Bamb’Amaza, el cortometraje de Patagonia Films, pertenece a esta segunda categoría. A través de la historia de Othandwayo, una niña de 12 años de Imizamo Yethu, en Ciudad del Cabo, la película se adentra en una relación con el océano que va mucho más allá de aprender a ponerse de pie sobre una tabla. El agua se convierte en un espacio de aprendizaje, de descubrimiento y de transformación, pero también en un lugar donde comprender que hay cosas que nunca podremos controlar.

En Hout Bay, al sur de Ciudad del Cabo, el océano forma parte del paisaje cotidiano. Sin embargo, vivir cerca del mar no significa necesariamente tener acceso a él, ni sentirse parte de ese mundo que para muchos surfistas parece tan natural. Las diferencias sociales y económicas pueden crear una distancia enorme entre una comunidad y el océano que tiene delante. Bamb’Amaza parte precisamente de esa realidad para mostrar cómo el surf puede convertirse en una herramienta capaz de reducir esa distancia y abrir nuevas posibilidades para jóvenes que encuentran en el agua un espacio diferente al que conocen en su vida diaria.

La protagonista de la película es Othandwayo, una joven que comienza a descubrir el surf y, con él, una nueva manera de relacionarse con su entorno. Lo interesante no es únicamente observar cómo aprende a surfear, sino comprobar cómo las enseñanzas del agua empiezan a trasladarse a su propia vida. El océano obliga a aceptar la incertidumbre: las condiciones cambian, las olas nunca llegan exactamente como esperamos y, por mucho que estudiemos el mar, siempre habrá algo que escapará a nuestro control. Aprender a surfear significa, en buena medida, aprender a adaptarse.

Esa idea recorre toda la película. El surf no aparece como una competición contra el océano, sino como una conversación con él. No se trata de imponerse a las olas, sino de entenderlas; de saber cuándo remar, cuándo esperar y cuándo aceptar que una oportunidad se ha perdido. Para alguien que está empezando, cada caída forma parte del aprendizaje. Hay que levantarse, volver a colocarse en la posición correcta y esperar la siguiente ola. Lo que desde fuera puede parecer simplemente una sucesión de intentos sobre una tabla se convierte así en una forma de aprender a afrontar las dificultades.

Sentinel Ocean Alliance

En ese proceso, la comunidad adquiere un papel fundamental. El surf suele representarse como una actividad individual en la que una persona se enfrenta a una ola, pero la realidad de muchas comunidades surferas es muy diferente. Detrás de cada sesión existe una red de personas, conocimientos y experiencias compartidas. En el caso de Othandwayo, esa dimensión colectiva es especialmente importante. Los programas desarrollados por Sentinel Ocean Alliance en Hout Bay utilizan el surf y la educación oceánica para acercar a niños y jóvenes de las comunidades locales al mar, proporcionando no solo acceso al deporte, sino también conocimientos sobre el entorno y un espacio en el que relacionarse con otras personas.

Ahí es donde una tabla de surf adquiere un significado diferente. Puede ser una herramienta deportiva, pero también puede convertirse en una puerta de entrada a un mundo que antes parecía lejano. Entrar al agua acompañado por otras personas, aprender a leer las condiciones, conocer las mareas y entender el ecosistema marino genera una relación distinta con el lugar en el que se vive. El océano deja de ser simplemente un paisaje que se contempla desde la costa para convertirse en un espacio que se conoce, se respeta y se siente como propio.

Esta conexión con el entorno es especialmente relevante en una película producida por Patagonia, una marca que desde hace años utiliza sus proyectos audiovisuales para poner el foco en las personas que mantienen una relación directa con la naturaleza y en las cuestiones ambientales y sociales relacionadas con ella. En Bamb’Amaza, sin embargo, el mensaje no necesita grandes discursos. La historia de Othandwayo permite que la relación entre persona, comunidad y océano se explique por sí misma, a través de algo tan sencillo y universal como aprender a surfear.

Quizá una de las mayores virtudes del cortometraje sea precisamente esa ausencia de épica convencional. Aquí no encontramos una historia construida alrededor de la ola perfecta ni de una hazaña extraordinaria. No hay récords que batir ni grandes maniobras que justifiquen el relato. La importancia está en otro lugar: en cada pequeño avance, en cada intento y en la posibilidad de descubrir que una actividad aparentemente sencilla puede modificar la manera en la que una persona observa su entorno y se observa a sí misma.

El título de la película, Bamb’Amaza

Resume de alguna manera ese proceso. La historia habla de crecer, de desarrollarse y de encontrar un lugar propio mientras se aprende a convivir con un entorno que nunca permanece exactamente igual. El océano funciona como una metáfora evidente, pero no forzada. Frente a él no existe una sensación real de control absoluto. Solo queda aprender a interpretar sus señales y responder a ellas de la mejor manera posible.

Todos los surfistas conocen esa sensación, aunque cada uno la haya experimentado de una manera diferente. Podemos consultar el parte, observar el viento, estudiar la marea, escoger una tabla determinada y esperar que las condiciones sean las adecuadas, pero cuando llega una serie siempre existe un margen de incertidumbre. La ola puede abrir o cerrarse, podemos llegar tarde o perder el take off, una corriente puede cambiar y obligarnos a modificar nuestra posición. El océano nos recuerda constantemente que nuestra preparación tiene un límite y que, llegado cierto momento, debemos confiar en nuestra capacidad para adaptarnos.

Para alguien que está creciendo, esas lecciones pueden tener un valor todavía mayor. Aprender a caer sin abandonar, aceptar que no todas las olas pueden cogerse y comprender que el siguiente intento puede ser mejor que el anterior son experiencias que trascienden el deporte. El surf ofrece un escenario en el que el fracaso no tiene por qué ser definitivo. Una ola perdida desaparece en cuestión de segundos, pero detrás llega otra. Lo importante es estar preparado para volver a remar.

Por eso Bamb’Amaza no es únicamente una película sobre una niña que aprende a surfear. Es una película sobre las oportunidades que aparecen cuando una persona encuentra un espacio en el que puede aprender, equivocarse y volver a intentarlo. También es una historia sobre el valor de acercar el océano a comunidades que históricamente han estado separadas de él y sobre la capacidad del surf para generar vínculos que van mucho más allá del deporte.

El significado de Bamb’Amaza

En un momento en el que el surf se ha convertido en una industria global y las imágenes de olas perfectas circulan constantemente por las pantallas, Bamb’Amaza propone detenerse y recordar una de las razones más sencillas por las que seguimos entrando al agua. Antes de las competiciones, de los viajes, de las tablas de alta gama y de las grandes sesiones, existe algo mucho más básico: la sensación de estar en el mar y aprender a formar parte de él.

La historia de Othandwayo habla precisamente de eso. De descubrir que el océano no necesita ser conquistado para enseñarnos algo. De entender que no siempre podemos elegir las condiciones, pero sí podemos decidir cómo responder ante ellas. Y de aceptar que crecer, igual que surfear, consiste muchas veces en encontrar el equilibrio entre luchar por lo que queremos y saber cuándo debemos dejarnos llevar.

Al final, quizá esa sea la principal lección que deja Bamb’Amaza. El océano no promete que la siguiente ola será mejor, ni que conseguiremos levantarnos cada vez que lo intentemos. Lo único que garantiza es que seguirá moviéndose, cambiando y planteándonos nuevas preguntas. Nosotros solo tenemos que aprender a leerlo, entrar en el agua y volver a remar cuando la ola que esperábamos se haya escapado.

“No puedes controlar los océanos, pero puedes aprender a moverte con ellos”. El agua enseña lecciones de perseverancia, fuerza y comunidad que van más allá de las olas.

Producido por Eyeforce y dirigido por Arthur Neumeier

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Hay películas de surf que hablan de olas, de maniobras, de viajes o de competición. Y luego están aquellas que utilizan el surf como punto de partida para hablar de algo mucho más grande. Surfing for Life, dirigida por David L. Brown y estrenada en 1999, pertenece claramente a esta segunda categoría. La película reúne a diez surfistas de entre 60 y 93 años y se adentra en sus vidas, sus recuerdos y su relación con el océano. Pero lo más interesante es que nunca los presenta como personas mayores que todavía surfean, sino como lo que realmente son: surfistas que llevan décadas construyendo su vida alrededor del mar.

Una vida dentro de una ola

Rabbit Kekai, Woody Brown, John “Doc” Ball, Eve Fletcher, Fred Van Dyke, Peter Cole, Shay Bintliff, Anona Napoleon y John Kelly son algunos de los protagonistas de una película que, vista hoy, funciona también como una extraordinaria cápsula del tiempo. Muchos de ellos estuvieron vinculados a los primeros capítulos del surf moderno y vivieron una época en la que surfear estaba muy lejos de convertirse en la industria global que conocemos actualmente. Sus recuerdos permiten viajar a un Hawai‘i y una California diferentes, cuando las playas, las tablas y las comunidades locales tenían una relación mucho más directa con una cultura que todavía estaba definiendo su propia identidad.

