Los surfistas vascos se imponen a Janire González y Thomas Debierre en dos finales marcadas por el exigente viento del nordeste.

Más de un centenar de personas disfrutaron en la playa de Razo del espectáculo de la cuarta edición del campeonato, que este año se estrenó en la categoría absoluta de las Qualifying Series de la World Surf League.

RAZO, 18 DE OCTUBRE DE 2026.

Ariane Ochoa y Yago Domínguez ya son los nuevos campeones del Edommo Surf Pro Razo 2026. Los dos surfistas vascos se alzaron este domingo con la victoria en la cuarta edición de la prueba, que este año ha dado un salto de categoría al incorporarse al cuadro absoluto de las Qualifying Series (QS) de la World Surf League (WSL), con 2.000 puntos en juego para el ránking europeo, tanto en categoría masculina como femenina.

En una jornada marcada por las difíciles condiciones del mar y el intenso viento del nordeste, Ochoa y Domínguez demostraron su capacidad para adaptarse al medio y desplegar un surf de alto nivel. La vizcaína superó a su compatriota Janire González en una final femenina muy disputada, mientras que Domínguez se impuso al francés Thomas Debierre en el cuadro masculino. Más de un centenar de personas se acercaron hasta el arenal carballés para disfrutar de la competición internacional.

Ariane Ochoa remonta en una final de máxima exigencia

Con la marea comenzando a bajar, Janire González y Ariane Ochoa saltaron al agua para disputar una final que enfrentaba a dos de las principales aspirantes al título. No en vano, ambas ocupan la segunda y la tercera posición del ránking europeo. La manga respondió a las expectativas y mantuvo la emoción hasta los últimos minutos.

González, que había tenido que emplearse a fondo para superar a la francesa Nahia Milhau en semifinales, comenzó con fuerza. Una derecha culminada con un potente giro de backside le otorgó un 6,17. Poco después, volvió a marcar diferencias con un vistoso layback en una izquierda, sumando un 5,27 y elevando su puntuación total a 11,44.

Ochoa, sin embargo, no perdió la calma. La surfista, con una amplia trayectoria en competiciones de máximo nivel, supo interpretar las condiciones y esperar la oportunidad adecuada. Lejos de las buenas sensaciones que había mostrado en semifinales frente a la portuguesa Lua Escudeiro, la vizcaína tuvo que armarse de paciencia para encontrar las olas que necesitaba.

La recompensa llegó cuando apenas quedaban cinco minutos para el final. Ochoa aprovechó una derecha con potencial para enlazar dos giros sólidos que los jueces valoraron con un 7,00. Con esa puntuación, elevó su total a 11,83 y dio la vuelta al marcador para asegurarse el título.

«La verdad es que el viento tan cruzado hacía complicado ver las olas con claridad», explicó la campeona. «Sabía que iba a ser una final muy bonita, porque Janire es una gran competidora y no me lo iba a poner fácil, pero sabía dónde me quería ubicar y las olas que quería y necesitaba coger. Tuve la paciencia suficiente como para encontrarlas», señaló Ochoa tras su victoria en aguas de la Costa da Morte.

Yago Domínguez impone su potencia y su repertorio aéreo

La competición masculina también dejó una sucesión de mangas de gran intensidad. En la primera semifinal, el francés Thomas Debierre firmó una actuación consistente para alcanzar la final con una puntuación de 10,76, frente a los 8,33 de Kalani Da Silva. El surfista no dejó de intentarlo hasta el último instante y confirmó su progresión al alcanzar por primera vez la jornada decisiva de una prueba del circuito QS.

En la otra semifinal, Yago Domínguez marcó territorio desde el comienzo. El surfista de Sopelana abrió su manga con un espectacular aéreo en una izquierda, valorado con un 7,33. Lejos de conformarse, añadió un 5,67 que puso contra las cuerdas a Lukas Skinner, uno de los grandes protagonistas del campeonato y segundo clasificado del ránking europeo de la WSL.

Domínguez todavía tuvo tiempo de mejorar su segunda puntuación con otra izquierda, en la que combinó un potente giro contra el labio con una maniobra final sobre la espuma. La ola recibió un 5,97, una nota que consolidó su ventaja y certificó su pase a la final.

Un aéreo decisivo para conquistar Razo

El surfista vasco mantuvo la misma fórmula en la lucha por el título frente a Thomas Debierre. Consciente de la capacidad del francés para aprovechar la potencia de las olas, Domínguez buscó tomar la iniciativa desde los primeros compases.

Primero enlazó dos giros en una derecha que le valió un 4,00. Apenas unos instantes después, encontró una izquierda de más de un metro de altura y ejecutó un espectacular aéreo que levantó los aplausos del público. La radicalidad de la maniobra convenció a los jueces, que le otorgaron un sobresaliente 8,67.

Con una ventaja importante en el marcador, el de Sopelana centró sus esfuerzos en gestionar la manga y mantener a raya a su rival. Debierre apretó en los minutos finales con una ola valorada en 7,67, pero no fue suficiente para arrebatarle el liderato. Domínguez certificó así una victoria de prestigio en una jornada en la que la lectura del mar y la capacidad de adaptación resultaron determinantes.

«Los primeros días del evento han sido increíbles, la playa estaba preciosa y todos estábamos surfeando a un nivel impresionante, pero el fin de semana ha entrado el viento y lo ha complicado todo. Era buscarse la vida en el agua, tratar de surfear muchas olas y adaptarse a las condiciones», explicó el ganador.

Domínguez también destacó que su experiencia en condiciones similares en el País Vasco durante el invierno le ayudó a afrontar la jornada decisiva. «En el País Vasco en invierno tengo muchas veces este tipo de condiciones y eso pienso que me ha ayudado».

El campeón se despidió de Razo con un mensaje de satisfacción y con ganas de regresar: «Me llevo un gran sabor de boca de Razo, un sitio especial. Como decía, los primeros días ha habido olas perfectas y espero que el campeonato se haga de nuevo el año que viene, porque ha sido una maravilla».

*Fotos e información oficial cortesía de EL EDOMMO SURF PRO RAZO 2026

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El surfista olímpico repasa en A Life in the Water su infancia en California, la influencia de su padre y las rutinas que acompañan una carrera marcada por los viajes y la competición.

