un documento imprescindible para los amantes de las olas grandes

Reunir sesiones separadas por 25 años permite entender algo que a menudo queda oculto tras las imágenes de una gran ola: la historia de un lugar también es la historia de quienes se han atrevido a surfearlo.

Desde Conan Hayes en 1999 hasta los protagonistas de la marejada de marzo de 2024, Cloudbreak ha sido escenario de momentos que ayudan a explicar la evolución del surf de olas grandes. Este vídeo recupera parte de ese legado y ofrece una oportunidad para contemplar la fuerza del Pacífico, la complejidad del arrecife y la capacidad de los surfistas para interpretar algunas de las condiciones más exigentes del planeta.

Para quienes siguen el surf de olas grandes, la recopilación es mucho más que una sucesión de olas gigantes: es un archivo visual de una de las olas más emblemáticas del mundo y de los surfistas que han contribuido a construir su leyenda.

*Vídeo cortesía de Tim Bonython de Surfing Visions

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México, Indonesia, Puerto Rico y California son algunos de los escenarios de una película que reúne a Micky Clarke, Ethan Osborne, Chippa Wilson y Rolando Montes en un recorrido por el surf más explosivo.

Octopus vuelve a poner el foco en el surfing sin filtros con CIRCUITBENDER, una película protagonizada por Micky Clarke que reivindica la energía, la progresión y la esencia más espontánea de la cultura surfera.

Con una duración de 12 minutos, la producción reúne sesiones grabadas en algunos de los destinos más atractivos del panorama internacional, desde México e Indonesia hasta Puerto Rico y California, tierra natal de Clarke. El surfista comparte protagonismo con Ethan Osborne, Chippa Wilson y Rolando Montes, en una sucesión de maniobras aéreas, tubos y giros potentes que reflejan una forma de surfear marcada por la velocidad y la creatividad.

Clarke lleva el peso de la película con un surfing explosivo, enlazando aéreos y maniobras que ponen de manifiesto su estilo dinámico. Las apariciones de sus compañeros amplían el repertorio y aportan diferentes registros a una producción que celebra la diversidad y la personalidad de cada surfista.

Detrás de CIRCUITBENDER está la filosofía de Octopus, una marca vinculada a la cultura del surf que apuesta por mantener viva la creatividad de la escena. Más que perseguir una narrativa convencional, la película se apoya en la fuerza de las imágenes y en la espontaneidad de las sesiones para conectar con quienes entienden el surf como una forma de expresión.

Con CIRCUITBENDER, Octopus vuelve a reivindicar el valor de los vídeos de surf hechos desde dentro de la comunidad: piezas que reúnen buenos surfistas, olas de calidad y una actitud que no necesita demasiados artificios para transmitir su mensaje.

Doce minutos de surfing directo, progresivo y sin concesiones. Dale al play y deja que CIRCUITBENDER hable por sí mismo.

Porque el surf no solo se desliza sobre el agua. También evoluciona en la pantalla, se mezcla con nuevos lenguajes y encuentra otras maneras de dejar huella.

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El surfista olímpico repasa en A Life in the Water su infancia en California, la influencia de su padre y las rutinas que acompañan una carrera marcada por los viajes y la competición.

La trayectoria de un surfista profesional se mide en resultados, títulos y actuaciones en el agua, pero también se construye lejos de la competición. En A Life in the Water, Kanoa Igarashi repasa los primeros capítulos de su historia y ofrece una mirada a la vida que hay detrás de uno de los nombres destacados del surf internacional.

El vídeo, publicado por IM8 Presents, sitúa el origen de esa trayectoria en una playa de California. Allí, Igarashi observaba a su padre surfear mientras esperaba su turno para entrar al agua. Una escena aparentemente cotidiana que ayuda a explicar cómo nació su vínculo con el surf y cómo una afición temprana terminó convirtiéndose en una profesión.

Durante su infancia, la pasión por las olas también tuvo que convivir con las responsabilidades escolares. Igarashi recuerda las negociaciones para compaginar los deberes con el tiempo dedicado al surf, una dinámica que refleja una de las primeras exigencias de su formación: encontrar el equilibrio entre la disciplina diaria y las ganas de seguir progresando en el agua.

Con los años, aquel aprendizaje dio paso a una carrera internacional que incluye su participación en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, celebrados en 2021, donde conquistó la medalla de plata. Desde entonces, los desplazamientos, los cambios de escenario y la adaptación a distintos destinos forman parte de la realidad de un deportista cuyo calendario está estrechamente ligado a las condiciones del océano y al circuito competitivo.

En este contexto, el testimonio de Igarashi pone el foco en un aspecto menos visible de la vida profesional: la importancia de las rutinas y de conservar una sensación de familiaridad pese a pasar buena parte del año lejos de casa. Para un surfista que viaja constantemente, mantener sus referencias personales puede ser tan relevante como adaptarse a una nueva ola o afrontar una competición.

El vídeo también incluye una breve degustación de productos de IM8, marca con la que colabora el deportista, aunque el eje del relato se encuentra en sus recuerdos personales y en la evolución de su relación con el surf.

“Porque una carrera en el surf no se construye únicamente con títulos y resultados“

Más que una retrospectiva de resultados, A Life in the Water propone acercarse al recorrido vital de Igarashi desde sus primeros referentes hasta su consolidación en la élite. Una historia que recuerda que detrás de cada competición existe un proceso de aprendizaje, hábitos construidos con los años y una relación con el mar que, en su caso, comenzó mucho antes de los focos olímpicos.

Vídeo: Kanoa Igarashi: A Life in the Water, IM8 Presents.

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Cuando eran niños, Jack Robinson, Kanoa Igarashi y Leo Fioravanti ya eran señalados como futuros campeones del mundo. Los años han pasado, los tres han alcanzado la élite del surf profesional y sus caminos se han cruzado temporada tras temporada en el Championship Tour (CT). Sin embargo, esa promesa de infancia sigue teniendo un capítulo pendiente: conquistar el título mundial.

ONE MORE propone una mirada diferente a tres de los nombres más reconocidos del surf competitivo actual. En lugar de centrarse en las mangas, las puntuaciones y la lucha por el ranking, la película acompaña a los tres surfistas durante un descanso a mitad de temporada para compartir diez días de surf en barco por las islas Mentawai, en Indonesia.

Lejos del circuito y sin las lycras de competición, Robinson, Igarashi y Fioravanti recuperan por unos días la esencia de su relación: tres amigos de la infancia que crecieron juntos dentro del mundo del surf y que, con el paso del tiempo, se han convertido también en rivales por alcanzar la cima.

Mentawai, el escenario perfecto para desconectar

Conocidas por sus olas largas, potentes y perfectamente formadas, las Mentawai ofrecen el escenario ideal para una escapada centrada en el surf. Sus arrecifes y tubos de calidad mundial convierten este archipiélago indonesio en uno de los destinos más deseados por los surfistas que buscan olas de alto nivel.

Durante diez días, los protagonistas cambian la tensión de la competición por sesiones de surf sin camisetas, convivencia a bordo y tiempo para disfrutar de las olas sin la presión de sumar puntos. Un contexto que permite descubrir una faceta menos habitual de tres deportistas acostumbrados a vivir bajo el foco del circuito mundial.

El viaje también sirve para poner en perspectiva sus trayectorias. Cada uno ha recorrido un camino distinto hasta llegar a la élite, pero los tres comparten una misma ambición y una historia que se remonta a sus primeros años sobre una tabla.

Tres carreras y una pregunta sin resolver

La premisa de ONE MORE va más allá de una simple aventura de surf. La película plantea una cuestión que acompaña a los tres desde sus comienzos: cuál de ellos conseguirá transformar su talento y su trayectoria en un campeonato del mundo.

El documental sitúa además la historia en un momento especialmente interesante de la temporada, cuando uno de los tres llegó a ocupar el número uno del ranking mundial. Una muestra de hasta qué punto la lucha por el título puede cambiar de manos y de protagonistas a lo largo del Championship Tour.

Más allá de quién llegue primero, el interés está en observar cómo conviven la amistad, la rivalidad y una ambición compartida cuando desaparecen las líneas de salida y los marcadores.