David L. Brown tardó seis años en completar el proyecto. El director quería explorar la relación entre el surf y un envejecimiento activo y saludable, pero la película terminó convirtiéndose en algo mucho más amplio. A través de sus protagonistas habla de amistad, familia, comunidad, naturaleza, espiritualidad y de la necesidad de mantener vivas aquellas cosas que nos hacen sentir conectados con nosotros mismos. El documental fue estrenado en el Hawai‘i International Film Festival de 1999, donde recibió el Golden Maile Award al mejor documental y el premio del público.

Antes de Instagram

Uno de los grandes atractivos de Surfing for Life está en sus imágenes de archivo. En una época en la que cualquier sesión puede quedar registrada desde una docena de ángulos gracias a drones, cámaras acuáticas y teléfonos móviles, resulta especial regresar a las fotografías y películas que ayudaron a construir la memoria visual del surf. El documental recupera material de algunos de los grandes nombres de aquella época y lo mezcla con imágenes actuales de los protagonistas.

El efecto es poderoso porque permite ver dos versiones de una misma persona. Por un lado, el joven surfista que aparece en las fotografías de décadas atrás; por otro, el hombre o la mujer que vemos frente a la cámara muchos años después. No hay necesidad de explicar el paso del tiempo. Está ahí, delante de nosotros. Las arrugas, el pelo blanco y los movimientos más lentos cuentan una historia que ninguna voz en off podría explicar mejor.

Y, sin embargo, cuando esas personas vuelven al agua, algo permanece intacto. Quizá la velocidad sea diferente. Quizá las olas que buscan ya no sean las mismas. Quizá las maniobras hayan quedado atrás. Pero la mirada hacia el horizonte es exactamente igual.

Surfing for Life (1999), un viaje por la historia del surf a través de sus protagonistas.

Rabbit Kekai y la transmisión del surf

Entre todos los personajes, Rabbit Kekai representa especialmente bien esa conexión entre generaciones. Figura fundamental del surf hawaiano y del desarrollo del hot-dogging, Kekai pertenece a una generación que recibió una cultura del océano y ayudó posteriormente a transmitirla. En el documental aparece también en ese papel de mentor, enseñando a surfear a una joven y demostrando que el conocimiento del surf no termina cuando uno deja de buscar las olas más grandes.

Hay algo muy importante en esa idea. El surf no es solamente una actividad que practicamos; también es una cultura que recibimos de otros y que, en algún momento, tenemos la responsabilidad de transmitir. Una ola desaparece en unos segundos, pero la manera de leerla, de respetar el océano, de convivir en un pico y de entender lo que significa compartir una sesión puede pasar de una generación a otra.

Rabbit Kekai, como otros protagonistas del documental, demuestra que la relación con el surf puede evolucionar sin desaparecer. El surfista cambia, pero el vínculo con el mar permanece.

Woody Brown y la curiosidad como forma de vida

Woody Brown es otro de los personajes que hacen que Surfing for Life sea mucho más que una película sobre surfistas veteranos. Surfista de olas grandes, navegante e inventor, Brown tuvo una vida extraordinariamente ligada al océano y a la exploración. Durante el rodaje tenía 88 años y continuaba surfeando, pero el documental también lo muestra fuera del agua, participando en actividades con personas mayores.

Su presencia resume una de las ideas fundamentales de la película: seguir activo no significa intentar demostrar que uno todavía es joven. Significa continuar teniendo curiosidad. Continuar buscando experiencias. Continuar relacionándose con otras personas. Continuar teniendo motivos para levantarse por la mañana.

En el caso de Woody Brown, el surf es una parte de esa vida, pero no toda. Y quizá por eso resulta tan interesante. El documental no pretende convertir a sus protagonistas en superhéroes capaces de desafiar al tiempo. Los muestra como personas que han encontrado diferentes maneras de seguir siendo fieles a sí mismas.

El surf también es comunidad

Hay momentos en Surfing for Life en los que la película abandona la reflexión individual para centrarse en algo que cualquier surfista reconocerá inmediatamente: la comunidad. Una de las secuencias más significativas reúne en Waikiki a varios de los protagonistas. Peter Cole, Fred Van Dyke, Anona Napoleon, John Kelly, Shay Bintliff y Rabbit Kekai comparten una sesión y muestran que, después de tantas décadas, el surf sigue siendo también una forma de encontrarse con otros.

La escena tiene un valor especial porque no existe ninguna necesidad de competir. No hay puntuaciones, rankings ni patrocinadores. No se trata de demostrar quién es mejor. Son personas que comparten una pasión y que vuelven al lugar que conocen desde hace décadas. Los surfistas más jóvenes muestran respeto hacia los mayores y estos, a su vez, continúan participando de la misma cultura que ayudaron a construir.

Es una imagen que contrasta bastante con la velocidad del surf contemporáneo. Hoy estamos acostumbrados a medirlo todo: tamaño de las olas, velocidad, maniobras, resultados, visualizaciones. Surfing for Life recuerda que también existe otra forma de medir una vida surfera: en amigos, sesiones, historias y años pasados en el agua.

Cuando el cuerpo cambia

Una de las cuestiones más interesantes del documental es que nunca intenta ocultar algo tan evidente como el paso del tiempo. El cuerpo cambia y la relación con el surf también. Las olas que antes parecían normales pueden empezar a resultar demasiado exigentes. La fuerza disminuye, la recuperación es más lenta y las prioridades cambian. Pero eso no significa necesariamente que haya que abandonar el océano.

Fred Van Dyke representa bien esa negociación con la edad. El surfista que durante años buscó olas grandes tiene que aceptar que llega un momento en el que el cuerpo establece nuevos límites. Pero aceptar esos límites no tiene por qué significar abandonar aquello que te apasiona. Puede significar buscar otro tipo de ola, utilizar otra tabla o simplemente disfrutar de una sesión diferente.

En realidad, todos los surfistas terminamos enfrentándonos a esa cuestión, aunque no tengamos 70 u 80 años. Hay un momento en el que dejamos de perseguir la ola más grande y empezamos a valorar otras cosas. Una buena sesión con amigos, una mañana tranquila, cuatro pies perfectos o simplemente estar en el agua pueden convertirse en razones suficientes para entrar al mar. Surfing for Life entiende perfectamente esa evolución.

Los que construyeron el playground

Quizá uno de los motivos por los que este documental resulta especialmente interesante para cualquier aficionado al surf es que sus protagonistas no llegaron a un deporte completamente construido. Ellos ayudaron a construirlo. Vivieron el surf cuando todavía era una actividad minoritaria, vieron evolucionar las tablas, las maniobras y las películas y asistieron al nacimiento de una industria que acabaría convirtiéndose en una de las grandes culturas juveniles del planeta.

Por eso sus historias tienen un valor que va más allá de la nostalgia. Son memoria viva. Cuando hablan de sus primeras experiencias en el agua están hablando también de una época en la que el surf tenía otras reglas y otros códigos. Escucharlos permite comprender que la cultura que hoy damos por sentada fue creada poco a poco por generaciones de surfistas que dedicaron buena parte de sus vidas al océano.

Y ahí aparece una de las grandes virtudes de la película: no convierte ese pasado en una postal romántica. Lo utiliza para explicar de dónde viene el surf y, sobre todo, qué cosas permanecen a pesar de todos los cambios.

Una película de 1999 que sigue hablando de nosotros

Cuando Surfing for Life se estrenó, el mundo del surf estaba entrando en una nueva etapa. La industria crecía, las competiciones tenían cada vez mayor presencia y las imágenes de surf comenzaban a circular por todo el mundo con una velocidad desconocida hasta entonces. En ese contexto, David L. Brown decidió mirar en otra dirección y contar las historias de quienes llevaban toda una vida surfeando.

Más de dos décadas después, esa decisión sigue teniendo sentido. Quizá incluso más que entonces. Vivimos en una época en la que el surf está permanentemente conectado a las redes sociales y donde la juventud, el rendimiento y la imagen ocupan una parte importante de la cultura surfera. Frente a eso, Surfing for Life propone una perspectiva diferente: la del surf como una relación a largo plazo.

No se trata de demostrar que se puede surfear hasta los 90 años. Tampoco de convertir a estos protagonistas en una excepción. La película plantea algo bastante más sencillo: que una pasión puede acompañarnos durante toda una vida y que, aunque nuestra manera de practicarla cambie, no tenemos por qué dejar de sentir aquello que nos llevó al agua en primer lugar.

Surfing for life

Al terminar el documental queda una sensación difícil de explicar si uno nunca ha surfeado. Porque la película no trata realmente de la edad. Trata de la identidad. De esas cosas que empiezan formando parte de nuestra vida y terminan formando parte de quienes somos.

Para los protagonistas de Surfing for Life, el surf ha estado presente durante décadas. Algunos han cambiado de tablas, otros de olas y otros simplemente han tenido que adaptar su manera de surfear. Pero todos mantienen algo que no aparece en ninguna estadística: las ganas de seguir conectados con el océano.