La trayectoria de un surfista profesional se mide en resultados, títulos y actuaciones en el agua, pero también se construye lejos de la competición. En A Life in the Water, Kanoa Igarashi repasa los primeros capítulos de su historia y ofrece una mirada a la vida que hay detrás de uno de los nombres destacados del surf internacional.

El vídeo, publicado por IM8 Presents, sitúa el origen de esa trayectoria en una playa de California. Allí, Igarashi observaba a su padre surfear mientras esperaba su turno para entrar al agua. Una escena aparentemente cotidiana que ayuda a explicar cómo nació su vínculo con el surf y cómo una afición temprana terminó convirtiéndose en una profesión.

Durante su infancia, la pasión por las olas también tuvo que convivir con las responsabilidades escolares. Igarashi recuerda las negociaciones para compaginar los deberes con el tiempo dedicado al surf, una dinámica que refleja una de las primeras exigencias de su formación: encontrar el equilibrio entre la disciplina diaria y las ganas de seguir progresando en el agua.

Con los años, aquel aprendizaje dio paso a una carrera internacional que incluye su participación en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, celebrados en 2021, donde conquistó la medalla de plata. Desde entonces, los desplazamientos, los cambios de escenario y la adaptación a distintos destinos forman parte de la realidad de un deportista cuyo calendario está estrechamente ligado a las condiciones del océano y al circuito competitivo.

En este contexto, el testimonio de Igarashi pone el foco en un aspecto menos visible de la vida profesional: la importancia de las rutinas y de conservar una sensación de familiaridad pese a pasar buena parte del año lejos de casa. Para un surfista que viaja constantemente, mantener sus referencias personales puede ser tan relevante como adaptarse a una nueva ola o afrontar una competición.

El vídeo también incluye una breve degustación de productos de IM8, marca con la que colabora el deportista, aunque el eje del relato se encuentra en sus recuerdos personales y en la evolución de su relación con el surf.

“Porque una carrera en el surf no se construye únicamente con títulos y resultados“

Más que una retrospectiva de resultados, A Life in the Water propone acercarse al recorrido vital de Igarashi desde sus primeros referentes hasta su consolidación en la élite. Una historia que recuerda que detrás de cada competición existe un proceso de aprendizaje, hábitos construidos con los años y una relación con el mar que, en su caso, comenzó mucho antes de los focos olímpicos.

Vídeo: Kanoa Igarashi: A Life in the Water, IM8 Presents.

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Cuando eran niños, Jack Robinson, Kanoa Igarashi y Leo Fioravanti ya eran señalados como futuros campeones del mundo. Los años han pasado, los tres han alcanzado la élite del surf profesional y sus caminos se han cruzado temporada tras temporada en el Championship Tour (CT). Sin embargo, esa promesa de infancia sigue teniendo un capítulo pendiente: conquistar el título mundial.

ONE MORE propone una mirada diferente a tres de los nombres más reconocidos del surf competitivo actual. En lugar de centrarse en las mangas, las puntuaciones y la lucha por el ranking, la película acompaña a los tres surfistas durante un descanso a mitad de temporada para compartir diez días de surf en barco por las islas Mentawai, en Indonesia.

Lejos del circuito y sin las lycras de competición, Robinson, Igarashi y Fioravanti recuperan por unos días la esencia de su relación: tres amigos de la infancia que crecieron juntos dentro del mundo del surf y que, con el paso del tiempo, se han convertido también en rivales por alcanzar la cima.

Mentawai, el escenario perfecto para desconectar

Conocidas por sus olas largas, potentes y perfectamente formadas, las Mentawai ofrecen el escenario ideal para una escapada centrada en el surf. Sus arrecifes y tubos de calidad mundial convierten este archipiélago indonesio en uno de los destinos más deseados por los surfistas que buscan olas de alto nivel.

Durante diez días, los protagonistas cambian la tensión de la competición por sesiones de surf sin camisetas, convivencia a bordo y tiempo para disfrutar de las olas sin la presión de sumar puntos. Un contexto que permite descubrir una faceta menos habitual de tres deportistas acostumbrados a vivir bajo el foco del circuito mundial.

El viaje también sirve para poner en perspectiva sus trayectorias. Cada uno ha recorrido un camino distinto hasta llegar a la élite, pero los tres comparten una misma ambición y una historia que se remonta a sus primeros años sobre una tabla.

Tres carreras y una pregunta sin resolver

La premisa de ONE MORE va más allá de una simple aventura de surf. La película plantea una cuestión que acompaña a los tres desde sus comienzos: cuál de ellos conseguirá transformar su talento y su trayectoria en un campeonato del mundo.

El documental sitúa además la historia en un momento especialmente interesante de la temporada, cuando uno de los tres llegó a ocupar el número uno del ranking mundial. Una muestra de hasta qué punto la lucha por el título puede cambiar de manos y de protagonistas a lo largo del Championship Tour.

Más allá de quién llegue primero, el interés está en observar cómo conviven la amistad, la rivalidad y una ambición compartida cuando desaparecen las líneas de salida y los marcadores.

ONE MORE es, en definitiva, una historia sobre el tiempo, la evolución y los sueños que sobreviven a la infancia. Tres amigos que crecieron imaginando el mismo destino, que hoy compiten entre sí al máximo nivel y que todavía tienen una cuenta pendiente con la historia del surf.

¿Quién ganará primero un título mundial? Esa es la pregunta que da nombre al viaje. Por ahora, las Mentawai ofrecen algo más inmediato: diez días de olas, amistad y libertad antes de regresar a la carrera por alcanzar la cima.

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Con Cloudbreak como escenario y el joven surfista fiyiano James Kusitino como inspiración inicial, SunSong propone una mirada cinematográfica al surf que va más allá de las olas. Una película de Mikey February y Spearhead Unlimited donde el estilo, la música y la identidad cultural forman parte de una misma experiencia.

El surf no siempre necesita una competición, una clasificación o una ola perfecta para contar una historia. A veces, basta con observar cómo alguien interpreta el océano. Esa es la premisa de SunSong, el nuevo proyecto cinematográfico impulsado por Mikey February, que viaja hasta Fiyi para explorar el surf como una forma de expresión creativa.