ONE MORE es, en definitiva, una historia sobre el tiempo, la evolución y los sueños que sobreviven a la infancia. Tres amigos que crecieron imaginando el mismo destino, que hoy compiten entre sí al máximo nivel y que todavía tienen una cuenta pendiente con la historia del surf.

¿Quién ganará primero un título mundial? Esa es la pregunta que da nombre al viaje. Por ahora, las Mentawai ofrecen algo más inmediato: diez días de olas, amistad y libertad antes de regresar a la carrera por alcanzar la cima.

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Con Cloudbreak como escenario y el joven surfista fiyiano James Kusitino como inspiración inicial, SunSong propone una mirada cinematográfica al surf que va más allá de las olas. Una película de Mikey February y Spearhead Unlimited donde el estilo, la música y la identidad cultural forman parte de una misma experiencia.

El surf no siempre necesita una competición, una clasificación o una ola perfecta para contar una historia. A veces, basta con observar cómo alguien interpreta el océano. Esa es la premisa de SunSong, el nuevo proyecto cinematográfico impulsado por Mikey February, que viaja hasta Fiyi para explorar el surf como una forma de expresión creativa.

Con Cloudbreak y las islas que la rodean como telón de fondo, la película reúne a un grupo de surfistas cuyas maneras de entender y recorrer las olas reflejan la importancia del instinto, la inspiración y la imaginación. Aquí, el objetivo no es únicamente mostrar maniobras, sino descubrir qué hay detrás de cada línea trazada sobre el agua.

James Kusitino, el futuro del surf fiyiano

En el origen de SunSong se encuentra James Kusitino, un surfista fiyiano de 17 años cuyo surf despertó la idea inicial del proyecto. Su estilo, personal y reconocible, representa una nueva generación de surfistas locales que empieza a ganar visibilidad en la escena internacional.

Kusitino ocupa un lugar central en el relato, no solo por su talento, sino también por lo que representa: una escena local con identidad propia, capaz de influir y dialogar con algunos de los nombres más destacados del surf contemporáneo.

A lo largo de la película, ese intercambio creativo se convierte en una de sus ideas principales. Las influencias circulan en ambas direcciones y cada surfista aporta su propia interpretación del océano. El resultado es una conversación entre estilos, generaciones y culturas en la que la originalidad nace precisamente de la diversidad.

El surf como lenguaje cultural

Detrás de SunSong está Spearhead Unlimited, la plataforma creativa fundada por Mikey February para fomentar la experimentación, la colaboración y la libertad de expresión dentro del surf. La película encaja en esa filosofía: ampliar los límites del cine de surf y explorar todo aquello que conecta este deporte con otras disciplinas artísticas.

La música desempeña un papel fundamental. La banda sonora reúne a figuras de la música sudafricana como Hugh Masekela y Letta Mbulu, junto al saxofonista estadounidense Azar Lawrence. A estas referencias se suman grabaciones de campo recopiladas durante los viajes de February, que aportan texturas y sonidos vinculados a los lugares recorridos.

La combinación construye un paisaje sonoro que conecta Fiyi con África a través del ritmo, el movimiento y una sensación compartida de alegría y optimismo. No se trata de un simple acompañamiento musical: el sonido forma parte de la identidad de la película y refuerza su manera de entender el surf como una experiencia que trasciende lo estrictamente deportivo.

Una película para mirar el surf de otra manera

Junto a Mikey February y James Kusitino, SunSong cuenta con la participación de Frankie Harrer, Kobe Hughes, Lungi Slabb y Tosh Tudor. Sus diferentes aproximaciones al surf contribuyen a construir un retrato colectivo en el que el lugar, la música y la personalidad de cada rider tienen tanto peso como las propias olas.

En un género cinematográfico acostumbrado a celebrar la perfección técnica y las condiciones extraordinarias, SunSong apuesta por otra sensibilidad: observar el surf como un acto creativo, una expresión individual y una forma de conexión con el entorno.

Fiyi aporta el escenario; Kusitino, la inspiración; y February, una visión que une surf, música y cultura. El resultado es una invitación a recordar que cada ola admite infinitas interpretaciones y que, en ocasiones, lo más interesante no es cómo se surfea, sino la manera única en que cada persona encuentra su propio lenguaje sobre el agua.

Surf, música y cultura. SunSong es una celebración de la libertad creativa y de las conexiones que hacen del surf algo mucho más grande que el propio deporte.

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Un dron FPV de Márcio Costa captó el momento en que Daniel «Foamball» Rangel abandonó su moto acuática para afrontar el impacto de una nueva ola en Praia do Norte. Will Santana y el piloto de rescate sobrevivieron a una secuencia que muestra la complejidad de las operaciones en el surf de olas gigantes.

En Nazaré, una situación de rescate puede cambiar en cuestión de segundos. Una ola que parecía superada da paso a otra masa de agua, la moto acuática pierde capacidad de maniobra y el margen para reaccionar se reduce al mínimo. Eso es lo que muestra Nazaré – Split Second, el vídeo de MCYDRO, el proyecto audiovisual de Márcio Costa, que documenta un episodio ocurrido durante la grabación de Gigantes de Nazaré, en Praia do Norte, Portugal.

La secuencia, registrada el 24 de febrero de 2025, tiene como protagonistas al surfista brasileño Willyam «Will» Santana y a Daniel Rangel, conocido como Foamball, encargado de conducir la moto acuática de rescate.

Una segunda ola cambia la situación

Todo comienza cuando Santana entra en una ola de grandes dimensiones y acaba desapareciendo bajo la espuma. Rangel se dirige hacia él y consigue aproximarse lo suficiente para que el surfista se agarre a la parte trasera de la moto acuática.

El objetivo es abandonar la zona de impacto antes de que llegue otra serie. Sin embargo, una nueva pared de agua comienza a levantarse frente a ellos. La espuma dificulta la maniobra y la moto pierde velocidad justo cuando necesitan ganar distancia.

Es entonces cuando Rangel toma una decisión decisiva: abandona la moto acuática y se lanza al agua antes de que la ola los alcance.

La maniobra puede resultar difícil de interpretar para quien observa las imágenes desde fuera. En la explicación que acompaña al vídeo, Márcio Costa describe cómo la pérdida de velocidad y la proximidad de la siguiente ola redujeron las posibilidades de escapar con la máquina.

En esas circunstancias, permanecer junto a la moto podía añadir otro riesgo al impacto. El vehículo podía golpear a sus ocupantes o arrastrarlos junto con él bajo el agua.

Santana también desaparece bajo la espuma. Durante unos instantes, ninguno de los dos permanece visible en la superficie. Finalmente, ambos sobreviven al episodio, aunque la prensa especializada informó de que sufrieron heridas leves.

La moto acuática, por su parte, resulta gravemente dañada durante el impacto. La secuencia pone de manifiesto que las operaciones de rescate en olas gigantes están condicionadas por cambios constantes en el estado del mar y por decisiones que deben tomarse sin apenas margen de reacción.

La última batería de Márcio Costa

La historia de Split Second también tiene una particularidad detrás de la cámara. Costa grabó la secuencia con un dron FPV, capaz de seguir la acción desde una perspectiva muy próxima a los protagonistas.

Según explica el propio realizador, aquella era la última batería disponible para su dron durante esa jornada. Después de varias horas siguiendo la sesión, decidió continuar en el aire a la espera de otra serie, sin saber qué estaba a punto de suceder.

La cámara siguió a Santana en la ola, registró la llegada de Rangel y continuó filmando durante el intento de rescate y el posterior impacto.

El resultado permite observar el desarrollo de la escena en una secuencia continua, desde una perspectiva diferente a la de las cámaras instaladas en los acantilados o las grabaciones realizadas desde embarcaciones.

No se trataba de una toma preparada ni de una situación que pudiera repetirse para conseguir mejores imágenes. La oportunidad surgió mientras Costa seguía la acción y el dron permanecía en vuelo.

Una mirada al riesgo del surf de olas gigantes

El vídeo superó el millón de reproducciones y obtuvo el segundo puesto en la categoría Aerial Wipeout de los Mercedes-Benz Nazaré Winter Sessions Awards, según la información recogida por distintos medios especializados.

Más allá de su difusión, la grabación permite observar una dimensión del surf de olas grandes que no siempre ocupa el centro de las imágenes: el trabajo de los equipos de rescate y las decisiones que deben tomar cuando una intervención se complica.