Quizá por eso el título de la película sea tan preciso. Surfing for Life no significa necesariamente surfear de la misma manera durante toda la vida. Significa encontrar una forma de mantener viva esa relación con el mar incluso cuando todo lo demás cambia.

Porque al final, después de todos estos años, sigue ocurriendo lo mismo. El surfista mira hacia el horizonte. Espera la serie. Elige una ola. Rema. Se pone de pie y, durante unos segundos, todo vuelve a tener sentido.

Y quizá esa sea la verdadera razón por la que seguimos surfeando.

No para parecer jóvenes.

No para demostrar nada.

Simplemente porque, después de una vida entera, seguimos queriendo saber qué hay detrás de la siguiente ola.

Creditos:
Dirigida por David L. Brown
Producida por David L. Brown and Roy Earnest
Narrada por Beau Bridges
Publicada en 1999

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Quince años después de su primer encuentro en Marruecos, Kepa Acero vuelve a encontrarse con Yassine, ahora conocido como Snoopy Style. Juntos recorren una costa transformada por el turismo y los nuevos tiempos en busca de algo que quizá ya no exista: una ola vacía, perfecta y sin descubrir.

Una amistad nacida entre olas

En 2010, un joven Kepa Acero emprendió un viaje en solitario por África Occidental. Su objetivo era el mismo que ha impulsado buena parte de sus aventuras: alejarse de los lugares conocidos y encontrar olas solitarias, lugares todavía capaces de ofrecer esa sensación de descubrimiento y libertad que convierte un viaje de surf en algo mucho más grande que una simple sesión.

En Marruecos, el surfista vasco conoció a Yassine, un chico de apenas 15 años. No compartían prácticamente el mismo idioma, pero no hizo falta demasiado para entenderse. Olas, tajines y muchas horas junto al océano fueron suficientes para crear una conexión que ninguno de los dos olvidaría.

Después, Kepa continuó su viaje hacia el sur.

Sus caminos se separaron y durante los siguientes quince años no volvieron a verse.

Yassine, mientras tanto, creció. Hoy es conocido como Snoopy Style, un guía profesional de surf y una figura muy reconocida en la escena local de Taghazout.

Ahora, por primera vez desde aquel encuentro, los dos vuelven a estar juntos.

El Marruecos que conocieron ya no es el mismo

El reencuentro sirve como punto de partida para “KINGDOM OF THE EVENING”, una película que recupera aquella historia y la convierte en un nuevo viaje por la costa marroquí.

Pero esta vez hay algo diferente.

Quince años son mucho tiempo, también para una costa.

El pequeño pueblo de pescadores que Kepa conoció en 2010 se ha transformado profundamente. El crecimiento del turismo ha llevado nuevos hoteles, alojamientos y restaurantes a la zona, mientras Taghazout se ha convertido en uno de los destinos de surf más conocidos de Marruecos.

La transformación es especialmente evidente en algunos de sus spots más famosos. Anchor Point, uno de los lugares de culto del surf marroquí, recibe hoy a surfistas de todo el mundo y también a una nueva generación de viajeros y nómadas digitales atraídos por la combinación de olas, clima y conexión a internet.

El Marruecos que aparece en los recuerdos de Kepa y Snoopy parece cada vez más difícil de encontrar.

Y precisamente por eso deciden buscarlo.

En busca de una ola vacía

Junto al cineasta Ayoub Abouizza, Kepa Acero y Snoopy Style se lanzan a recorrer nuevamente la costa.

La misión parece sencilla: encontrar olas vacías.

Pero el viaje pronto demuestra que las cosas han cambiado. Los lugares que alguna vez parecían remotos son ahora conocidos, los spots reciben más surfistas y aquella sensación de estar descubriendo algo por primera vez resulta cada vez más difícil de recuperar.

La película juega así con una idea que cualquier surfista puede entender: la búsqueda de una ola perfecta muchas veces es también la búsqueda de un momento que ya pasó.

No se trata únicamente de encontrar un buen pico.

Se trata de recuperar una sensación.

La de llegar a una playa desconocida, mirar el mar y pensar que quizá nadie ha surfeado todavía esa ola. La de tener el océano para uno mismo. La de no saber qué habrá detrás de la siguiente curva de la carretera.

Quince años después

El reencuentro entre Kepa y Snoopy aporta a la película una dimensión que va mucho más allá del surf.

Son dos personas que se conocieron cuando uno era un joven aventurero y el otro apenas tenía 15 años. Ahora vuelven a encontrarse como adultos, con vidas completamente diferentes y con una costa que también ha cambiado.

Entre ambos existe una historia que no necesitó demasiadas palabras entonces y que tampoco parece necesitarlas ahora.

El surf vuelve a ser el punto de encuentro.

Y el océano, el escenario.

Pero esta vez la aventura tiene una pregunta de fondo: ¿puede encontrarse de nuevo algo que el tiempo ha cambiado?

Quizá el sueño ya no exista

“KINGDOM OF THE EVENING” no promete necesariamente un final perfecto. De hecho, una de las claves de la película está precisamente en aceptar que quizá aquello que están buscando ya no existe.

Quizá las olas solitarias que Kepa encontró hace quince años forman parte de una época que terminó. Quizá el crecimiento de Taghazout y la popularización del surf han hecho imposible recuperar aquel Marruecos.

O quizá todavía queda algún rincón. Alguna playa. Algún pico que rompe lejos de las miradas. Una ola que todavía espera.

Porque, al final, la esperanza es lo último que desaparece. Y eso es lo que mantiene a Kepa y Snoopy en la carretera, mirando continuamente hacia el horizonte.

En algún lugar de esta costa puede seguir existiendo una ola vacía y perfecta. Una ola que nadie conoce. Una ola que todavía está esperando.

O al menos, esa es la historia que ellos mismos se siguen contando.

“KINGDOM OF THE EVENING”

La película está filmada y dirigida por Clint Davis y cuenta con la participación de Kepa Acero, Snoopy Style y Ayoub Abouizza.

Más que una película sobre encontrar la ola perfecta, Kingdom of the Evening es una historia sobre el paso del tiempo, la amistad, la transformación de los lugares que amamos y esa búsqueda interminable que forma parte del ADN del surf.

Porque quizá la ola perfecta no sea el objetivo. Quizá lo importante sea seguir buscándola.

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¿Qué pasa cuando dos surfistas deciden llevar la búsqueda de olas hasta uno de los lugares más extremos del planeta? Gauchos del Mar se meten en la Antártida para descubrirlo.

Hay viajes de surf y después están los que parecen sacados de una película. Joaquín y Julián Azulay, Gauchos del Mar, pusieron rumbo a la Antártida con una misión tan sencilla de explicar como difícil de llevar a cabo: encontrar olas en uno de los rincones más salvajes e inaccesibles del planeta.

Hielo, navegación, viento, tormentas, glaciares y encuentros con la fauna antártica forman parte de una expedición en la que surfear es solo una parte de la historia.

El resultado es “Antártida – Dominio Uno”, una película narrada por Ricardo Darín que muestra el viaje de los hermanos Azulay por el continente blanco y que ahora cuenta también con una versión corta centrada en la aventura, la exploración y la búsqueda de olas.

Rumbo al continente blanco

La expedición arranca cruzando el Pasaje de Drake, uno de los grandes desafíos de cualquier viaje hacia la Antártida. A partir de ahí, las reglas cambian.

En Isla Decepción, los Azulay se encuentran con lobos marinos y comienzan a explorar un territorio donde cada desplazamiento depende de las condiciones del mar y del tiempo.

Y sí, también hay que encontrar las olas.

La búsqueda lleva a los surfistas a recorrer la costa a pie, explorar nuevos lugares y enfrentarse a temperaturas y condiciones que convierten cada sesión en algo muy diferente a cualquier surf trip convencional.

Aquí no hay carreteras que seguir, ni partes de olas, ni una tienda de surf a pocos kilómetros. Solo océano, hielo y la posibilidad de que la siguiente bahía esconda una ola.

Cuando una ola cuenta una historia mucho más grande

Pero “Antártida – Dominio Uno” no se queda en la aventura.

Durante la expedición aparece uno de los grandes protagonistas de la película: el krill antártico. Pequeño, aparentemente insignificante frente a la inmensidad del océano Austral, pero fundamental para la supervivencia de una enorme cantidad de especies.

Ballenas, focas, pingüinos y otros animales dependen directa o indirectamente de esta pequeña pieza del ecosistema.

Por eso, la protección del krill es también una cuestión de protección del océano.

La película utiliza el surf como vehículo para mostrar un territorio que pocas personas tienen la oportunidad de conocer y para poner sobre la mesa la necesidad de conservarlo.

Lo que no debería estar allí

La expedición también deja imágenes menos idílicas.

Mientras recorren las islas, los Gauchos del Mar encuentran residuos en un lugar donde no deberían estar. Y las imágenes de los glaciares y sus cambios recuerdan que incluso uno de los territorios más remotos del planeta está conectado con lo que ocurre en el resto del mundo.