Con Cloudbreak y las islas que la rodean como telón de fondo, la película reúne a un grupo de surfistas cuyas maneras de entender y recorrer las olas reflejan la importancia del instinto, la inspiración y la imaginación. Aquí, el objetivo no es únicamente mostrar maniobras, sino descubrir qué hay detrás de cada línea trazada sobre el agua.

James Kusitino, el futuro del surf fiyiano

En el origen de SunSong se encuentra James Kusitino, un surfista fiyiano de 17 años cuyo surf despertó la idea inicial del proyecto. Su estilo, personal y reconocible, representa una nueva generación de surfistas locales que empieza a ganar visibilidad en la escena internacional.

Kusitino ocupa un lugar central en el relato, no solo por su talento, sino también por lo que representa: una escena local con identidad propia, capaz de influir y dialogar con algunos de los nombres más destacados del surf contemporáneo.

A lo largo de la película, ese intercambio creativo se convierte en una de sus ideas principales. Las influencias circulan en ambas direcciones y cada surfista aporta su propia interpretación del océano. El resultado es una conversación entre estilos, generaciones y culturas en la que la originalidad nace precisamente de la diversidad.

El surf como lenguaje cultural

Detrás de SunSong está Spearhead Unlimited, la plataforma creativa fundada por Mikey February para fomentar la experimentación, la colaboración y la libertad de expresión dentro del surf. La película encaja en esa filosofía: ampliar los límites del cine de surf y explorar todo aquello que conecta este deporte con otras disciplinas artísticas.

La música desempeña un papel fundamental. La banda sonora reúne a figuras de la música sudafricana como Hugh Masekela y Letta Mbulu, junto al saxofonista estadounidense Azar Lawrence. A estas referencias se suman grabaciones de campo recopiladas durante los viajes de February, que aportan texturas y sonidos vinculados a los lugares recorridos.

La combinación construye un paisaje sonoro que conecta Fiyi con África a través del ritmo, el movimiento y una sensación compartida de alegría y optimismo. No se trata de un simple acompañamiento musical: el sonido forma parte de la identidad de la película y refuerza su manera de entender el surf como una experiencia que trasciende lo estrictamente deportivo.

Una película para mirar el surf de otra manera

Junto a Mikey February y James Kusitino, SunSong cuenta con la participación de Frankie Harrer, Kobe Hughes, Lungi Slabb y Tosh Tudor. Sus diferentes aproximaciones al surf contribuyen a construir un retrato colectivo en el que el lugar, la música y la personalidad de cada rider tienen tanto peso como las propias olas.

En un género cinematográfico acostumbrado a celebrar la perfección técnica y las condiciones extraordinarias, SunSong apuesta por otra sensibilidad: observar el surf como un acto creativo, una expresión individual y una forma de conexión con el entorno.

Fiyi aporta el escenario; Kusitino, la inspiración; y February, una visión que une surf, música y cultura. El resultado es una invitación a recordar que cada ola admite infinitas interpretaciones y que, en ocasiones, lo más interesante no es cómo se surfea, sino la manera única en que cada persona encuentra su propio lenguaje sobre el agua.

Surf, música y cultura. SunSong es una celebración de la libertad creativa y de las conexiones que hacen del surf algo mucho más grande que el propio deporte.

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Las últimas sirenas de Corea: las abuelas Haenyeo que desafían al océano a pulmón

En la isla surcoreana de Jeju, generaciones de mujeres han encontrado en el mar su sustento, su independencia y una forma de vida. El documental Las últimas sirenas de Corea: abuelas Haenyeo descubre la historia de estas buceadoras tradicionales, guardianas de una cultura ancestral reconocida por la UNESCO que hoy se enfrenta al envejecimiento de sus protagonistas y a los cambios en el ecosistema marino.

En las aguas que rodean la isla de Jeju, en Corea del Sur, hay mujeres que llevan toda una vida entrando al mar sin botellas de oxígeno. Se sumergen a pulmón para recoger erizos, abulones y otros productos marinos, confiando en su experiencia, su resistencia y un conocimiento del océano transmitido de generación en generación. Son las haenyeo, las legendarias buceadoras coreanas, y sus historias protagonizan el documental Las últimas sirenas de Corea: abuelas Haenyeo.

Lejos de ser únicamente un retrato de una actividad pesquera tradicional, la película nos acerca a una comunidad de mujeres cuya relación con el mar ha marcado la identidad de Jeju durante siglos. A través de sus vidas, sus rituales y sus recuerdos, descubrimos una cultura en la que el trabajo, la autonomía femenina, la solidaridad y el respeto por la naturaleza están profundamente entrelazados.

Mujeres que aprendieron a respirar bajo el mar

La palabra haenyeo hace referencia a las mujeres buceadoras de Jeju. Su oficio, conocido como muljil, consiste en sumergirse sin equipos de respiración para recolectar marisco y otros recursos del fondo marino.

Según la UNESCO, estas mujeres pueden alcanzar profundidades de alrededor de diez metros y realizar jornadas de varias horas durante la temporada de pesca. Su actividad exige una gran capacidad física, conocimiento de las corrientes y las mareas, y una comprensión minuciosa de los ciclos de la vida marina.

Pero su verdadera especialidad no se encuentra únicamente en la apnea. Las haenyeo han desarrollado una forma de trabajar basada en la observación del entorno, la experiencia acumulada y unas normas comunitarias que buscan evitar el agotamiento de los recursos.

Tradicionalmente, las buceadoras se organizan según su experiencia. Las más veteranas orientan a las más jóvenes y les transmiten técnicas, conocimientos sobre el mar y pautas de seguridad. El aprendizaje no se limita a saber cuándo sumergirse o dónde encontrar marisco: también implica comprender los límites del océano.

Una historia de independencia femenina

La cultura haenyeo posee una dimensión social que la distingue de otras tradiciones pesqueras. Durante generaciones, estas mujeres contribuyeron de manera decisiva a la economía de sus hogares y al sustento de sus familias, desarrollando una autonomía económica poco habitual en una sociedad históricamente marcada por estructuras patriarcales.

El trabajo en el mar favoreció también la creación de redes de apoyo entre mujeres. Las cooperativas pesqueras, la organización comunitaria y la transmisión de conocimientos consolidaron una identidad compartida que continúa siendo fundamental para muchas localidades de Jeju.