La maniobra de Rangel muestra cómo una moto acuática puede ser fundamental para llegar hasta un surfista y, segundos después, convertirse en un elemento de riesgo si las condiciones impiden abandonar la zona de impacto.

En Praia do Norte, donde las olas pueden alcanzar dimensiones extraordinarias, la preparación y la experiencia de quienes intervienen en los rescates forman parte esencial de la seguridad en el agua.

Con Nazaré – Split Second, Márcio Costa documenta uno de esos episodios desde una perspectiva cercana y continua. Una secuencia en la que la caída, el rescate y la llegada de una nueva ola se suceden en pocos segundos, y en la que el desenlace recuerda los riesgos que acompañan a cada sesión de surf de olas gigantes.

Vídeo: Nazaré – Split Second, de MCYDRO, por Márcio Costa.

Protagonistas: Will Santana y Daniel «Foamball» Rangel.

Lugar: Praia do Norte, Nazaré, Portugal.

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De Mavericks a Todos Santos: el surfista portugués se lanza a una aventura marcada por las olas XXL, los imprevistos y la búsqueda de una de las grandes marejadas del año.

Hay swells que justifican cruzar medio mundo. Y después están aquellos que te llevan a cambiar de planes, enfrentarte a una caída monumental y seguir buscando la ola que has ido a encontrar. Esa es la esencia de Swell Diaries Episode 2: North Amerika, la nueva aventura de Miguel Blanco, que pone rumbo a la costa oeste de Norteamérica para perseguir algunas de las olas más potentes del planeta.

El punto de partida es Mavericks, California. Ante la previsión de una de las mayores marejadas del año en este mítico spot de olas gigantes, el surfista portugués no duda en reservar un vuelo y lanzarse a la aventura. El objetivo está claro: aprovechar una oportunidad excepcional para enfrentarse a uno de los escenarios más exigentes del surf de olas grandes.

Pero el océano tiene sus propios planes. Lo que comienza con una caída brutal acaba convirtiéndose en uno de los viajes más significativos de la serie. Lejos de terminar ahí, la expedición continúa hacia el sur, hasta México, donde Blanco busca una segunda oportunidad y descubre las imponentes olas de Todos Santos, uno de los nombres imprescindibles del big wave surfing mexicano.

La ruta conecta algunos de los territorios más emblemáticos del Pacífico norteamericano. De México a San Diego y de vuelta a Mavericks, el viaje avanza siguiendo las marejadas y las oportunidades que aparecen por el camino. Porque perseguir un swell no consiste únicamente en llegar al spot adecuado: también implica tomar decisiones sobre la marcha, asumir riesgos y aceptar que las mejores sesiones no siempre llegan cuando uno las espera.

Más allá de las olas

Con North Amerika, Miguel Blanco vuelve a demostrar que el surf de exploración es mucho más que una sucesión de maniobras espectaculares. La película pone el foco en todo lo que sucede alrededor de cada sesión: los desplazamientos, la incertidumbre, los cambios de rumbo y la determinación necesaria para seguir buscando cuando las cosas no salen según lo previsto.

El segundo episodio forma parte de Swell Diaries, un proyecto audiovisual de tres años que acompaña al surfista portugués en su búsqueda de grandes olas por diferentes rincones del planeta. Una propuesta que combina surf de alto nivel, aventura y relatos nacidos en el camino, con el océano como hilo conductor.

El capítulo ha sido filmado por Timmy Toes, editado por Manel Geada y producido por Planeta Azul Eco, con el apoyo de Oxbow.

En esta ocasión, la costa oeste de Norteamérica es el escenario de una historia en la que el verdadero desafío no termina al entrar al agua. A veces, la aventura empieza mucho antes de que llegue la primera ola y continúa incluso después de la caída.

Dale al play y acompaña a Miguel Blanco en la persecución de un swell gigante en Norteamérica.

Surfer Miguel Blanco @_miguelblanco_

Grabado por: Timmy Toes
Editado por: Manel Geada
Producido por: Planeta Azul Eco

Fuente: Oxbow.

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Hossegor está que arde: tubos, locales y surfistas de élite en una sesión para enmarcar

Los bancos de arena de Las Landas se convierten en auténticas máquinas de tubos en una sesión que reúne a Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot y compañía. Grabada casi en su totalidad el 2 de octubre, esta nueva película de Ripitup confirma que el otoño ha llegado a Hossegor con ganas de guerra.

Hay días en los que Hossegor recuerda por qué ocupa un lugar privilegiado en el imaginario del surf europeo. El océano encuentra la dirección adecuada, los bancos de arena se ordenan y las olas empiezan a dibujar esas paredes huecas que convierten cualquier baño en una prueba de lectura, precisión y compromiso. El 2 de octubre fue uno de esos días.

El vídeo HOSSEGOR ON FIRE Tubes, locaux & pros du Quiksilver Festival Hossegor Octobre 2026, publicado por Ripitup, pone imágenes a una sesión de esas que justifican madrugar, revisar las previsiones una y otra vez y esperar en la playa hasta que aparece la serie buena. Bancos de arena que parecen losas, tubos potentes y una sucesión de olas que invita a quedarse mirando desde la orilla… aunque cueste resistirse a entrar al agua.

Bancos de arena con carácter y tubos de verdad

En Hossegor, el espectáculo empieza mucho antes de que un surfista consiga salir de un tubo. Está en la forma en la que la ola levanta sobre el banco, en la velocidad con la que se cierra el labio y en ese instante en el que una pared aparentemente perfecta puede convertirse en una sección imposible.

Las imágenes de esta sesión capturan precisamente esa esencia del beach break de Las Landas: olas rápidas, huecas y exigentes, con secciones que premian la colocación y castigan cualquier error de cálculo. Aquí no basta con tener buenos reflejos. Hay que encontrar el punto exacto de entrada, ajustar la línea y confiar en que el labio deje una salida.

Cuando los bancos funcionan así, Hossegor no necesita demasiados adornos. El propio océano se encarga de construir el espectáculo.

Una alineación de lujo en aguas landesas

El otro gran atractivo de la película es el grupo de surfistas que aprovecha las condiciones. La sesión reúne a nombres conocidos del panorama internacional y a surfistas vinculados a la escena local, en una combinación que encaja perfectamente con el espíritu del Quiksilver Festival.

Entre los protagonistas aparecen Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot, Eimeo Czermak, Leonardo Fioravanti, Justin Becret, Nolan Guerin y Aldric God. Una alineación que mezcla experiencia, talento competitivo y conocimiento de unas olas que no regalan absolutamente nada.

Florès, uno de los grandes referentes del surf francés, representa ese vínculo especial entre Hossegor y los surfistas que han llevado el nombre de la costa landesa por todo el mundo. A su alrededor, la presencia de profesionales internacionales y riders de la escena francesa refuerza la sensación de estar ante una auténtica sesión de equipo, con el nivel suficiente para convertir cada serie en una oportunidad.

Pero aquí el protagonismo no pertenece exclusivamente a los nombres más conocidos. En condiciones de este calibre, cada ola es una historia independiente y cada tubo exige ganarse el derecho a salir por la puerta de atrás.

El espíritu del Quiksilver Festival continúa fuera de competición

El Quiksilver Festival, celebrado del 19 al 27 de septiembre de 2026 en Hossegor, Capbreton y Seignosse, reúne surf, skate, música y arte en una celebración de la cultura de tabla. <Cite refs={[“turn729018search5″,”turn729018search11”]}/> Su propuesta también sirve como punto de encuentro entre surfistas profesionales, locales y aficionados, más allá del formato tradicional de competición.

Esta sesión de octubre prolonga ese ambiente desde una perspectiva diferente: sin necesidad de centrarse en mangas, resultados o clasificaciones, el interés está en el surf y en las condiciones. El vídeo traslada la atención a la playa, a los bancos de arena y a la búsqueda de las mejores olas.

Es una de las particularidades que hacen especial a Hossegor durante el otoño. Cuando llegan los primeros grandes swells de la temporada y los bancos empiezan a ofrecer su mejor versión, la costa se convierte en un punto de encuentro para quienes quieren medirse con algunas de las olas más exigentes del continente.