La Antártida puede parecer lejana, pero lo que sucede allí afecta directamente a la salud de nuestros océanos.

Por eso, el viaje también se convierte en una forma de apoyar la creación de un Área Marina Protegida en la Antártida.

Y entonces llega la tormenta

Si algo deja claro esta expedición es que la Antártida no está ahí para facilitar las cosas.

Después de explorar, navegar y buscar olas, una gran tormenta pone el broche final a un viaje en el que la naturaleza vuelve a demostrar quién manda.

Más allá de conseguir o no la ola perfecta, ese es precisamente el espíritu de Gauchos del Mar: ir hasta donde termina el mapa, explorar lo desconocido y utilizar el surf como una manera de contar historias que van mucho más allá del surfing.

“Antártida – Dominio Uno” es una aventura de surf, pero también es un viaje por uno de los ecosistemas más importantes del planeta.

La película completa incorpora los testimonios y aportes científicos de Rodolfo Werner, Manuel Novillo, Paul Nicklen y Cristina Mittermeier, profundizando en la importancia del krill y en la necesidad de proteger el océano Austral.

Porque algunas olas duran unos segundos.

Pero lo que hay detrás de ellas puede durar para siempre.

Gauchos del Mar también invita a apoyar la petición para la creación de un Área Marina Protegida en la Antártida.

https://gauchosdelmar.com/antartida-dominio-uno/

Una expedición al fin del mundo. Un puñado de olas. Y un mensaje que va mucho más allá del surf.

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Hay películas de surf que hablan de maniobras, competiciones o viajes. Satori pertenece a otra categoría. El documental dirigido por Rick Wall se sumerge durante 53 minutos en la extraordinaria comunidad de surfistas de olas gigantes de Ciudad del Cabo, siguiendo a quienes han construido su vida alrededor de dos de las rompientes más exigentes de Sudáfrica: Dungeons, en Hout Bay, y Sunset Reef, frente a la localidad costera de Kommetjie.

El título de la película hace referencia al concepto zen de satori, una idea asociada al despertar repentino o a ese instante de claridad absoluta en el que la mente deja de estar dominada por el miedo y permanece completamente presente. Esa filosofía recorre todo el documental y sirve como hilo conductor para entender por qué un grupo de surfistas decide enfrentarse voluntariamente a algunas de las masas de agua más poderosas del océano Atlántico.

Dungeons y Sunset Reef: dos gigantes del Atlántico

La historia se desarrolla principalmente en dos escenarios que forman parte de la identidad del surf sudafricano.

Dungeons rompe bajo la imponente montaña The Sentinel, en la bahía de Hout Bay, y se ha convertido durante décadas en uno de los campos de pruebas del big wave mundial. Su entorno salvaje, la potencia de los swells invernales y la dificultad para acceder al pico convierten cada sesión en una auténtica expedición oceánica.

A varios kilómetros de allí aparece Sunset Reef, una rompiente situada aproximadamente a un kilómetro mar adentro frente al pequeño pueblo de Kommetjie. Allí las olas emergen sobre un arrecife expuesto al océano abierto, ofreciendo paredes enormes que atraen tanto a los pioneros locales como a las nuevas generaciones de especialistas en olas gigantes.

Más que presentar ambos spots como simples escenarios espectaculares, Satori muestra cómo condicionan la vida de quienes los surfean: largas esperas para encontrar el swell adecuado, preparación física y mental, compañerismo en el agua y un profundo respeto por un océano que nunca ofrece garantías.

Fotos Leatherfoot

Una comunidad unida por algo más que las olas

Uno de los grandes aciertos del documental es alejarse del héroe individual para centrarse en la comunidad. Rick Wall reúne testimonios de algunos de los nombres más reconocidos de la escena sudafricana, entre ellos Grant “Twiggy” Baker, Dougal Paterson, Chris Bertish y otros surfistas vinculados históricamente a estas rompientes. La película explora las diferentes motivaciones personales de cada uno, aunque descubre un elemento común: la necesidad de volver una y otra vez al océano para experimentar esa conexión difícil de explicar con palabras.

Lejos del discurso de la adrenalina fácil, los protagonistas hablan de disciplina, humildad y presencia mental. El miedo existe y nunca desaparece; lo importante es aprender a convivir con él cuando llega el momento de remar hacia una montaña de agua que puede cambiar en cuestión de segundos. Esa visión convierte Satori en un retrato mucho más humano que deportivo.

Fotos Scientology

La mirada de Rick Wall

Rick Wall conoce este universo desde dentro. Además de cineasta, es surfista de olas grandes y lleva más de dos décadas trabajando en la industria audiovisual en Ciudad del Cabo. Esa experiencia se percibe en una fotografía que convierte el océano en un personaje más de la historia: planos amplios de la costa, luces cambiantes sobre el Atlántico y una atención constante a la escala casi intimidante de las olas frente a la diminuta figura del surfista.

La espectacularidad visual no eclipsa el relato. Wall apuesta por conversaciones íntimas y reflexiones pausadas para explicar qué impulsa a estas personas a dedicar años de su vida a perseguir swells que quizá solo aparezcan unas pocas veces cada temporada. El resultado es un documental contemplativo, intenso y profundamente ligado a la cultura del surf sudafricano.

Un documental reconocido en festivales internacionales

Desde su estreno, Satori ha formado parte de numerosos festivales de cine de surf y documental alrededor del mundo. Entre sus reconocimientos destaca el premio a Mejor Documental en el London Surf Film Festival 2019, además de su presencia en diferentes muestras internacionales dedicadas al cine oceánico y a la cultura surf. También fue programado en festivales como el Brest Surf Film Festival, donde fue presentado como un documental premiado sobre la comunidad de surfistas de olas gigantes de Ciudad del Cabo.

Para los aficionados al big wave surfing, la película supone una oportunidad de conocer desde dentro una escena menos mediática que Hawái o Nazaré, pero con una historia y una personalidad propias. Para quienes simplemente aman el océano, Satori propone algo todavía más universal: la búsqueda de ese instante en el que todo desaparece y solo quedan el mar, la ola y la atención absoluta al presente.

Ficha técnica

Documental de surf de olas grandes

Satori es, en definitiva, una obra que trasciende el surf de competición para hablar de respeto, amistad y de la relación casi espiritual que algunas personas desarrollan con el océano cuando deciden dedicar su vida a perseguir las olas más grandes del mundo.

Título: Satori
Año: 2018
Duración: 53 minutos
Género: Documental
Productor: Rick Wall Films

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Dane Reynolds y Craig Anderson presentan DEFECT, un largometraje de 50 minutos que reúne al equipo de FORMER y convierte el caos, las lesiones y los límites físicos del surfing en parte de la historia.

Una película que no salió como estaba prevista

Hay proyectos que siguen un guion y otros que terminan escribiendo su propia historia. DEFECT, la nueva película de surf de FORMER, pertenece a la segunda categoría.

El largometraje, de 50 minutos de duración, está presentado por FORMER y producido por sus fundadores, Dane Reynolds y Craig Anderson. La dirección corre a cargo de Reynolds y Hunter Martinez, en una producción que reúne a buena parte del equipo de surf de la marca.

El resultado es una película construida a lo largo de viajes, sesiones y situaciones que estuvieron muy lejos de ser fáciles. Huesos rotos, ligamentos desgarrados, pulmones perforados, heridas, hospitales y procesos de rehabilitación terminaron formando parte inevitable del proyecto.

Y lejos de quedar fuera de cámara, todo eso acabó convirtiéndose en parte de DEFECT.

Cuando las lesiones pasan a formar parte del relato

El surfing de alto nivel siempre tiene una cara menos visible. Detrás de una buena sesión hay horas de entrenamiento, viajes, golpes y, en ocasiones, lesiones capaces de detener durante meses a un surfista.

DEFECT abraza precisamente esa parte menos perfecta del proceso. La película documenta un proyecto que, según FORMER, estuvo lejos de estar bajo control, pero que terminó siendo uno de los trabajos más gratificantes realizados por el equipo.

En pantalla aparecen Dane Reynolds, Craig Anderson, Ben Howard, Shaun Manners, Jake Kelley, Jay Davies, Gabe Morvil, James Kusitino, Timo Simmers, Kaito Ohashi, Dion Agius, Dillon Perillo, Matt Hoy y Kai McKenzie.

Una combinación de generaciones y estilos que refleja buena parte de la identidad de FORMER.

De los estrenos a las pantallas de todo el mundo

Antes de quedar disponible para el público, DEFECT recorrió distintos lugares con estrenos en teatros, cines, aparcamientos y salas llenas de seguidores. La película cruzó océanos y acumuló kilómetros, material y horas de trabajo hasta convertirse finalmente en el largometraje que ahora llega al público.

Tras todo ese recorrido, FORMER pone la película a disposición de todos los aficionados al surf.

DEFECT no pretende presentar un proceso perfecto. Al contrario: sus accidentes, lesiones y dificultades son precisamente parte de aquello que la hace real.