En este contexto, las haenyeo representan mucho más que una profesión: son un símbolo de resistencia, independencia y cooperación. Sus historias permiten observar cómo una actividad vinculada a la supervivencia se ha convertido, con el paso del tiempo, en un elemento esencial del patrimonio cultural de la isla.

El documental recupera ese legado a través de sus protagonistas, muchas de ellas mujeres mayores que siguen manteniendo una relación cotidiana con el océano. Sus experiencias hablan de esfuerzo y sacrificio, pero también de orgullo, pertenencia y libertad.

Rituales, creencias y una relación espiritual con el océano

Para las haenyeo, el mar es una fuente de alimento e ingresos, pero también un espacio cargado de significado espiritual. Antes de salir a bucear, las prácticas tradicionales incluyen plegarias y rituales destinados a pedir protección y una pesca abundante.

Entre las creencias vinculadas a esta cultura destaca la figura de Jamsugut, una divinidad asociada al mar a la que las buceadoras se encomendaban antes de sumergirse. Estos rituales reflejan una conciencia permanente de los peligros del oficio y una relación con la naturaleza que combina conocimiento práctico, tradición y espiritualidad.

El océano puede proporcionar sustento, pero también representa un riesgo constante. Las condiciones meteorológicas, la temperatura del agua, las corrientes y la propia exigencia de la apnea hacen que cada inmersión requiera atención y experiencia.

Esta dimensión espiritual ayuda a comprender por qué la cultura haenyeo no puede reducirse a una técnica de pesca. Sus canciones, sus ceremonias, sus formas de organización y sus conocimientos del entorno constituyen un patrimonio vivo que se expresa tanto dentro como fuera del agua.

Una tradición reconocida por la UNESCO que lucha por sobrevivir

En 2016, la UNESCO incorporó la cultura de las haenyeo de Jeju a la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. El reconocimiento puso en valor su contribución a la identidad de la isla, el papel de las mujeres en la comunidad y las prácticas de pesca respetuosas con el medio ambiente.

Sin embargo, el reconocimiento internacional no garantiza por sí solo la continuidad de la tradición.

El envejecimiento de las buceadoras y la dificultad para incorporar nuevas generaciones se encuentran entre los principales desafíos. Según un estudio de seguimiento publicado por la UNESCO, a finales de 2024 el número de haenyeo había descendido a aproximadamente 2.600, frente a las más de 4.500 registradas en 2013. Más del 60 % tenía 70 años o más.

A esta situación se suma el deterioro de los ecosistemas costeros. El calentamiento del mar, la degradación de los hábitats y la contaminación afectan a los espacios de los que depende esta actividad tradicional.

La continuidad de las haenyeo exige, por tanto, proteger tanto a las mujeres que mantienen vivo el oficio como el entorno natural que hace posible su existencia. También requiere facilitar la transmisión de sus conocimientos, una tarea en la que participan escuelas especializadas, asociaciones locales y el Museo Haenyeo.

Las últimas sirenas, una memoria que merece seguir viva

Las últimas sirenas de Corea: abuelas Haenyeo nos invita a mirar más allá de la imagen de unas mujeres capaces de sumergirse en aguas profundas conteniendo la respiración. Sus protagonistas representan una manera de entender el mar desde la experiencia, la cooperación y el respeto por sus ritmos naturales.

En un mundo donde la relación con los océanos está cada vez más condicionada por la presión humana y los cambios ambientales, sus historias adquieren una relevancia especial. La tradición haenyeo recuerda que conservar el mar también significa proteger las culturas que han aprendido a convivir con él.

Su futuro dependerá de que las nuevas generaciones encuentren motivos y oportunidades para continuar el legado, y de que las aguas de Jeju sigan ofreciendo las condiciones necesarias para mantenerlo.

Porque estas mujeres no son únicamente las herederas de una tradición antigua. Son también testigos de una relación con la naturaleza que merece ser escuchada antes de que se pierdan las voces que la han mantenido viva durante siglos.

Edición y color por Aarón Báez:   / aaronbaezfilmmaker  

Documentalista, Fotos, Vídeo y Txt cortesía de Lethal Crysis

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Hay lugares a los que el surf todavía no ha llegado de la misma manera que al resto del mundo. La Antártida es uno de ellos. Allí, entre aguas heladas, tormentas y paisajes dominados por el hielo, los hermanos Azulay, el equipo detrás de Gauchos del Mar, se embarcaron en una expedición con un objetivo tan ambicioso como incierto: encontrar olas y surfear tubos en uno de los entornos más extremos del planeta.

El resultado es ANTÁRTIDA – DOMINIO UNO, una película que documenta esta aventura y sitúa a la exploración en el centro de una experiencia en la que cada sesión depende de las condiciones del océano, la meteorología y las dificultades de navegar por aguas antárticas.

Narrada por Kelly Slater, la versión corta del documental ofrece una mirada a la expedición, desde la búsqueda de olas hasta los encuentros con la extraordinaria fauna que habita este rincón del planeta. Una historia de aventura y surf que lleva el espíritu explorador de Gauchos del Mar a una de las últimas grandes fronteras del surf.

Mucho más que surf en aguas heladas

Pero el viaje no se limita a encontrar olas donde pocos imaginarían hacerlo. La expedición también pone el foco en un organismo diminuto que desempeña un papel fundamental en el ecosistema antártico: el krill.

Este pequeño crustáceo constituye una pieza esencial de la cadena alimentaria del océano Austral y sirve de alimento a numerosas especies, entre ellas ballenas, focas y pingüinos. Su conservación resulta clave para mantener el equilibrio de uno de los ecosistemas marinos más singulares del planeta.

A través de esta conexión entre surf y naturaleza, Gauchos del Mar utiliza la expedición para dar visibilidad a la importancia de proteger las aguas antárticas y acompañar los esfuerzos para establecer un Área Marina Protegida en la región.

La película amplía así su perspectiva: las olas son el punto de partida de una historia que también habla de biodiversidad, ciencia y responsabilidad medioambiental.

Explorar para proteger

ANTÁRTIDA – DOMINIO UNO reúne dos dimensiones que forman parte de la identidad de Gauchos del Mar: la búsqueda de lugares remotos para surfear y el compromiso con la conservación de los entornos naturales que hacen posibles esas experiencias.