El otoño acaba de empezar

La sesión del 2 de octubre deja una idea bastante clara: la temporada de tubos en Las Landas ya está en marcha. Y si los bancos de arena mantienen este nivel, todavía quedan muchos baños capaces de dar que hablar.

Para quienes conocen Hossegor, no hace falta demasiada explicación. Basta con ver una serie entrar, observar cómo la ola se levanta sobre la arena y comprobar cómo desaparece el surfista detrás del labio. Para quienes todavía no han vivido un otoño en esta costa, el vídeo funciona como una invitación a descubrir por qué este tramo del Atlántico francés sigue siendo una referencia para los amantes del surf de alto rendimiento.

Tubos, velocidad, locales y profesionales compartiendo el mismo escenario. Hossegor está on fire. Y esto no ha hecho más que empezar.

Vídeo: Ripitup
Título: HOSSEGOR ON FIRE Tubes, locaux & pros du Quiksilver Festival Hossegor Octobre 2026
Fecha de grabación: 2 de octubre de 2026, casi en su totalidad
Surfistas: Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot, Eimeo Czermak, Leonardo Fioravanti, Justin Becret, Nolan Guerin y Aldric God.

*Fotos cortesía de  RIPITUP / @ripitup.fr

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Hay lugares que se convierten en destinos para surfear y otros que terminan formando parte de la historia de un deporte. Jeffreys Bay pertenece a esta segunda categoría. En la costa oriental de Sudáfrica, las largas derechas de J-Bay han sido durante décadas un laboratorio natural para el surf de alto rendimiento y el escenario donde algunas de las mayores figuras de este deporte han buscado una de esas experiencias que solo el océano puede ofrecer: encontrar una línea perfecta y mantenerla durante cientos de metros.

Chasing the Perfect Wave: Jeffrey’s Bay – The Pure Line recupera esa historia y se sumerge en la relación entre los surfistas y una rompiente que ha evolucionado al mismo tiempo que lo hacía el propio surf. Con Shaun Tomson y Mark Occhilupo como dos de sus grandes protagonistas, el documental viaja desde los primeros años de J-Bay hasta la época en la que la ola pasó a convertirse en uno de los escenarios imprescindibles del surf profesional.

Porque hablar de Jeffreys Bay no significa hablar únicamente de una ola. J-Bay es un point break formado por diferentes secciones, cada una con su propia personalidad. Boneyards, Supertubes, Impossibles, Tubes y Point forman parte de un recorrido que, cuando las condiciones son las adecuadas, permite conectar diferentes paredes y construir una de las líneas más largas y reconocibles del planeta. Entre todas ellas, Supertubes se convirtió con el tiempo en la sección más famosa y en el corazón competitivo de J-Bay.

Y conviene hacer una precisión: Supertubes no es Jeffreys Bay en sí mismo, sino una de las secciones de este point break sudafricano. No debe confundirse con Supertubos, en Peniche, Portugal. Dos nombres similares, dos olas completamente diferentes. En J-Bay, Supertubes es la sección rápida, técnica y tubular que terminó convirtiéndose en uno de los grandes escenarios del surf mundial.

Cuando J-Bay todavía era territorio por descubrir

La historia moderna de Jeffreys Bay comenzó a tomar forma durante los años sesenta, cuando los primeros surfistas empezaron a explorar sus diferentes secciones. En aquella época, la ola que hoy conocemos como uno de los grandes templos del surf era un lugar mucho más remoto y menos accesible. Los surfistas se concentraban principalmente en The Point, mientras las secciones exteriores planteaban un desafío considerable.

La evolución de las tablas fue cambiando esa relación con la ola. Las tablas más cortas y maniobrables permitieron atacar paredes que anteriormente resultaban mucho más difíciles de aprovechar. Más adelante, el invento facilitó también la posibilidad de enfrentarse a los fondos rocosos y a las secciones más exigentes. Poco a poco, los surfistas comenzaron a desplazarse hacia las partes más rápidas del point y Supertubes empezó a revelar todo su potencial.

Aquella transformación es una parte fundamental de la historia de J-Bay porque demuestra que una ola no permanece igual cuando cambia el surfista que la monta. La evolución del material también transforma el mapa de una rompiente. Lo que para una generación era una sección imposible puede convertirse, para la siguiente, en el lugar donde desarrollar una nueva forma de surfear.

Y Jeffreys Bay fue precisamente eso: un lugar donde las nuevas tablas, las nuevas líneas y las nuevas generaciones fueron ampliando los límites de lo que parecía posible.

Shaun Tomson y la construcción de una leyenda

Pocos nombres están tan ligados a la historia de J-Bay como Shaun Tomson. El sudafricano, campeón del mundo en 1977, creció surfeando las olas de su país y se convirtió en uno de los grandes referentes de la generación que llevó el surf sudafricano al escenario internacional.

Para Tomson, J-Bay fue mucho más que una ola perfecta. Fue una escuela. Allí aprendió a leer paredes largas, a mantener velocidad y, sobre todo, a entender que el surf no consistía necesariamente en acumular maniobras, sino en encontrar una línea que permitiera conectar cada parte de la ola con la siguiente.

Esa idea acabaría siendo esencial para comprender J-Bay. Una de sus características más especiales es precisamente la posibilidad de enlazar secciones. Con el swell adecuado, la ola puede comenzar en Boneyards y continuar a través de Supertubes, Impossibles, Tubes y otras secciones hasta convertirse en un recorrido extraordinariamente largo. No se trata simplemente de sobrevivir a una ola rápida: se trata de anticipar lo que va a ocurrir en los siguientes segundos y colocar la tabla en el lugar exacto para que la línea no se rompa.

Tomson fue uno de los primeros en demostrar hasta dónde podía llegar esa idea. Su victoria en el Beach Hotel Classic de 1981 ayudó a consolidar la importancia competitiva de Jeffreys Bay y abrió el camino para que el point break sudafricano comenzara a ocupar un lugar permanente en la imaginación del surf internacional.

Occhilupo y el día que J-Bay volvió a cambiar

Tres años después, la historia de J-Bay escribiría otro de sus capítulos fundamentales. Un joven Mark Occhilupo, todavía adolescente, llegó a Sudáfrica y ganó el campeonato de 1984.

Lo hizo de una manera que llamó especialmente la atención. Su surf de backside en las rápidas paredes de J-Bay tenía una potencia y una radicalidad poco habituales para la época. Allí donde otros podían ver la dificultad de surfear una derecha de espaldas, Occhilupo encontró una oportunidad para atacar la pared con fuerza y velocidad.

Su victoria frente a Hans Hedemann se convirtió en uno de los momentos más recordados de la historia competitiva de J-Bay. El campeonato ofreció varios días de buenas condiciones y permitió comprobar hasta qué punto aquella ola podía convertirse en un escenario para llevar el surf competitivo hacia una nueva dimensión.

La importancia de Occhilupo no estuvo solamente en ganar. Su manera de surfear ayudó a demostrar que la ola podía ser interpretada de muchas maneras diferentes. J-Bay no tenía una única línea correcta. Cada generación podía encontrar una nueva.

Esa es probablemente una de las razones por las que la ola ha mantenido su relevancia durante tanto tiempo.

De la aventura al circuito mundial

Con el paso de los años, Jeffreys Bay dejó de ser aquel point break remoto que unos pocos surfistas perseguían en la costa sudafricana y se convirtió en uno de los grandes escenarios del surf profesional. La competición fue creciendo hasta que, en 1996, J-Bay entró en el World Championship Tour. Kelly Slater ganó aquella primera edición dentro del circuito mundial, inaugurando una nueva etapa en la historia competitiva del lugar.

A partir de entonces, la lista de nombres que han dejado su huella en J-Bay parece un resumen de la propia evolución del surf moderno. Kelly Slater, Andy Irons, Mick Fanning, Jordy Smith y muchas otras figuras han tenido que enfrentarse a una ola que premia especialmente la velocidad, la precisión y la capacidad para mantener una línea durante mucho tiempo.

Pero precisamente ahí está la dificultad.

Desde la orilla, J-Bay puede parecer una ola perfecta, casi demasiado perfecta. Una pared limpia, larga y abierta en la que parece que todo está escrito. Sin embargo, cuando se entra en ella, cada sección plantea una pregunta diferente. ¿Dónde ganar velocidad? ¿Cuándo entrar en el tubo? ¿Hasta dónde bajar la pared? ¿Dónde colocar la tabla para llegar a la siguiente sección?