Una película de surf sobre surfistas, pero también sobre todo lo que sucede cuando perseguir una buena ola exige llevar el cuerpo y la cabeza hasta el límite.

FORMER presenta DEFECT. 50 minutos. Dane Reynolds, Craig Anderson, Hunter Martinez y todo el equipo FORMER.

Ficha

Título: DEFECT
Presenta: FORMER
Producción: Dane Reynolds + Craig Anderson
Dirección: Dane Reynolds + Hunter Martinez
Edición: Dane Reynolds + Hunter Martinez
Duración: 50 minutos
Dirección de arte: Campbell Milligan
Color: Taylor Curran

Surfistas: Dane Reynolds, Craig Anderson, Ben Howard, Shaun Manners, Jake Kelley, Jay Davies, Gabe Morvil, James Kusitino, Timo Simmers, Kaito Ohashi, Dion Agius, Dillon Perillo, Matt Hoy y Kai McKenzie.

Filmado por: Hunter Martinez, Dav Fox, Tom Jennings, James Kates, Jackson Jones, Andrew Schoener, Toby Cregan, Jack Taylor, Rex Mowday, Tyge Lander, Guy Macindoe y Shuju Nihei.

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Hay lugares que forman parte de la historia del surf. Banzai Pipeline es uno de ellos.

Cada invierno, el North Shore de Oahu se convierte en el epicentro mundial de la cultura surf. Pero cuando Pipeline empieza a funcionar de verdad, el espectáculo adquiere otra dimensión. El arrecife aparece bajo los tubos, las tablas vuelan, los surfistas se juegan el físico y cada decisión puede marcar la diferencia entre una ola para el recuerdo y una caída con consecuencias.

Durante el invierno de 2024/2025, Peter King estuvo allí.

Su cámara permaneció prácticamente siempre encendida desde un lugar excepcional: el patio trasero de la casa de A New Earth Project, frente a uno de los escenarios más icónicos y peligrosos del planeta. El resultado es PIPELINE: A Peter King Film, un largometraje que se acerca a la ola desde una distancia poco habitual y que convierte una temporada entera en el argumento de una historia.

No es solamente una película de tubos.

Es una película sobre lo que significa enfrentarse a Pipeline.

Cuando Pipeline se convierte en protagonista

La grandeza de Pipeline no está únicamente en la perfección de sus tubos. También está en todo lo que sucede antes de que el surfista entre en la ola.

La elección de la tabla. La lectura del mar. Las conversaciones en la playa. La espera. Los nervios. La respiración antes de remar. El conocimiento del arrecife. Y, finalmente, la decisión de comprometerse con una ola que puede cambiar de forma en apenas unos segundos.

Peter King utiliza esa cercanía para mostrar precisamente esa parte de la historia que normalmente queda fuera de las mejores imágenes de surf.

En PIPELINE, el espectador no se limita a contemplar cómo algunos de los mejores surfistas del mundo desaparecen dentro de un barrel perfecto. También puede acercarse a sus pensamientos, escuchar sus conversaciones y entender qué supone mentalmente entrar en uno de los spots más exigentes del planeta.

Pipeline se convierte así en mucho más que el escenario.

Se convierte en el protagonista.

Una temporada que dejó imágenes para la historia

El invierno 2024/2025 reunió una sucesión de swells que permitieron a King seguir la evolución de Pipeline durante toda la temporada.

La película reúne a surfistas de diferentes generaciones y perfiles, entre ellos Kelly Slater, John John Florence, Mason Ho, Jamie O’Brien, Barron Mamiya, Moana Jones Wong, Zeke Lau, Koa Rothman, Tosh Tudor y Legend Chandler.

Nombres que conocen perfectamente lo que significa enfrentarse al arrecife de Banzai y que representan distintas generaciones de una misma cultura.

Para algunos, Pipeline ha sido durante décadas un territorio de aprendizaje y consagración. Para otros, supone el lugar donde demostrar que están preparados para competir al máximo nivel.

Todos tienen algo en común: saben que Pipeline no admite demasiados errores.

El miedo también forma parte del surf

Uno de los elementos más interesantes de la película es precisamente la presencia del miedo.

En una época en la que las redes sociales acostumbran a mostrar únicamente la parte espectacular del surf —el tubo perfecto, la maniobra imposible, la fotografía de portada—, PIPELINE se detiene también en aquello que ocurre cuando las cosas no salen bien.

Las caídas.

Los golpes.

La incertidumbre.

El respeto por el arrecife.

Y la necesidad de volver a remar hacia el pico después de haber sido castigado por una ola.

Porque surfear Pipeline no consiste simplemente en tener el nivel técnico necesario. Requiere leer las condiciones, entender el comportamiento de la ola y, sobre todo, saber hasta dónde se puede llegar.

En ese sentido, la película funciona también como un retrato psicológico de los surfistas.

El North Shore visto desde dentro

La posición desde la que Peter King grabó la película es uno de sus grandes valores.

Estar instalado prácticamente frente a Pipeline permite observar la ola durante horas y seguir cómo cambia con cada variación del swell. Pero también permite capturar una parte esencial de la vida del North Shore: la convivencia entre surfistas, fotógrafos, locales, visitantes y toda la comunidad que cada invierno se concentra alrededor de sus arrecifes.

King conoce ese mundo desde dentro y esa familiaridad se refleja en las imágenes.

No parece estar buscando únicamente la ola más grande o el tubo más espectacular. La cámara permanece atenta a los momentos que construyen una temporada completa.

La espera.

La preparación.

La conversación.

El silencio.

La celebración.

Y también la frustración.

La banda sonora de Ron Artis II

La atmósfera de la película se completa con una banda sonora original de Ron Artis II, que acompaña el viaje visual de King durante toda la temporada.

La música contribuye a construir el contraste entre los momentos de tensión y aquellos en los que el North Shore simplemente espera al siguiente swell.

Porque en Pipeline también existe ese tiempo muerto.

El mar puede estar pequeño durante días. Los surfistas esperan. Analizan los mapas. Preparan el material. Hablan sobre las condiciones.

Y después llega el swell.

Entonces todo cambia.

Una mirada diferente a una ola que ya lo ha contado todo

Quizás ese sea el mayor reto de cualquier película sobre Pipeline: encontrar una nueva manera de contar una historia que el surf lleva décadas contando.

Hemos visto sus tubos más perfectos. Hemos visto sus mayores wipeouts. Hemos visto campeonatos, lesiones, victorias y generaciones enteras de surfistas pasar por el mismo arrecife.

Pero PIPELINE: A Peter King Film encuentra otro camino.

En lugar de intentar explicar qué hace especial a Pipeline, deja que la propia ola hable.

Y lo hace desde una posición privilegiada.

Desde la primera fila.

Durante toda una temporada.

El resultado es un documento que captura tanto la belleza como la amenaza de Banzai Pipeline y que recuerda una verdad fundamental: detrás de cada imagen perfecta existe una enorme cantidad de preparación, conocimiento, compromiso y respeto.

Porque Pipeline puede regalar uno de los barrels más perfectos que un surfista pueda imaginar.

Pero también puede recordarle, en cuestión de segundos, por qué sigue siendo una de las olas más respetadas y peligrosas del planeta.

Un invierno. Un arrecife. Una cámara siempre encendida. Y una generación de surfistas dispuesta a enfrentarse a Pipeline.

PIPELINE: A Peter King Film es, en definitiva, una mirada desde dentro a una temporada que merece ser recordada.

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Más que una película sobre surf, Bustin’ Down the Door es el retrato de una generación que desafió las normas establecidas. Su mezcla de talento, competitividad y rebeldía cambió para siempre el surf profesional y sentó las bases del circuito moderno que conocemos hoy.

El contexto: el surf antes de 1975

A principios de los años setenta, Hawái era el centro absoluto del surf mundial. La costa norte de Oahu concentraba las olas más famosas del planeta y era considerada el escenario definitivo para demostrar el nivel de cualquier surfista.

Sin embargo, el acceso al reconocimiento no era sencillo. La comunidad local protegía celosamente sus playas y los surfistas extranjeros debían ganarse el respeto tanto dentro como fuera del agua.

Mientras tanto, en Australia y Sudáfrica comenzaba a surgir una generación de jóvenes deportistas con un estilo mucho más competitivo y profesional. Para ellos, el surf no era únicamente un estilo de vida, sino una carrera deportiva.

La llegada de los “invasores”

Durante el invierno de 1975, varios surfistas decidieron viajar juntos hasta Hawái para medirse con los mejores del mundo.

Entre ellos destacaban nombres que posteriormente se convertirían en auténticas leyendas del deporte:

• Shaun Tomson
• Mark Richards
• Ian Cairns
• Rabbit Bartholomew
• Peter Townend

Todos compartían una misma filosofía: competir sin miedo y aprovechar cualquier oportunidad para destacar.

Su actitud contrastaba con la cultura relajada que predominaba entonces en el surf, lo que provocó numerosos enfrentamientos tanto en el agua como fuera de ella.

¿Por qué se llama Bustin’ Down the Door?