La versión corta concentra la atención en la expedición, el surf y la exploración, manteniendo el krill y la protección del ecosistema antártico como ejes fundamentales del relato. La película completa incorpora, además, los testimonios y aportaciones científicas de Rodolfo Werner, Manuel Novillo, Paul Nicklen y Cristina Mittermeier.

En la Antártida, encontrar una ola es solo una parte de la aventura. Entender el lugar al que se llega y contribuir a protegerlo es lo que convierte esta expedición en algo más que una historia de surf.

Gauchos del Mar @gauchosdelmar

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Hay olas que duran unos segundos y fotografías capaces de conservarlas para siempre. En ese territorio donde el movimiento se convierte en memoria trabaja Ray Collins, fotógrafo australiano que ha dedicado buena parte de su carrera a retratar el océano desde una perspectiva que trasciende la fotografía de surf convencional. Sus imágenes no necesitan un surfista, una tabla ni una maniobra espectacular para transmitir la energía del mar. En ocasiones, basta una pared de agua, una línea de espuma y la luz adecuada para revelar toda la fuerza de la naturaleza.

Elemental es una invitación a contemplar esa relación entre el agua y la luz sin las prisas con las que normalmente observamos el océano. Creado por el fotógrafo Ray Collins junto al artista visual Armand Dijcks, este cortometraje transforma fotografías originales de Collins en cinemagraphs: imágenes híbridas entre fotografía y vídeo en las que determinados elementos parecen permanecer inmóviles mientras el movimiento continúa en un bucle infinito.

El resultado es una experiencia visual que se sitúa entre el cine, la fotografía artística y la contemplación. Las olas parecen respirar, las superficies del agua adquieren texturas casi minerales y las crestas se convierten en formas escultóricas. No estamos viendo una ola romper, sino habitando durante unos instantes el interior de su movimiento.

De las profundidades de una mina al corazón del océano

La historia de Ray Collins tiene un punto de partida muy alejado de las cámaras profesionales, las exposiciones internacionales y las grandes producciones audiovisuales. Nacido en 1982 y vinculado a la costa de Nueva Gales del Sur, Australia, Collins trabajó durante años como minero del carbón en la zona de Bulli, al sur de Sídney. El océano, sin embargo, siempre había formado parte de su vida: era surfista y conocía de primera mano la energía, los riesgos y los cambios de humor del mar.

En 2007, un accidente laboral en la mina le provocó una grave lesión de rodilla que lo dejó temporalmente sin poder caminar con normalidad. Durante su rehabilitación, y siguiendo la recomendación médica de nadar, comenzó a interesarse por la fotografía. Compró su primera cámara, estudió su funcionamiento y empezó a fotografiar a sus amigos mientras surfeaban en las olas de su entorno.

Su objetivo inicial era sencillo: conseguir publicar una fotografía en una revista de surf. No tardó demasiado en lograrlo. Su mirada fresca, el conocimiento del océano y su disposición a buscar perspectivas poco habituales llamaron rápidamente la atención de la industria. Sus imágenes comenzaron a aparecer en revistas internacionales y Collins pasó de documentar las sesiones de sus amigos a trabajar en encargos relacionados con algunos de los nombres más destacados del surf.

Lo que empezó como una forma de ocupar el tiempo durante una recuperación médica terminó convirtiéndose en una nueva vida profesional.

Pero aquella primera etapa también escondía una pregunta que acabaría definiendo su obra: ¿y si el verdadero protagonista de una fotografía de surf no fuera el surfista, sino la propia ola?

La evolución de Collins está documentada tanto en su biografía oficial como en la exposición Ray Collins: Seascapes, presentada en el SFO Museum de San Francisco en 2016. Ambas permiten entender cómo una afición nacida de una circunstancia inesperada se convirtió en una carrera internacional dedicada a explorar las formas del océano.

Cuando la ola deja de ser un escenario

Durante los primeros años de su trayectoria, Collins fotografió surfistas, viajes y sesiones en diferentes lugares del mundo. Sin embargo, con el tiempo, su atención comenzó a desplazarse hacia aquello que siempre había estado presente en sus fotografías: el agua.

En 2012 decidió apartarse temporalmente de la fotografía y dedicar un año a replantearse su vida. Cuando regresó a la cámara, lo hizo con una mirada diferente. En lugar de concentrarse en las personas que surfeaban las olas, empezó a fotografiar las propias olas, sus volúmenes, sus pliegues, sus sombras y la energía que se libera cuando una masa de agua se aproxima a la costa.

Ese cambio marcó un antes y un después.

En la fotografía de surf tradicional, la ola suele funcionar como escenario de una acción. El objetivo es mostrar la relación entre el surfista y la pared de agua, capturar una maniobra, congelar un tubo o documentar una sesión memorable. En el trabajo de Collins, en cambio, la ola puede ocupar todo el encuadre y convertirse en protagonista absoluta.

Las crestas adquieren la presencia de montañas. Los fondos oscuros recuerdan a acantilados volcánicos. Las superficies iluminadas parecen metal fundido, vidrio o seda. Una simple línea de espuma puede dividir la composición con la precisión de un dibujo.

Sus fotografías obligan a mirar el océano de otra manera. Lo que a simple vista parece una superficie cambiante y caótica se revela como un sistema de líneas, volúmenes, transparencias y patrones. La ola deja de ser únicamente algo que se surfea para convertirse en una forma de arte natural.

Esta aproximación también conecta con una dimensión esencial del surf: el conocimiento del mar. Quien ha pasado horas esperando una serie, observando el horizonte o buscando la posición adecuada para entrar al agua sabe que una ola nunca es exactamente igual a otra. Collins traslada esa experiencia a la fotografía y consigue que el espectador perciba la individualidad de cada movimiento.

El agua y la luz: dos elementos, infinitas posibilidades

Una de las particularidades más conocidas de Ray Collins es que es daltónico de nacimiento. Lejos de considerar esta condición un obstáculo insalvable, el fotógrafo ha explicado que su experiencia visual ha contribuido a centrar su atención en la iluminación, las formas y las líneas de sus sujetos.