Una mala decisión al principio puede acabar con toda la ola.

Una buena decisión puede convertirla en un recorrido de cientos de metros.

La línea por encima de la maniobra

Quizá sea este aspecto el que mejor explica por qué Jeffreys Bay ha tenido tanta influencia sobre el surf moderno.

En una época en la que el surfing competitivo ha evolucionado hacia maniobras cada vez más radicales, J-Bay continúa recordando que existe otra manera de medir la calidad de un surfista: la capacidad de conectar la ola.

La velocidad es fundamental. El posicionamiento también. El surfista tiene que saber cuándo acelerar y cuándo esperar, cuándo atacar la sección y cuándo conservar energía para la siguiente. Una gran maniobra aislada puede impresionar, pero en J-Bay lo verdaderamente difícil es construir una secuencia en la que cada movimiento tenga sentido dentro de la línea completa.

Por eso la expresión The Pure Line resulta tan apropiada para contar esta historia.

La película escrita y narrada por Shaun Tomson recupera precisamente esa evolución: desde los primeros surfistas que comenzaron a explorar Jeffreys Bay hasta la llegada de las grandes estrellas del surf profesional. El documental utiliza la ola como hilo conductor para hablar también de las personas, las tablas, la competición y la cultura que crecieron alrededor de ella.

Y en ese viaje aparecen nombres y generaciones diferentes, pero una misma obsesión.

La línea perfecta.

Una historia que va más allá de las olas

La historia de J-Bay tampoco puede separarse completamente de la historia de Sudáfrica. Durante los años del apartheid, el surf estuvo inevitablemente condicionado por una sociedad marcada por la segregación racial. La propia película aborda episodios relacionados con surfistas negros que se enfrentaron a la discriminación y a la intervención policial cuando intentaban acceder a determinados espacios y practicar surf.

Es una parte menos conocida de la historia de Jeffreys Bay, pero necesaria para comprender cómo evolucionó realmente aquella comunidad surfera. El mito de la ola perfecta convivía con una realidad social muy alejada de esa imagen idílica que posteriormente proyectaría J-Bay al resto del mundo.

Con el tiempo, la comunidad del surf fue cambiando, igual que cambió la propia Sudáfrica. Y Jeffreys Bay pasó de ser un lugar conocido principalmente por unos pocos surfistas a convertirse en una referencia internacional, un destino para surfistas de todo el mundo y una pieza fundamental del calendario profesional.

Una ola que sigue escribiendo su propia historia

Más de medio siglo después de que los primeros surfistas comenzaran a explorarla, Jeffreys Bay continúa teniendo algo que las nuevas generaciones todavía quieren descubrir.

Quizá sea porque la ola nunca termina de estar completamente descifrada. Las tablas cambian. Las maniobras evolucionan. Los surfistas son cada vez más rápidos y radicales. Pero la pared sigue siendo la misma.

Cuando un swell entra con la dirección adecuada y el viento limpia la superficie, J-Bay vuelve a mostrar por qué ocupa un lugar tan especial en la historia del surf. Boneyards empieza a moverse, Supertubes se convierte en una pared de velocidad, las secciones se conectan y, durante unos instantes, el surfista tiene delante una de esas líneas que parecen dibujadas de antemano.

Shaun Tomson ayudó a enseñarle al mundo cómo recorrerla. Mark Occhilupo demostró que todavía podía surfearse de otra manera. Las generaciones posteriores llevaron esa evolución todavía más lejos.

Y quizás esa sea la verdadera historia de Jeffreys Bay.

No la de una ola perfecta que permaneció intacta durante décadas, sino la de una ola que obligó al surf a evolucionar con ella.

Porque cada generación que llega a J-Bay busca lo mismo que buscaban aquellos primeros surfistas: una pared que se abra delante de ellos, suficiente velocidad para recorrerla y unos segundos en los que todo encaje.

Una línea limpia.

Una línea larga.

Una línea que, por un instante, parezca perfecta.

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Jeth, Claudia y Epong se embarcan en una aventura por Filipinas sin billete de vuelta ni un destino completamente definido. Solo necesitan un barco, un poco de espacio y buenas olas. El resultado es “ODI-SEA”, una película del Philippines Surf Discovery Tour en colaboración con Mahi Mahi Media.

Hay viajes de surf que se organizan al milímetro y otros que empiezan simplemente con la decisión de dejarse llevar. “ODI-SEA” pertenece claramente a la segunda categoría.

La película sigue a Jeth, Claudia y Epong durante una travesía por Filipinas en la que los hoteles y los vuelos quedan atrás para dar paso a una litera en un barco pesquero local. Sin una fecha fija de regreso y con un plan abierto a lo que pueda suceder, el viaje comienza a convertirse poco a poco en una auténtica deriva por el océano.

Los días pasan entre el ruido constante del motor, las comidas preparadas en cubierta y las horas de descanso allí donde queda un hueco. Pero, como suele ocurrir en cualquier buen surftrip, todo cambia cuando aparece la ola.

Cuando el plan deja de importar

La ola que encuentran es suficiente para alterar cualquier itinerario. Lo que inicialmente era una travesía se convierte en una estancia mucho más larga de lo previsto. La tripulación decide quedarse, surfear y aprovechar unas condiciones que ofrecen días de olas grandes, playas vacías y un horizonte prácticamente desierto.

No hay prisas. Tampoco parece haber demasiadas razones para marcharse.

Ese cambio de planes es, precisamente, uno de los elementos que hacen especial a “ODI-SEA”. La película no plantea únicamente la búsqueda de una ola, sino esa sensación tan familiar para cualquier surfista de encontrar un lugar que obliga a replantearse el viaje entero.

Porque cuando las condiciones son buenas, el calendario pierde importancia.

El secreto estaba mucho más cerca

Y entonces llega la verdadera sorpresa de la película.

El descubrimiento no conduce a un arrecife perdido en algún punto remoto del planeta. Al contrario: el lugar está mucho más cerca de lo que podría parecer.

Epong lo resume con una frase que cambia la perspectiva del viaje: prácticamente se puede ver la ciudad desde allí y, sin embargo, la sensación sigue siendo la de estar en Siargao.

Ese contraste es una de las claves de “ODI-SEA”. No hace falta navegar hasta el último rincón del mapa para experimentar la sensación de estar lejos de todo. A veces basta con cambiar la manera de mirar el territorio.

Y la película decide mantener el misterio.

Nunca revela dónde está exactamente esa ola.

No es un detalle menor. En un momento en el que prácticamente cualquier spot puede terminar señalado en un mapa o compartido en redes sociales, guardar la localización forma parte del propio mensaje de la película. El viaje importa tanto como el destino, y la sensación de descubrimiento no necesita coordenadas.

Una aventura sin coordenadas

“ODI-SEA” es, en definitiva, una historia sobre dejar espacio para que el océano decida. Jeth, Claudia y Epong parten sin un calendario cerrado y terminan prolongando su estancia porque encuentran exactamente lo que cualquier surfista espera encontrar en un viaje: buenas olas, poca gente y tiempo para disfrutarlas.

La película forma parte del Philippines Surf Discovery Tour, en colaboración con Mahi Mahi Media, y plantea una idea sencilla pero poderosa: quizá todavía sea posible sentirse explorador sin tener que irse al fin del mundo.

Solo hay que estar dispuesto a subir a un barco, apagar el calendario y seguir las olas.

Y, sobre todo, saber cuándo no revelar dónde están.

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Charly Quivront se queda sin tablas en África y convierte un viaje maldito en una sesión memorable

Lo que debía ser un viaje de surf en busca de una potente ola en un rincón remoto de África comenzó acumulando problemas antes incluso de llegar al agua. Charly Quivront y el equipo de Volcom perdieron un vuelo, dejaron a un compañero en tierra y, al llegar al destino, descubrieron que las tablas tampoco habían llegado. La historia queda ahora recogida en The Damned Rock.

Los viajes de surf rara vez salen exactamente como están previstos. Vuelos, equipaje, material, condiciones meteorológicas y logística pueden convertir una misión aparentemente sencilla en una sucesión de imprevistos. En el caso de Charly Quivront y el equipo de Volcom, la lista de problemas empezó a crecer desde el primer momento.