El título del documental simboliza perfectamente la actitud de aquellos jóvenes.

No esperaron una invitación.

No aceptaron las normas impuestas.

Simplemente “derribaron la puerta” para ocupar un lugar entre los mejores surfistas del planeta.

Su determinación acabó cambiando las reglas del juego y obligó al resto del mundo del surf a adaptarse a una nueva realidad mucho más profesional y competitiva.

El nacimiento del surf profesional moderno

Uno de los grandes méritos del documental es explicar cómo esta generación impulsó la profesionalización del deporte.

Hasta entonces, muchos surfistas vivían prácticamente sin patrocinadores y con escasas posibilidades económicas.

La llegada de estos competidores cambió completamente la mentalidad:

• entrenamientos más exigentes;
• preparación física;
• búsqueda de patrocinadores;
• construcción de una marca personal;
• mayor presencia mediática;
• profesionalización de las competiciones.

Todo ello contribuyó al crecimiento internacional del surf durante las décadas siguientes.

La rivalidad en Hawái

Uno de los aspectos más intensos de Bustin’ Down the Door es la tensión constante entre los surfistas visitantes y la comunidad local.

Las olas de Pipeline, Sunset Beach o Waimea eran consideradas territorio sagrado por muchos hawaianos.

Los recién llegados debían demostrar no solo su nivel sobre la tabla, sino también su respeto hacia la cultura local.

El documental muestra cómo esa rivalidad fue evolucionando hasta convertirse, con el paso de los años, en un reconocimiento mutuo entre algunos de los protagonistas.

Los protagonistas del documental

Cada uno de los surfistas representa una personalidad diferente.

Shaun Tomson

Elegante y extremadamente disciplinado, terminó convirtiéndose en campeón del mundo y en uno de los grandes embajadores del surf.

Rabbit Bartholomew

Su carácter competitivo y explosivo simbolizaba la nueva mentalidad que comenzaba a imponerse en el circuito profesional.

Mark Richards

Considerado uno de los mejores surfistas de todos los tiempos, destacó por su talento y por revolucionar el diseño de las tablas twin fin.

Ian Cairns

Además de surfista, fue uno de los principales impulsores de la organización del surf profesional moderno.

Peter Townend

Campeón del mundo en 1976, ayudó a consolidar la imagen internacional del deporte gracias a su capacidad para comunicar y promocionar el surf.

Un documental construido desde el recuerdo

A diferencia de otras producciones deportivas, Bustin’ Down the Door combina imágenes de archivo con entrevistas actuales a los propios protagonistas.

Este formato permite conocer no solo lo que ocurrió en aquellos años, sino también cómo han cambiado sus perspectivas con el paso del tiempo.

Los surfistas reflexionan sobre la juventud, la ambición, los errores cometidos y el legado que dejaron para las generaciones posteriores.

El impacto cultural del documental

La importancia de Bustin’ Down the Door trasciende el surf.

La película habla sobre:

• la búsqueda del éxito;
• la competencia;
• la amistad;
• la superación personal;
• el liderazgo;
• la evolución de un deporte.

Por ello ha sido reconocida tanto por aficionados al surf como por espectadores interesados en historias reales de transformación.

¿Qué enseñanzas deja Bustin’ Down the Door?

El documental demuestra que los grandes cambios suelen venir impulsados por personas dispuestas a desafiar el statu quo.

Aquellos jóvenes no pretendían únicamente ganar competiciones. Querían vivir del surf y demostrar que era posible convertir una pasión en una profesión.

Su visión terminó transformando una cultura basada casi exclusivamente en el estilo de vida en una industria deportiva global.

¿Por qué sigue siendo relevante hoy?

Décadas después de aquellos acontecimientos, el surf profesional mueve millones de aficionados en todo el mundo, cuenta con patrocinadores internacionales y forma parte del programa olímpico.

Muchos de esos avances encuentran su origen en la generación retratada por Bustin’ Down the Door.

Ver el documental permite comprender cómo nació buena parte del surf contemporáneo y por qué figuras como Shaun Tomson, Rabbit Bartholomew o Mark Richards siguen siendo referentes históricos.

Bustin’ Down the Door es mucho más que un documental sobre olas gigantes y competiciones. Es el relato de un grupo de jóvenes que decidió desafiar las reglas establecidas para perseguir un sueño.

Su determinación cambió el rumbo del surf profesional y dejó una huella imborrable en la historia del deporte. Gracias a un excelente trabajo de archivo y a los testimonios de sus protagonistas, la película sigue siendo una referencia imprescindible para comprender cómo una generación consiguió abrir la puerta a una nueva era del surf.

Director:  Jeremy Gosch

Writers:  Jeremy Gosch, Monika Gosch | 2 more credits »

Stars:Reno Abellira, Clyde Aikau, Eddie Aikau

© DOCUMENTARY

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“Península Mitre”, el documental que cambió la historia de un paraíso salvaje

La expedición de Gauchos del Mar que nació buscando una ola perfecta y terminó impulsando la protección de uno de los últimos territorios vírgenes del planeta ya está disponible de forma gratuita.

Hay películas de surf que inspiran a viajar, otras que despiertan el deseo de encontrar olas remotas y algunas que consiguen trascender el deporte para convertirse en herramientas de transformación. Península Mitre, el documental de Gauchos del Mar, pertenece a esta última categoría. El largometraje completo ya puede verse gratuitamente en YouTube, permitiendo que una nueva generación de surfistas, aventureros y amantes de la naturaleza descubra una de las historias más impactantes del surf de exploración.

Dirigida por los hermanos Joaquín y Julián Azulay, la película documenta una expedición sin precedentes por el extremo oriental de Tierra del Fuego. Durante 53 días, ambos recorrieron a pie una de las regiones más aisladas e inhóspitas de Sudamérica cargando mochilas de más de 35 kilos, atravesando ríos, turberas, playas interminables y bosques azotados por el viento, sin ningún tipo de comunicación con el exterior. El objetivo inicial era llegar hasta el Faro Cabo San Diego para surfear una ola jamás recorrida, pero el viaje terminó revelando algo mucho más importante que una sesión perfecta.

Cuando el surf deja de ser el destino

A medida que avanzaba la expedición, los Azulay descubrieron la extraordinaria riqueza ecológica de Península Mitre, una región prácticamente intacta donde conviven enormes reservas de turberas, fundamentales para capturar carbono, colonias de aves marinas, mamíferos y algunos de los ecosistemas mejor conservados del Atlántico Sur.

Lo que comenzó como un proyecto de surf de aventura se convirtió en una poderosa campaña ambiental. La película dejó claro que proteger aquel territorio era mucho más importante que cualquier ola.

Ese mensaje fue entendido por miles de personas alrededor del mundo. El documental ayudó a dar visibilidad internacional a un lugar prácticamente desconocido incluso para muchos argentinos y sirvió como herramienta de difusión para organizaciones ambientales, científicos y ciudadanos que impulsaban su conservación.

Un documental que trascendió la pantalla

Estrenado originalmente en 2017, Península Mitre fue seleccionado en numerosos festivales internacionales y obtuvo 11 premios, consolidándose como una de las producciones de surf y naturaleza más reconocidas de Latinoamérica. La crítica destacó la autenticidad de la expedición, la fotografía de paisajes prácticamente inexplorados y una narrativa que evita el heroísmo para poner el foco en la conexión entre el ser humano y la naturaleza.

Pero el mayor reconocimiento llegó fuera del circuito cinematográfico.

Años después del estreno, Península Mitre fue declarada Área Natural Protegida, asegurando la conservación de más de 300.000 hectáreas terrestres y 200.000 hectáreas marinas, un logro histórico en el que la difusión generada por el documental contribuyó de forma decisiva junto al trabajo de organizaciones ambientales, científicos y autoridades locales.

Surf, aventura y activismo

Desde sus primeros proyectos, Gauchos del Mar ha construido una identidad única dentro del cine de surf. Sus películas nunca han tratado únicamente de encontrar buenas olas. Cada expedición se convierte en una oportunidad para conocer culturas, recorrer territorios extremos y visibilizar problemáticas ambientales.

En Península Mitre esa filosofía alcanza uno de sus momentos más sólidos. Las imágenes de olas solitarias, playas desiertas y paisajes azotados por el viento se mezclan con el cansancio físico, la incertidumbre y la reflexión sobre el impacto humano en algunos de los últimos rincones salvajes del planeta.

El resultado es un documental de 88 minutos que conecta tanto con surfistas como con cualquier espectador interesado en la aventura, la exploración y la conservación de la naturaleza.

Una oportunidad para descubrir un clásico del surf documental

Con la publicación íntegra del largometraje en el canal oficial de YouTube de Gauchos del Mar, la película vuelve a estar al alcance de todo el mundo sin coste alguno.

En una época en la que la mayoría de producciones audiovisuales permanecen detrás de plataformas de pago, la decisión de liberar el documental responde a la filosofía que siempre ha acompañado a los hermanos Azulay: hacer que el mensaje llegue al mayor número posible de personas.