No sería correcto atribuir toda su estética a esa circunstancia, pero sí resulta interesante observar cómo su trabajo se construye alrededor de elementos que van más allá del color.

La dirección de la luz puede transformar por completo una misma ola. Una cresta iluminada desde atrás adquiere transparencia; una superficie en sombra gana densidad y dramatismo; un reflejo convierte el agua en una extensión casi abstracta. La espuma, por su parte, introduce una geometría irregular que contrasta con la continuidad de la masa líquida.

Collins trabaja precisamente en ese límite entre lo reconocible y lo abstracto. Sus imágenes siguen siendo inequívocamente fotografías del océano, pero algunas podrían confundirse con paisajes imaginarios o estructuras geológicas de otro planeta.

La cámara congela una fracción de segundo que el ojo humano apenas podría analizar en tiempo real. El resultado no es una representación completa de la ola, sino una interpretación de uno de sus instantes más expresivos.

Esa es una de las razones por las que sus fotografías funcionan incluso lejos del contexto del surf. No es necesario conocer una rompiente, distinguir un point break de una playa de arena o reconocer una maniobra para apreciar sus imágenes. La experiencia comienza con la forma, la luz y la sensación de fuerza que transmite el agua.

Fotografiar desde dentro: paciencia, técnica y respeto por el mar

La estética de Collins puede parecer serena, pero el proceso que hay detrás de muchas de sus imágenes está lejos de serlo.

Fotografiar olas desde el agua implica trabajar en un entorno imprevisible, donde el fotógrafo debe controlar la cámara al mismo tiempo que gestiona las corrientes, las series, las turbulencias y la posibilidad de quedar atrapado bajo una ola. El encuadre puede desaparecer en una fracción de segundo, la lente puede recibir salpicaduras y una composición perfecta puede deshacerse antes de que el disparador responda.

En una entrevista publicada por Adobe en 2018, Collins describía su jornada de trabajo como si estuviera dentro de un estudio cuyas paredes y techo se desplomasen continuamente mientras el suelo se mueve bajo sus pies. La comparación explica bien la dificultad de ajustar la exposición, la velocidad de obturación y el encuadre en medio del movimiento del océano.

Su experiencia como surfista constituye una ventaja decisiva. Conocer el comportamiento de las olas, anticipar las series y entender cómo se desplaza la energía en una rompiente permite elegir mejor dónde situarse y cuándo disparar. No elimina el riesgo, pero ayuda a interpretar el entorno.

También existe una diferencia fundamental entre mirar el océano desde la orilla y fotografiarlo desde dentro. Desde la playa observamos la ola como una forma completa que avanza hacia nosotros. Desde el agua, la perspectiva cambia: la cresta puede levantarse por encima del fotógrafo, la superficie se convierte en una pared y los detalles de la espuma adquieren una escala completamente distinta.

Es en esa proximidad donde Collins encuentra algunas de sus composiciones más características.

El propio fotógrafo insiste en la importancia de no arriesgar la vida por una imagen. Su trabajo requiere paciencia y preparación, pero también saber cuándo no entrar al agua. En el surf y en la fotografía oceánica, la capacidad de reconocer los límites es tan importante como la ambición de conseguir una buena toma.

‘Elemental’: cuando una fotografía empieza a moverse

Si las fotografías de Collins permiten detener una ola en su momento más expresivo, Elemental lleva esa idea un paso más allá.

El proyecto, presentado en 2019, nació de su colaboración con Armand Dijcks, artista visual neerlandés especializado en transformar imágenes fijas en experiencias audiovisuales. La propuesta parte de una premisa sencilla: ¿qué sucedería si pudiéramos contemplar una fotografía durante más tiempo del que permite el instante original?

Cada plano de Elemental se construye a partir de una fotografía original de Collins. Mediante un meticuloso proceso de composición y animación, Dijcks convierte esas imágenes estáticas en cinemagraphs, piezas que combinan la precisión de una fotografía con la sensación de movimiento de un vídeo.

No se trata simplemente de colocar una imagen sobre una secuencia de agua en movimiento. El procedimiento descrito por sus creadores consiste en superponer y trabajar cuidadosamente las imágenes para producir una animación continua y a cámara lenta. El resultado genera la ilusión de que la ola permanece suspendida en un estado intermedio: no termina de romper, pero tampoco deja de moverse.

La fotografía y el vídeo parecen encontrarse en un territorio donde el tiempo ha perdido su dirección habitual.

Una cresta puede mantenerse eternamente al borde del colapso. La espuma parece avanzar sin llegar nunca a desaparecer. La superficie refleja la luz en un movimiento casi imperceptible que invita a observar cada detalle.

El proyecto recibió el reconocimiento Vimeo Staff Pick y se ha presentado en diferentes festivales de cine. La colección de cinemagraphs se desarrolló también en alta resolución, mientras que el cortometraje se preparó en 4K, según la información de sus creadores.

En Elemental, la tecnología no pretende imitar la realidad de una manera espectacular. Su función es permitirnos contemplarla durante más tiempo. La técnica queda al servicio de una idea poética: prolongar un instante que, en condiciones naturales, desaparecería casi inmediatamente.

André Heuvelman y Jeroen van Vliet: música para escuchar el océano

La experiencia de Elemental no depende únicamente de sus imágenes. La banda sonora original, compuesta e interpretada por André Heuvelman a la trompeta y Jeroen van Vliet al piano, introduce otra dimensión en la contemplación del agua.

La música evita competir con la fuerza visual de las olas. En lugar de imponer un ritmo narrativo convencional, acompaña la sucesión de imágenes y refuerza su carácter meditativo. La trompeta aporta profundidad y expresividad, mientras que el piano contribuye a crear un espacio sonoro en el que los cambios de luz y textura parecen adquirir una cadencia propia.

La combinación es especialmente efectiva porque las imágenes no cuentan una historia en el sentido tradicional. No hay un protagonista que deba alcanzar una meta ni una secuencia de acciones que conduzca a un desenlace. La atención se concentra en el movimiento, la materia y la percepción.

En una película de surf convencional, la música suele acompañar la energía de una sesión, los viajes o las maniobras de los surfistas. Aquí, el sonido invita a reducir la velocidad y observar.

La ola no necesita romper para generar emoción. Puede hacerlo simplemente permaneciendo al borde de la ruptura.