El objetivo era sencillo: desplazarse hasta un lugar remoto de África para aprovechar una potente ola y esperar las condiciones adecuadas para una de esas sesiones que justifican meses de preparación. Sin embargo, el viaje comenzó con un billete de avión perdido. Poco después, uno de los integrantes del grupo tuvo que quedarse fuera al no poder recuperar el importe de su vuelo.

La situación se complicó todavía más al llegar al destino. Las tablas de surf no habían aparecido con el resto del equipaje.

Con la llegada de las olas cada vez más cerca, el equipo se encontró sin el material que había preparado específicamente para el viaje. El margen de maniobra era reducido y la posibilidad de perder la sesión que había motivado todo el desplazamiento empezaba a ser real.

Fue entonces cuando apareció una solución inesperada: una tabla diferente a la que Quivront tenía previsto utilizar.

No era el equipo elegido para aquella sesión ni la opción que el surfista francés había imaginado para enfrentarse a las condiciones. Pero no había demasiadas alternativas. Y, contra todo pronóstico, la combinación funcionó.

El resultado fue una jornada de surf que terminó cambiando el rumbo del viaje. Quivront pudo entrar al agua y aprovechar una sesión de olas potentes en un escenario tan remoto como espectacular.

Ahí es donde The Damned Rock encuentra su interés. Más que presentar únicamente una nueva sesión de surf, el filme de Volcom recoge todo aquello que sucede alrededor de ella: los problemas de logística, la incertidumbre y la necesidad de improvisar cuando el plan original deja de existir.

El episodio de las tablas termina siendo, de hecho, una de las claves de la historia. Lo que inicialmente parecía el golpe definitivo para el viaje acaba dando paso a una sesión en la que una tabla encontrada a última hora demuestra ser suficiente para aprovechar el día.

La película también pone el foco en una realidad habitual de los viajes de surf: muchas de las mejores sesiones no llegan acompañadas de las condiciones perfectas fuera del agua. A veces hay que perder vuelos, esperar equipaje, cambiar de planes y, finalmente, entrar al agua con lo que se tiene.

En The Damned Rock, Charly Quivront acaba encontrando la manera de surfear el día que habían ido a buscar. Un viaje que empezó acumulando contratiempos termina convertido en una historia de adaptación, improvisación y surf.

Filmado por Jose Roque y editado por Gabriel Boin, The Damned Rock muestra el viaje completo y la sesión que consiguió salvarlo.

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Hay imágenes de Kelly Slater que forman parte de la historia del surf. Tubos imposibles, victorias, títulos mundiales y momentos que han contribuido a construir la leyenda del 11 veces campeón del mundo. Pero hay otra versión de Slater que rara vez aparece delante de una cámara.

Es precisamente esa versión la que Todd Glaser ha querido mostrar en “Kelly + Tahití”, un cortometraje rodado durante la participación de Slater en el Outerknown Tahiti Pro 2026. La película, publicada por Outerknown a finales de septiembre, se aleja por momentos de la competición para entrar en la vida del surfista de 54 años junto a su familia, en uno de sus lugares favoritos del planeta.

Un regreso que volvió a poner a Slater en el centro de la escena

La historia comienza con un regreso que parecía difícil de imaginar. Slater recibió una wildcard para disputar el Outerknown Tahiti Pro 2026, séptima prueba del Championship Tour de la World Surf League, después de haberse retirado de la competición a tiempo completo en 2024 y tras pasar por una operación de cadera a finales de 2025.

A los 54 años, y frente a una de las olas más exigentes del mundo, el estadounidense demostró inmediatamente que todavía tenía mucho que decir.

En primera ronda derrotó a Eli Hanneman con un 16,23, incluyendo un 9,00 en una de sus características cabalgadas profundas en el tubo de Teahupo’o.

Pero lo mejor estaba por llegar.

En segunda ronda se encontró con Gabriel Medina, tres veces campeón mundial y precisamente el surfista que le había arrebatado la final del Tahiti Pro de 2014 por apenas tres centésimas. Doce años después, Slater se tomó la revancha en unas condiciones de 8 a 10 pies.

Tras sufrir varios golpes al comienzo de la manga —incluida una ola que le rompió la tabla—, Slater reaccionó con dos auténticos tubos de nueve puntos: 9,73 y 9,33, para sumar un espectacular 19,06 sobre 20 y eliminar a Medina.

La actuación lo convirtió en uno de los grandes protagonistas del campeonato. Sin embargo, su recorrido terminó en tercera ronda frente al defensor del título, Jack Robinson, que se impuso por 15,00 a 8,46. Slater terminó finalmente noveno en el evento.

Y es precisamente entre esas mangas, durante los días de descanso y lejos de la camiseta de competición, donde Todd Glaser encontró otra historia.

Tahití visto a través de los ojos de Tao

Glaser y Slater se conocen desde hace décadas. Su relación comenzó cuando Todd todavía era estudiante de fotografía en Santa Bárbara y ambos coincidieron en Rincon. Desde entonces, el fotógrafo se convirtió en uno de los colaboradores más cercanos del surfista y en alguien en quien Slater confía plenamente para documentar momentos que van mucho más allá de una sesión de surf.

En esta ocasión, Glaser viajó con Slater a Tahití y documentó tanto su regreso a Teahupo’o como la vida familiar alrededor del campeonato.

Slater estuvo acompañado por su pareja, Kalani Miller, su hijo de dos años, Tao, y su hija pequeña, Azumi. Para Glaser, esa presencia familiar fue fundamental a la hora de decidir cómo contar la historia.

La intención no era simplemente hacer otra película sobre Kelly Slater surfeando una ola gigante.

“Mi enfoque al hacer esta película fue mostrar una mirada íntima a lo que significa experimentar el surf al más alto nivel a través de los ojos de su hijo, Tao”, explica Glaser.

La elección es significativa. Durante décadas hemos visto a Slater desde la perspectiva del campeón: el surfista que entra al agua, analiza las condiciones y se lanza por el tubo cuando todo está en juego. “Kelly + Tahití” intenta invertir esa mirada y mostrar al hombre que existe antes y después de ponerse la camiseta.

“Compite mejor cuando está inspirado por una ola increíble”

Para Glaser, existe además una conexión directa entre la relación de Slater con Teahupo’o y la manera en que afronta la competición.

Slater ha ganado cinco veces el evento de Tahití, un récord que ayuda a explicar su vínculo con la ola. Y, según su amigo y fotógrafo, el estadounidense parece competir de una manera diferente cuando existe la posibilidad de enfrentarse a una ola realmente extraordinaria.

“Se podía sentir la energía y la emoción de Kelly, no solo por competir en una de sus olas favoritas, sino también por estar allí con su familia”, cuenta Glaser. “Ha ganado el evento cinco veces y, desde mi punto de vista, compite mejor cuando le inspira la posibilidad de surfear una ola increíble.”

Esa relación con Teahupo’o volvió a quedar patente durante el campeonato. Su 19,06 frente a Medina fue la mejor suma de Slater en esa ola desde su última victoria allí, en 2016, y confirmó que su conexión con el reef tahitiano sigue intacta.

De la leyenda al padre

El verdadero interés de la película, sin embargo, está en lo que sucede cuando desaparece la presión de la competición.

Entre mangas y días sin surf, Slater explora Tahití con su familia. Tao aparece como uno de los ejes narrativos de la película, mientras Glaser observa una versión del surfista mucho más relajada y personal.

Es una perspectiva especialmente interesante porque Slater se encuentra en una etapa completamente distinta de su vida. Ya no necesita demostrar que puede ganar otro título mundial. Después de 11 campeonatos y décadas compitiendo al máximo nivel, su relación con el surf parece haberse desplazado progresivamente desde la obligación hacia el disfrute.

Y Tahití representa perfectamente esa transición.

La película no intenta separar al campeón del padre, sino mostrar que ambas identidades conviven. El mismo Kelly que minutos antes está entrando en uno de los tubos más peligrosos del planeta aparece después compartiendo tiempo con sus hijos y recorriendo la isla.

“Kelly nos dio permiso para entrar en su mundo”, explica Glaser. “Quise celebrar esos momentos capturándolos de una manera personal y hermosa.”