Porque, como demuestra esta historia, algunas olas duran apenas unos segundos. Pero una buena película puede proteger un territorio para siempre.

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Dave Rastovich revive una de las sesiones más icónicas del surf en la India

El surfista australiano Dave Rastovich protagoniza una de las secuencias más recordadas del cine de surf en el capítulo dedicado a la India de Castles in the Sky, la película dirigida por Taylor Steele y recuperada en el canal de YouTube The Momentum Files. El vídeo, de poco más de ocho minutos, muestra una expedición en busca de olas perfectas que termina convirtiéndose en un homenaje al espíritu aventurero del surf.

La historia transcurre tras una semana recorriendo la costa india sin encontrar condiciones adecuadas. Según recordó años después el propio Taylor Steele, el equipo decidió embarcarse en un ferry local para llegar a una isla localizada previamente mediante imágenes de Google Earth, donde habían detectado una prometedora ola rompiendo junto a un embarcadero.

La expedición estuvo a punto de frustrarse cuando Rastovich enfermó durante el viaje, una situación que, según Steele, era relativamente habitual en este tipo de desplazamientos por la India. Sin embargo, cuando el mar comenzó a alinearse con la luz del atardecer y llegó el esperado swell, el australiano se recuperó, entró al agua y protagonizó una sesión que ha quedado grabada entre las imágenes más memorables del surf moderno.

Las maniobras fluidas de Rastovich, combinadas con la fotografía característica de Steele y la atmósfera de un destino poco explorado por el surf internacional en aquella época, convirtieron esta secuencia en una referencia para toda una generación de surfistas. Más allá del rendimiento deportivo, el vídeo pone el foco en el viaje, la convivencia con la cultura local y la recompensa que supone descubrir una ola desconocida tras días de búsqueda.

Estrenada en 2010, Castles in the Sky fue rodada durante tres años en cinco países y reunió a algunos de los grandes nombres del freesurf, entre ellos Dane Reynolds, Dion Agius y el propio Dave Rastovich. La producción sigue siendo considerada una de las obras más influyentes del género por su combinación de aventura, cinematografía y exploración.

La reciente publicación de este fragmento en The Momentum Files permite a una nueva generación redescubrir una historia que resume la esencia del surf exploratorio: largas jornadas de incertidumbre, viajes improvisados y la recompensa de encontrar una ola perfecta en uno de los rincones más remotos del planeta.

Cámara y Edición. Taylor Steel de Momentun Files

Surfer: Dave Rastovich

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Spaces in Between: una bicicleta, una tabla y 2.000 kilómetros buscando el alma de Aotearoa

Una travesía de surf y ciclismo por Nueva Zelanda que demuestra que, muchas veces, la verdadera aventura no está en la ola que buscas, sino en todo lo que ocurre hasta llegar a ella.

Hay viajes que empiezan con una dirección marcada en un mapa. Otros nacen de una pregunta: ¿qué pasa cuando decides reducir la velocidad y volver a sentir cada kilómetro?

Spaces in Between es la historia de una de esas travesías. Un viaje por Aotearoa, Nueva Zelanda, donde la bicicleta sustituye al coche, la tabla de surf se convierte en equipaje imprescindible y el océano marca el ritmo de cada jornada.

La protagonista, Johanna Brebner, recorre más de 2.000 kilómetros atravesando el país sobre dos ruedas, siguiendo la costa y buscando olas, pero también algo mucho más difícil de encontrar: una conexión profunda con el paisaje y consigo misma.

Porque este no es un documental sobre llegar. Es un documental sobre avanzar.

El viaje como forma de surfear

En el surf existe una palabra que define muchas cosas: espera. Esperar la marea adecuada, el viento correcto, la serie perfecta. Spaces in Between lleva esa filosofía fuera del agua.

Cada tramo en bicicleta forma parte de la experiencia. El viento en contra, las carreteras interminables, el cansancio físico y las pequeñas victorias del camino son tan importantes como el momento de entrar al mar.

La recompensa cambia de significado. Una ola encontrada después de horas de pedaleo no es simplemente una ola más: es una ola ganada.

Una conexión directa entre esfuerzo y naturaleza que recuerda por qué muchos surfistas siguen buscando lugares remotos donde todavía existe esa sensación de descubrimiento.

Regresar a Aotearoa con otros ojos

Nueva Zelanda es uno de los grandes protagonistas de esta película. Un territorio donde las montañas, los bosques y el océano conviven en una escala difícil de imaginar.

Para Johanna, el viaje también representa un regreso. Después de años viviendo lejos de su país natal, recorrer de nuevo sus costas supone redescubrir un lugar conocido desde una perspectiva completamente diferente.

La bicicleta permite ver aquello que normalmente desaparece por la ventanilla de un vehículo: los cambios del paisaje, las comunidades pequeñas, los encuentros inesperados y esos momentos de silencio que forman parte de cualquier gran aventura.

La tabla como compañera de viaje

Transportar una tabla de surf durante miles de kilómetros no parece la opción más práctica. Pero precisamente esa dificultad es parte del mensaje.

La elección de viajar lentamente convierte cada baño en algo especial. No hay prisas, no hay una lista de spots pendientes, no hay una búsqueda constante de la próxima ubicación perfecta.

Solo existe el presente: una playa, unas condiciones favorables y la oportunidad de deslizarse sobre una ola después de haber cruzado el territorio con tus propias piernas.

Los espacios entre las olas

El título del documental resume perfectamente su espíritu.

Los momentos que definen un viaje no siempre aparecen en las fotografías finales. A veces están en una conversación con un desconocido, en montar el campamento al final del día, en una carretera vacía o en observar cómo cambia la luz sobre una costa salvaje.

Son esos espacios intermedios los que dan sentido al recorrido.

En una época en la que viajar suele significar llegar más rápido, Spaces in Between propone todo lo contrario: detenerse, mirar alrededor y recuperar una relación más cercana con los lugares que atravesamos.

Una nueva forma de aventura

El surf siempre ha sido una búsqueda. Pero quizá hemos olvidado que esa búsqueda empieza mucho antes de remar hacia el pico.

Empieza preparando la tabla. Empieza leyendo un mapa. Empieza aceptando que el camino puede ser tan importante como el destino.

Spaces in Between es una oda al movimiento lento, a las costas salvajes y a esa vieja idea de que las mejores historias de surf no siempre suceden en el agua.

A veces ocurren entre una curva de carretera y la siguiente ola.

Ficha técnica
Título: Spaces in Between
Protagonista: Johanna Brebner
Localización: Aotearoa, Nueva Zelanda
Formato: Documental de surf y aventura
Recorrido: +2.000 km en bicicleta
Producción: needessentials

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“Chopped”: la nueva película de surf de Tanner Schmidt convierte cada ola en una obra de arte

El filmmaker Tanner Schmidt presenta “Chopped”, una película de surf que demuestra que todavía hay espacio para la creatividad más allá de los clips rápidos y el contenido efímero de las redes sociales. Disponible en YouTube, el film apuesta por una narrativa visual cuidada, una edición dinámica y una selección de olas que celebra el surfing en su estado más puro.

Lejos de limitarse a una sucesión de maniobras, Chopped construye una experiencia audiovisual donde el ritmo de la música, la fotografía y el montaje se combinan para transmitir la esencia de cada sesión. El resultado es una producción que recuerda que las mejores películas de surf siguen siendo aquellas capaces de emocionar tanto por la calidad de las olas como por la manera en que están contadas.

La película refleja el estilo cinematográfico que Tanner Schmidt ha ido desarrollando en sus últimos trabajos: imágenes limpias, atención al detalle y una sensibilidad especial para capturar la conexión entre el surfista y el océano. Una propuesta que se aleja de la competición para centrarse en la cultura del surf, la amistad y la búsqueda constante de nuevas líneas sobre la pared de la ola.

En una época en la que el consumo de vídeo es cada vez más inmediato, Chopped reivindica el formato de la surf movie como una pieza artística con identidad propia. Una invitación a detenerse, subir el volumen y disfrutar de una producción que respira pasión por el mar de principio a fin.

Si eres amante de las películas de surf con personalidad, esta nueva creación de Tanner Schmidt merece un hueco en tu lista de imprescindibles.

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El documental The Bull rescata la extraordinaria historia de Glen Horn, una leyenda del surf de San Diego que decidió abandonar la vida convencional para vivir en una vieja furgoneta recorriendo las olas más remotas de Baja California.

Hay historias de surf que hablan de campeonatos, récords o grandes olas. Y luego está la de Glen Horn, conocido como “The Bull”, un surfista que decidió que el verdadero éxito no estaba en la fama, sino en vivir exactamente como quería.

El cortometraje documental “The Bull: The Surf Legend Who Walked Away From Everything”, dirigido por Eric Ebner, recupera la figura de esta leyenda de San Diego que, hace décadas, dejó atrás la vida convencional para construir una existencia guiada únicamente por el océano y la naturaleza.