De ‘The Infinite Now’ a una nueva forma de contemplar las olas

Elemental forma parte de una colaboración más amplia entre Collins y Dijcks. Su antecedente directo es The Infinite Now, proyecto que exploraba la misma idea de convertir fotografías oceánicas en imágenes en movimiento perpetuo.

El planteamiento de aquella primera colaboración consistía en estirar un fragmento diminuto de tiempo para que el espectador pudiera disfrutarlo indefinidamente. El resultado encontró una audiencia internacional y obtuvo también el reconocimiento Vimeo Staff Pick.

Posteriormente, ambos creadores continuaron desarrollando esta línea de trabajo con otros proyectos, entre ellos Momentum y Fluid Forms. El interés de estas colaboraciones reside en la continuidad de una investigación visual: cómo representar el movimiento del agua sin perder la intensidad de la fotografía original.

En Elemental, esa exploración se concentra en las formas esenciales del océano. La palabra que da título al proyecto resulta especialmente apropiada: el agua y la luz son los elementos fundamentales de una experiencia que prescinde de casi todo lo demás.

Para los aficionados al surf, estas películas ofrecen una perspectiva complementaria a la de las producciones centradas en los viajes, los surfistas y las grandes sesiones. No buscan documentar lo que sucede en una rompiente, sino revelar lo que normalmente pasa desapercibido mientras esperamos la siguiente ola.

Una carrera que va mucho más allá de la fotografía de surf

El reconocimiento de Ray Collins ha trascendido hace tiempo las revistas especializadas. Su trabajo ha aparecido en publicaciones como Vogue, Wired y The New York Post, además de medios deportivos y culturales. Sus fotografías también han sido expuestas en galerías y museos de Australia, Estados Unidos, Reino Unido y otros países europeos.

Entre sus reconocimientos figuran la beca de la Follow the Light Foundation en 2009, el premio Australian Surf Photo of the Year en 2012 y 2015, y el primer puesto en los Big Picture Awards de la California Academy of Sciences en 2014. En 2015 fue también finalista del Terry O’Neill Photography Award. Estos hitos muestran cómo una trayectoria nacida en la fotografía de surf fue encontrando espacio en el mundo del arte y la fotografía de naturaleza.

Su trabajo en el documental Fishpeople, de Patagonia, constituye otro ejemplo de esa evolución. La película explora la relación transformadora entre las personas y el océano, una idea que conecta directamente con la forma en que Collins entiende su propia relación con el mar.

Además de colaborar con marcas de diferentes sectores, el fotógrafo ha trabajado con organizaciones, científicos, activistas y entidades comprometidas con la conservación marina. Su intención declarada es mostrar tanto la fuerza del océano como su fragilidad.

Esta dimensión resulta importante para comprender su obra. Sus imágenes no presentan el mar como un decorado paradisíaco ni como una simple fuente de entretenimiento. El océano aparece como una presencia viva, capaz de inspirar admiración y respeto, pero también de recordarnos nuestra vulnerabilidad.

En ese sentido, sus fotografías contienen una dimensión ambiental sin necesidad de recurrir siempre a mensajes explícitos. Mostrar el océano con toda su complejidad puede ser una forma de acercar al público a aquello que merece la pena proteger.

El océano como una forma de entender el tiempo

Hay algo profundamente relacionado con el surf en la manera en que Ray Collins fotografía las olas. Quienes pasan tiempo en el agua aprenden que el mar no puede controlarse y que cada sesión depende de una combinación irrepetible de viento, marea, dirección del swell, luz y energía.

También aprenden a esperar.

Una buena ola puede tardar horas en llegar y desaparecer en apenas unos segundos. El surfista intenta aprovechar ese instante; el fotógrafo, conservarlo. Collins lleva esa segunda tarea a una dimensión artística, pero el impulso inicial es el mismo: reconocer que hay momentos cuya belleza reside precisamente en su carácter efímero.

Elemental propone una paradoja fascinante. Sabemos que el agua está en movimiento, pero la imagen parece resistirse a avanzar. Sabemos que la ola acabará rompiendo, pero el bucle nos permite permanecer indefinidamente en el instante anterior.

Es una experiencia que conecta con la memoria que los surfistas guardan de determinadas olas: una luz concreta, una pared de agua que parecía interminable, una textura que solo apareció durante unos segundos. La imagen no devuelve la experiencia completa, pero conserva algo esencial de ella.

En las fotografías de Collins, el océano no es solo un lugar donde suceden cosas. Es el protagonista de una historia que continúa incluso cuando no hay nadie mirando.

Y quizá esa sea la mayor virtud de su trabajo: recordarnos que las olas no necesitan ser surfeadas para resultar extraordinarias.

Ver ‘Elemental’: una invitación a detenerse

En una cultura visual acostumbrada a consumir imágenes cada vez más rápido, Elemental propone exactamente lo contrario. No hay que buscar una maniobra espectacular ni esperar el desenlace de una secuencia. Basta con dejar que la mirada permanezca sobre la superficie del agua y descubrir cómo cambia algo que, aparentemente, permanece igual.

La colaboración entre Ray Collins y Armand Dijcks demuestra que la fotografía oceánica puede expandirse hacia otros lenguajes sin perder su esencia. Una imagen fija puede convertirse en una experiencia temporal; una ola puede transformarse en una escultura de luz; un instante puede prolongarse hasta parecer eterno.

Para Ray Collins, el viaje comenzó fotografiando a sus amigos mientras surfeaban en la costa australiana. Con el tiempo, su atención se desplazó hacia las olas que daban sentido a aquellas sesiones. Hoy, sus imágenes nos permiten observar el océano desde una perspectiva distinta, más cercana a la contemplación que al espectáculo.

Elemental es, en definitiva, una película para quienes aman el mar incluso cuando no están surfeando. Para quienes saben que una ola contiene mucho más que una pared de agua y que, a veces, el mejor momento no es aquel en el que rompe, sino el instante suspendido justo antes.

Porque algunas olas se recuerdan por cómo se surfean. Otras, por todo lo que nos hacen sentir.

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Un dron FPV de Márcio Costa captó el momento en que Daniel «Foamball» Rangel abandonó su moto acuática para afrontar el impacto de una nueva ola en Praia do Norte. Will Santana y el piloto de rescate sobrevivieron a una secuencia que muestra la complejidad de las operaciones en el surf de olas gigantes.