Una amistad detrás de la cámara

Quizá una de las claves para que estas imágenes funcionen sea precisamente quién está detrás del objetivo.

La relación entre Slater y Glaser se ha construido durante años y está basada en una confianza poco habitual entre fotógrafo y atleta. Glaser sabe cuándo entrar en acción y cuándo bajar la cámara y dejar que el momento suceda. Esa confianza resulta especialmente importante cuando el protagonista deja de ser “Kelly Slater, 11 veces campeón del mundo” y pasa a ser simplemente Kelly.

El resultado es un cortometraje que funciona como complemento perfecto a las imágenes que dejó el Tahiti Pro.

Porque en agosto vimos al Kelly competitivo: el hombre que, con 54 años, volvió a ponerse una camiseta de competición, sobrevivió a Teahupo’o, eliminó a Gabriel Medina con un 19,06 y volvió a demostrar que su relación con las olas de consecuencia continúa siendo extraordinaria.

En “Kelly + Tahití” vemos lo que había alrededor de todo aquello.

A su familia. A su amigo. A Tahití lejos de la presión del campeonato. Y a un surfista que, después de casi cuatro décadas en la élite, parece estar encontrando una nueva manera de disfrutar de lo que siempre ha sido el centro de su vida.

Kelly + Tahití no es otra película sobre el GOAT. Es una película sobre Kelly Slater cuando deja de serlo por un momento.

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Bamb’Amaza, el cortometraje de Patagonia Films, pertenece a esta segunda categoría. A través de la historia de Othandwayo, una niña de 12 años de Imizamo Yethu, en Ciudad del Cabo, la película se adentra en una relación con el océano que va mucho más allá de aprender a ponerse de pie sobre una tabla. El agua se convierte en un espacio de aprendizaje, de descubrimiento y de transformación, pero también en un lugar donde comprender que hay cosas que nunca podremos controlar.

En Hout Bay, al sur de Ciudad del Cabo, el océano forma parte del paisaje cotidiano. Sin embargo, vivir cerca del mar no significa necesariamente tener acceso a él, ni sentirse parte de ese mundo que para muchos surfistas parece tan natural. Las diferencias sociales y económicas pueden crear una distancia enorme entre una comunidad y el océano que tiene delante. Bamb’Amaza parte precisamente de esa realidad para mostrar cómo el surf puede convertirse en una herramienta capaz de reducir esa distancia y abrir nuevas posibilidades para jóvenes que encuentran en el agua un espacio diferente al que conocen en su vida diaria.

La protagonista de la película es Othandwayo, una joven que comienza a descubrir el surf y, con él, una nueva manera de relacionarse con su entorno. Lo interesante no es únicamente observar cómo aprende a surfear, sino comprobar cómo las enseñanzas del agua empiezan a trasladarse a su propia vida. El océano obliga a aceptar la incertidumbre: las condiciones cambian, las olas nunca llegan exactamente como esperamos y, por mucho que estudiemos el mar, siempre habrá algo que escapará a nuestro control. Aprender a surfear significa, en buena medida, aprender a adaptarse.

Esa idea recorre toda la película. El surf no aparece como una competición contra el océano, sino como una conversación con él. No se trata de imponerse a las olas, sino de entenderlas; de saber cuándo remar, cuándo esperar y cuándo aceptar que una oportunidad se ha perdido. Para alguien que está empezando, cada caída forma parte del aprendizaje. Hay que levantarse, volver a colocarse en la posición correcta y esperar la siguiente ola. Lo que desde fuera puede parecer simplemente una sucesión de intentos sobre una tabla se convierte así en una forma de aprender a afrontar las dificultades.

Sentinel Ocean Alliance

En ese proceso, la comunidad adquiere un papel fundamental. El surf suele representarse como una actividad individual en la que una persona se enfrenta a una ola, pero la realidad de muchas comunidades surferas es muy diferente. Detrás de cada sesión existe una red de personas, conocimientos y experiencias compartidas. En el caso de Othandwayo, esa dimensión colectiva es especialmente importante. Los programas desarrollados por Sentinel Ocean Alliance en Hout Bay utilizan el surf y la educación oceánica para acercar a niños y jóvenes de las comunidades locales al mar, proporcionando no solo acceso al deporte, sino también conocimientos sobre el entorno y un espacio en el que relacionarse con otras personas.

Ahí es donde una tabla de surf adquiere un significado diferente. Puede ser una herramienta deportiva, pero también puede convertirse en una puerta de entrada a un mundo que antes parecía lejano. Entrar al agua acompañado por otras personas, aprender a leer las condiciones, conocer las mareas y entender el ecosistema marino genera una relación distinta con el lugar en el que se vive. El océano deja de ser simplemente un paisaje que se contempla desde la costa para convertirse en un espacio que se conoce, se respeta y se siente como propio.

Esta conexión con el entorno es especialmente relevante en una película producida por Patagonia, una marca que desde hace años utiliza sus proyectos audiovisuales para poner el foco en las personas que mantienen una relación directa con la naturaleza y en las cuestiones ambientales y sociales relacionadas con ella. En Bamb’Amaza, sin embargo, el mensaje no necesita grandes discursos. La historia de Othandwayo permite que la relación entre persona, comunidad y océano se explique por sí misma, a través de algo tan sencillo y universal como aprender a surfear.

Quizá una de las mayores virtudes del cortometraje sea precisamente esa ausencia de épica convencional. Aquí no encontramos una historia construida alrededor de la ola perfecta ni de una hazaña extraordinaria. No hay récords que batir ni grandes maniobras que justifiquen el relato. La importancia está en otro lugar: en cada pequeño avance, en cada intento y en la posibilidad de descubrir que una actividad aparentemente sencilla puede modificar la manera en la que una persona observa su entorno y se observa a sí misma.

El título de la película, Bamb’Amaza

Resume de alguna manera ese proceso. La historia habla de crecer, de desarrollarse y de encontrar un lugar propio mientras se aprende a convivir con un entorno que nunca permanece exactamente igual. El océano funciona como una metáfora evidente, pero no forzada. Frente a él no existe una sensación real de control absoluto. Solo queda aprender a interpretar sus señales y responder a ellas de la mejor manera posible.

Todos los surfistas conocen esa sensación, aunque cada uno la haya experimentado de una manera diferente. Podemos consultar el parte, observar el viento, estudiar la marea, escoger una tabla determinada y esperar que las condiciones sean las adecuadas, pero cuando llega una serie siempre existe un margen de incertidumbre. La ola puede abrir o cerrarse, podemos llegar tarde o perder el take off, una corriente puede cambiar y obligarnos a modificar nuestra posición. El océano nos recuerda constantemente que nuestra preparación tiene un límite y que, llegado cierto momento, debemos confiar en nuestra capacidad para adaptarnos.

Para alguien que está creciendo, esas lecciones pueden tener un valor todavía mayor. Aprender a caer sin abandonar, aceptar que no todas las olas pueden cogerse y comprender que el siguiente intento puede ser mejor que el anterior son experiencias que trascienden el deporte. El surf ofrece un escenario en el que el fracaso no tiene por qué ser definitivo. Una ola perdida desaparece en cuestión de segundos, pero detrás llega otra. Lo importante es estar preparado para volver a remar.

Por eso Bamb’Amaza no es únicamente una película sobre una niña que aprende a surfear. Es una película sobre las oportunidades que aparecen cuando una persona encuentra un espacio en el que puede aprender, equivocarse y volver a intentarlo. También es una historia sobre el valor de acercar el océano a comunidades que históricamente han estado separadas de él y sobre la capacidad del surf para generar vínculos que van mucho más allá del deporte.

El significado de Bamb’Amaza

En un momento en el que el surf se ha convertido en una industria global y las imágenes de olas perfectas circulan constantemente por las pantallas, Bamb’Amaza propone detenerse y recordar una de las razones más sencillas por las que seguimos entrando al agua. Antes de las competiciones, de los viajes, de las tablas de alta gama y de las grandes sesiones, existe algo mucho más básico: la sensación de estar en el mar y aprender a formar parte de él.

La historia de Othandwayo habla precisamente de eso. De descubrir que el océano no necesita ser conquistado para enseñarnos algo. De entender que no siempre podemos elegir las condiciones, pero sí podemos decidir cómo responder ante ellas. Y de aceptar que crecer, igual que surfear, consiste muchas veces en encontrar el equilibrio entre luchar por lo que queremos y saber cuándo debemos dejarnos llevar.