La película nos traslada a un rincón remoto de Baja California, lejos de carreteras, ciudades y cualquier rastro de la vida moderna. Allí, Horn pasa gran parte del año viviendo en una antigua furgoneta de reparto de leche transformada en su hogar y vehículo de surf. Un estilo de vida minimalista que gira alrededor de las mareas, el viento y las olas.

A sus 67 años —edad en la que fue filmado el documental— sigue sorprendiendo por una condición física extraordinaria, fruto de décadas dedicadas al surf y a una rutina basada en el movimiento constante, el contacto con el entorno y una filosofía de vida sencilla.

Pero The Bull va mucho más allá del retrato de un surfista veterano. Es una reflexión sobre las decisiones personales, sobre renunciar voluntariamente a la comodidad y a las expectativas sociales para perseguir una idea muy diferente de libertad. En lugar de competir por reconocimiento, Glen Horn eligió medir el tiempo por los swells, las estaciones y los amaneceres frente al Pacífico.

Glen Horn, “The Bull” en su furgoneta

El documental, de apenas 13 minutos, ha recorrido festivales internacionales de cine de surf acumulando reconocimientos como el premio a Mejor Documental en el Florida Surf Film Festival, el Premio del Público en el Portuguese Surf Film Festival y el galardón a Mejor Cortometraje en el Carolina Surf Film Festival, consolidándose como una de las pequeñas joyas del cine documental de surf independiente.

Con una fotografía cuidada y un ritmo pausado, Eric Ebner construye un relato que conecta con la esencia más pura del surfing: la búsqueda de olas, el respeto por la naturaleza y la sensación de que la verdadera riqueza puede encontrarse muy lejos del ruido.

En una época donde el surf profesional vive dominado por las redes sociales, los patrocinadores y la exposición constante, The Bull recuerda que todavía existen surfistas para quienes la mejor ola sigue siendo aquella que nadie más conoce.

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Creatures of Habit, dirigida por Nate Laverty, es una película rodada entre Canadá e Islandia que apuesta por explorar olas desconocidas, condiciones extremas y escenarios donde no existen garantías.

Con Pete Devries, Reed Platenius, Cam Richards, Mathea Olin, Sanoa Olin, Andrew Jacobson, Ryan Huckabee y Dimitri Polous, este film de 38 minutos demuestra que las mejores sesiones muchas veces nacen de la incertidumbre. No es casualidad que ya haya sido premiado en varios festivales internacionales de cine de surf.

Dirigida por Nate Laverty, Creatures of Habit es una película de surf que explora los límites y abraza la incertidumbre de surfear en lugares impredecibles y desafiantes dejando atrás las zonas de confort.

Grabada en Canadá e Islandia, el objetivo es dejar atrás las comodidades y certezas aprendidas con el tiempo y abrazar el frío y la incomodidad.

Protagonizada por Pete Devries, Reed Platenius, Cam Richards, Mathea Olin, Sanoa Olin, Andrew Jacobson, Ryan Huckabee y Dimitri Polous, la película durante 38 minutos quiere transmitir una idea sencilla: dejar atrás rutinas y certezas para enfrentarse al frío, al viento y a la incertidumbre de zonas poco exploradas dentro de espacios habituales de surf.

“La gente quiere surfear lo que conoce, quiere surfear donde conoce el pronóstico”, dice Nate. “La mayoría de las olas que surfeamos en este video fueron totalmente improvisadas. No sabíamos exactamente cómo serían, no podemos revisarlas, ni siquiera hay boyas cerca. Grandes riesgos y difícil acceso”.

El director nos cuenta que tenían pronósticos que indicaban que las olas iban a ser buenas en sus olas habituales, pero fueron a otros lugares donde no habían surfeado. Siempre fue un poco arriesgado. En el vídeo se puede ver que Pete vibra con energía nerviosa, porque aquí no suelen tener buenas olas. Y cuando sabes que va a ser bueno y vas a un lugar cualquiera, es un poco frenético, dice Nate entre risas.

Como vemos, el proceso de descubrir visiones vírgenes a lo largo del precipicio occidental de Canadá es más complicado que recorrer en cuatro ruedas unos cuantos caminos forestales.

La película tardó 15 meses en filmarse y ya ha ganado numerosos premios en festivales de cine desde Londres hasta Oceanside y Florida.

Foto de Marcus Paladino

Dirigida por: Nate Laverty

Producida por: North Of The Border Creative

Cinematógrafos: Nate Laverty, Kyle Buthman, Marcus Paladino, Justin Taylor Smith

Montaje: Nate Lavery

Sonido/Color: North Of The Border Creative

Dirección artística: Alex Beebe

Colaboradores: Red Bull, Arc’teryx, Manera, Surface 604, Atleo Air, Rip Curl, Billabong, Thule, Renogy Power

Fotografía fija: Marcus Paladino, Liam MacDonald

*Foto portada Nate Laverty

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FILTHY HABITS (1988): la película que llevó el punk al surf y cambió para siempre los vídeos de olas

Hay películas que envejecen. Y hay otras que, décadas después, siguen golpeando con la misma fuerza que el primer día. Filthy Habits, la producción de Billabong estrenada en 1988, pertenece a esta segunda categoría. Más de 35 años después de su lanzamiento, continúa siendo una referencia imprescindible para entender la evolución del cine de surf moderno.

A finales de los años ochenta, el surf vivía una auténtica revolución. Las tablas eran más radicales, el surfing más explosivo y la influencia del punk y el rock alternativo comenzaba a impregnar toda una generación de riders. En ese contexto apareció Filthy Habits, una película que rompió con el estilo clásico de los vídeos de surf de la época para apostar por un montaje mucho más agresivo, rápido y cargado de personalidad.

El film reúne a algunos de los nombres más influyentes del Team Billabong de aquellos años: Mark “Occy” Occhilupo, Richie “Skeletor” Collins, Ronnie Burns y Matt Branson, entre otros, ofreciendo un retrato perfecto del surfing de finales de los 80, cuando el talento y la actitud pesaban tanto como los resultados en competición.

Pero si hay un elemento que convirtió Filthy Habits en una obra de culto fue su banda sonora. Lejos de utilizar música ambiental, Billabong apostó por grupos como T.S.O.L., Social Distortion, The Dream Syndicate, The Johnnys o The Vandals, creando una combinación explosiva entre maniobras radicales y energía punk que marcaría el camino para innumerables producciones posteriores.

Hoy, en plena era de los clips de treinta segundos y las redes sociales, volver a ver Filthy Habits supone recordar una época en la que las películas de surf se esperaban durante meses y se consumían una y otra vez en VHS. No había filtros ni drones; solo olas potentes, surfing sin concesiones y una actitud que definió a toda una generación.

Su influencia fue tan grande que, veintiún años más tarde, Billabong decidió rendir homenaje al original con Still Filthy (2009), recuperando el espíritu irreverente que había convertido a la cinta de 1988 en un clásico absoluto del surf.

Porque algunas películas no solo documentan una época. La crean. Y Filthy Habits sigue siendo, más de tres décadas después, uno de esos raros ejemplos en los que el surf, la música y la cultura alternativa encontraron el equilibrio perfecto para convertirse en historia.

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CROSSING BORDERS: la búsqueda infinita de la ola perfecta

Una vez más, Kepa Acero, Natxo González y Aritz Aranburu se embarcan en una nueva expedición en busca de una ola perfecta descubierta, como tantas otras veces, a través de Google Earth.

En CROSSING BORDERS (2023), el viaje vuelve a ser tan importante como el destino. La idea es sencilla: seguir las coordenadas de una ola prometedora y comprobar si el mapa digital se convierte en realidad cuando el océano entra en juego. Pero entre ambos puntos se abre un mundo impredecible de carreteras, fronteras y territorio desconocido.

El proyecto está dirigido y filmado por Jon Aspuru, Una vez más, Kepa Acero, Natxo González y Aritz Aranburu se aventuran en busca de una ola perfecta encontrada en google Earth

Más que un film de surf, CROSSING BORDERS es un recordatorio de que todavía quedan lugares por descubrir, incluso en un mundo completamente mapeado. Y que a veces, la verdadera ola perfecta no es la que se encuentra… sino la que se persigue.

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A veces, no tener agenda es algo bueno. Riders globales, groms locales, slop de 1 pie, olas de 40 pies, clips antiguos, clips nuevos y más…, esta película tiene algo para tod@s…

Jo Jo Roper Kelly Slater John Mel

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Película de Surf realizada en dvd en 2014 pero hasta esta semana no ha estado disponible de forma gratuita en ninguna plataforma y ahora podemos disfrutarla completa.

Groove Move está rodada en 8mm por el cineasta Jack Coleman, donde no transporta a las olas de Hawaii, Nueva Zelanda, Australia y más lugares con algunos de los mejores surfistas del mundo, Ari Browne, Justin Adams, Derek Hynd, Joel Tudor, Ryan Burch, Rob Machado, Robin Kegel, Alex Knost, David Rastovich, Ozzie Wright, Rangi Ormond, Ford Archbold y más.

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