Al final, quizá esa sea la principal lección que deja Bamb’Amaza. El océano no promete que la siguiente ola será mejor, ni que conseguiremos levantarnos cada vez que lo intentemos. Lo único que garantiza es que seguirá moviéndose, cambiando y planteándonos nuevas preguntas. Nosotros solo tenemos que aprender a leerlo, entrar en el agua y volver a remar cuando la ola que esperábamos se haya escapado.

“No puedes controlar los océanos, pero puedes aprender a moverte con ellos”. El agua enseña lecciones de perseverancia, fuerza y comunidad que van más allá de las olas.

Producido por Eyeforce y dirigido por Arthur Neumeier

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La primera vez que viajé a Fiji en busca de olas fue en 1987. En aquella época no había Internet, ni teléfonos móviles, ni aplicaciones de previsión que permitieran seguir una marejada desde el otro lado del planeta. La información circulaba de otra manera y, en muchas ocasiones, viajar en busca de olas era simplemente cuestión de tener un poco de información, confiar en ella y asumir el riesgo. En aquel viaje iba buscando al equipo de surf de Billabong en la isla de Tavarua. Pensaba que estarían allí, pero cuando llegué descubrí que no. Aun así, aquella primera experiencia fue el comienzo de una relación que se prolongaría durante décadas con Fiji y, especialmente, con Cloudbreak, una de las olas más poderosas y reconocibles del Pacífico Sur.

Desde entonces han sido incontables los viajes a Fiji, muchos de ellos relacionados con el surf profesional. A partir de 1999, el archipiélago se convirtió en una parada habitual para grandes eventos de surf, incluyendo pruebas de Quiksilver y Globe, lo que permitió regresar una y otra vez a estas islas para filmar y fotografiar algunas de las mejores olas del planeta. Sin embargo, esta nueva visita no tenía como objetivo recuperar la historia de Tavarua ni repasar el pasado competitivo de Cloudbreak. Esta vez se trataba, sencillamente, de perseguir una marejada.

La historia comenzó muy lejos de Fiji, en los Rugientes Cuarenta, al sur de Tasmania. Allí se desarrolló una potente tormenta capaz de generar un enorme campo de olas, con tamaños que rondaban los 35 y 40 pies en la zona de origen. Toda esa energía comenzó después su largo recorrido a través del océano, cruzando el mar de Tasmania y avanzando hacia el noreste en dirección a Fiji. Sobre los mapas, el swell tenía todos los ingredientes necesarios para despertar Cloudbreak, pero había una variable que podía complicarlo todo: el viento.

Las previsiones indicaban que, cuando la marejada alcanzara Fiji, los vientos podían soplar con fuerza desde el sureste. No era precisamente la dirección que uno desea cuando está viajando miles de kilómetros en busca de las mejores condiciones posibles en Cloudbreak. Aun así, cuando aparece en los mapas una marejada de esta magnitud, quedarse en casa no parece una opción. La decisión fue arriesgarse y viajar, especialmente después de saber que varios surfistas de primer nivel también estaban siguiendo la misma previsión.

Entre los nombres que respondieron a la llamada estaban los hawaianos Kala Grace y Kai Lenny, dos surfistas acostumbrados a enfrentarse a condiciones de gran tamaño, junto a los brasileños Lucas Chumbo y Pedro Calado. También se sumaron varios de los jóvenes surfistas australianos que están ganando protagonismo dentro de la escena de olas grandes, como Lex O’Connell, Fletcher Kelleher y Luke O’Connell. A ellos se unieron los surfistas locales de Fiji Che Slatter, Teo Degei y James Kusitino, que conocen de primera mano las particularidades del arrecife y saben perfectamente cómo cambia Cloudbreak cuando aumenta el tamaño del swell.

Finalmente, la marejada llegó a Fiji y durante cuatro días Cloudbreak ofreció el espectáculo que todos habían ido a buscar. El tamaño y la potencia del swell transformaron el arrecife en un escenario reservado para surfistas preparados para asumir condiciones realmente exigentes. Cloudbreak es una ola que no necesita demasiada presentación: cuando recibe suficiente energía del océano puede convertirse en una máquina de tubos y paredes rápidas, con una fuerza considerable y un arrecife que deja poco margen para cometer errores. En estas condiciones, cada take-off requiere compromiso y cada maniobra debe ejecutarse con precisión.

El viento quizá no fuera el elemento perfecto que todos habían imaginado cuando comenzaron a seguir la marejada, pero la fuerza del swell consiguió imponerse y ofrecer cuatro días de surf de gran calidad. Lo que había comenzado miles de kilómetros al sur, con una tormenta desarrollándose en las aguas situadas alrededor de Tasmania, terminó convirtiéndose en una de esas sesiones que explican por qué surfistas, fotógrafos y cámaras continúan siguiendo las grandes marejadas hasta los rincones más remotos del planeta.

Surfista surfeando una ola grande en Cloudbreak, Fiji, durante la marejada CloudBreak XPress.

CloudBreak XPress es, en definitiva, la historia de una persecución.

La persecución de una tormenta a través del Pacífico Sur, de una marejada que tardó días en recorrer miles de kilómetros y de una ola que, cuando recibe suficiente energía, demuestra por qué ocupa un lugar especial dentro de la historia del surf. Durante cuatro días, surfistas de Hawái, Brasil, Australia y Fiji coincidieron frente a uno de los arrecifes más famosos del mundo para aprovechar una oportunidad que no aparece todos los días. Una apuesta por el swell que terminó dando como resultado cuatro jornadas de olas increíbles en el mundialmente conocido Cloudbreak.

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BY THE WAVE 3: “Forgotten Tales”, tres meses persiguiendo olas para cerrar el círculo en Canarias

La saga BY THE WAVE llega a su último capítulo. Dos años después de su viaje a Galicia, Edoardo Guglielmetti y Daniele Vignola regresan a Canarias para pasar tres meses surfeando, explorando y filmando en busca de nuevas historias.

Hay viajes que empiezan con una ola y terminan convirtiéndose en algo mucho más grande. BY THE WAVE llega a su tercer y último capítulo regresando precisamente al lugar donde comenzó todo: las Islas Canarias.

Después de la aventura vivida en Galicia dos años atrás, Edoardo Guglielmetti y Daniele Vignola vuelven a poner rumbo al Atlántico con una idea clara: surfear, descubrir nuevos lugares y documentar cada día de la aventura.

El resultado es BY THE WAVE 3: “Forgotten Tales”, una película nacida de tres meses de búsqueda constante, sesiones de surf y jornadas de filmación.

Tres meses siguiendo las olas

En esta ocasión, el viaje les lleva a encontrarse con Giordano Fattacciu, surfista italiano y auténtico apasionado del surf, que se convierte en compañero de viaje y guía para mostrarles la belleza y algunos de los secretos de la isla.

Porque en BY THE WAVE el objetivo no parece ser únicamente encontrar buenas olas. La búsqueda forma parte de la aventura: recorrer la costa, esperar las condiciones, descubrir nuevos rincones y estar preparado para entrar al agua cuando el Atlántico decide regalar una oportunidad.

Durante tres meses, la rutina se repite: surfear, buscar, esperar y filmar. Día tras día. Una dinámica que permite que el propio viaje se convierta en la historia.

Volver al principio para poner el punto final

El regreso a Canarias tiene además un significado especial. Es el territorio donde comenzó esta saga y ahora se convierte en el escenario de su despedida.

Forgotten Tales cierra así el recorrido de BY THE WAVE, recuperando ese espíritu de exploración que ha acompañado al proyecto desde el principio. Un viaje en el que el surf sirve como motor para descubrir lugares, personas y momentos que, una vez fuera del agua, permanecen en la memoria.

La película está editada, producida y dirigida por Daniele Vignola, que durante tres meses se encargó de convertir esta experiencia en el capítulo final de la saga.

Tres meses. Una isla. Un océano. Y una última búsqueda.

4:00 Capítulo 1: Bienvenidos a la isla

6:42 Capítulo 2: Ladrando a la luna

10:52 Capítulo 3: El este no existe

13:35 Capítulo 4: Una última canción

17:34 Despedida y créditos

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