En Nazaré, una situación de rescate puede cambiar en cuestión de segundos. Una ola que parecía superada da paso a otra masa de agua, la moto acuática pierde capacidad de maniobra y el margen para reaccionar se reduce al mínimo. Eso es lo que muestra Nazaré – Split Second, el vídeo de MCYDRO, el proyecto audiovisual de Márcio Costa, que documenta un episodio ocurrido durante la grabación de Gigantes de Nazaré, en Praia do Norte, Portugal.

La secuencia, registrada el 24 de febrero de 2025, tiene como protagonistas al surfista brasileño Willyam «Will» Santana y a Daniel Rangel, conocido como Foamball, encargado de conducir la moto acuática de rescate.

Una segunda ola cambia la situación

Todo comienza cuando Santana entra en una ola de grandes dimensiones y acaba desapareciendo bajo la espuma. Rangel se dirige hacia él y consigue aproximarse lo suficiente para que el surfista se agarre a la parte trasera de la moto acuática.

El objetivo es abandonar la zona de impacto antes de que llegue otra serie. Sin embargo, una nueva pared de agua comienza a levantarse frente a ellos. La espuma dificulta la maniobra y la moto pierde velocidad justo cuando necesitan ganar distancia.

Es entonces cuando Rangel toma una decisión decisiva: abandona la moto acuática y se lanza al agua antes de que la ola los alcance.

La maniobra puede resultar difícil de interpretar para quien observa las imágenes desde fuera. En la explicación que acompaña al vídeo, Márcio Costa describe cómo la pérdida de velocidad y la proximidad de la siguiente ola redujeron las posibilidades de escapar con la máquina.

En esas circunstancias, permanecer junto a la moto podía añadir otro riesgo al impacto. El vehículo podía golpear a sus ocupantes o arrastrarlos junto con él bajo el agua.

Santana también desaparece bajo la espuma. Durante unos instantes, ninguno de los dos permanece visible en la superficie. Finalmente, ambos sobreviven al episodio, aunque la prensa especializada informó de que sufrieron heridas leves.

La moto acuática, por su parte, resulta gravemente dañada durante el impacto. La secuencia pone de manifiesto que las operaciones de rescate en olas gigantes están condicionadas por cambios constantes en el estado del mar y por decisiones que deben tomarse sin apenas margen de reacción.

La última batería de Márcio Costa

La historia de Split Second también tiene una particularidad detrás de la cámara. Costa grabó la secuencia con un dron FPV, capaz de seguir la acción desde una perspectiva muy próxima a los protagonistas.

Según explica el propio realizador, aquella era la última batería disponible para su dron durante esa jornada. Después de varias horas siguiendo la sesión, decidió continuar en el aire a la espera de otra serie, sin saber qué estaba a punto de suceder.

La cámara siguió a Santana en la ola, registró la llegada de Rangel y continuó filmando durante el intento de rescate y el posterior impacto.

El resultado permite observar el desarrollo de la escena en una secuencia continua, desde una perspectiva diferente a la de las cámaras instaladas en los acantilados o las grabaciones realizadas desde embarcaciones.

No se trataba de una toma preparada ni de una situación que pudiera repetirse para conseguir mejores imágenes. La oportunidad surgió mientras Costa seguía la acción y el dron permanecía en vuelo.

Una mirada al riesgo del surf de olas gigantes

El vídeo superó el millón de reproducciones y obtuvo el segundo puesto en la categoría Aerial Wipeout de los Mercedes-Benz Nazaré Winter Sessions Awards, según la información recogida por distintos medios especializados.

Más allá de su difusión, la grabación permite observar una dimensión del surf de olas grandes que no siempre ocupa el centro de las imágenes: el trabajo de los equipos de rescate y las decisiones que deben tomar cuando una intervención se complica.

La maniobra de Rangel muestra cómo una moto acuática puede ser fundamental para llegar hasta un surfista y, segundos después, convertirse en un elemento de riesgo si las condiciones impiden abandonar la zona de impacto.

En Praia do Norte, donde las olas pueden alcanzar dimensiones extraordinarias, la preparación y la experiencia de quienes intervienen en los rescates forman parte esencial de la seguridad en el agua.

Con Nazaré – Split Second, Márcio Costa documenta uno de esos episodios desde una perspectiva cercana y continua. Una secuencia en la que la caída, el rescate y la llegada de una nueva ola se suceden en pocos segundos, y en la que el desenlace recuerda los riesgos que acompañan a cada sesión de surf de olas gigantes.

Vídeo: Nazaré – Split Second, de MCYDRO, por Márcio Costa.

Protagonistas: Will Santana y Daniel «Foamball» Rangel.

Lugar: Praia do Norte, Nazaré, Portugal.

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De Mavericks a Todos Santos: el surfista portugués se lanza a una aventura marcada por las olas XXL, los imprevistos y la búsqueda de una de las grandes marejadas del año.

Hay swells que justifican cruzar medio mundo. Y después están aquellos que te llevan a cambiar de planes, enfrentarte a una caída monumental y seguir buscando la ola que has ido a encontrar. Esa es la esencia de Swell Diaries Episode 2: North Amerika, la nueva aventura de Miguel Blanco, que pone rumbo a la costa oeste de Norteamérica para perseguir algunas de las olas más potentes del planeta.

El punto de partida es Mavericks, California. Ante la previsión de una de las mayores marejadas del año en este mítico spot de olas gigantes, el surfista portugués no duda en reservar un vuelo y lanzarse a la aventura. El objetivo está claro: aprovechar una oportunidad excepcional para enfrentarse a uno de los escenarios más exigentes del surf de olas grandes.

Pero el océano tiene sus propios planes. Lo que comienza con una caída brutal acaba convirtiéndose en uno de los viajes más significativos de la serie. Lejos de terminar ahí, la expedición continúa hacia el sur, hasta México, donde Blanco busca una segunda oportunidad y descubre las imponentes olas de Todos Santos, uno de los nombres imprescindibles del big wave surfing mexicano.

La ruta conecta algunos de los territorios más emblemáticos del Pacífico norteamericano. De México a San Diego y de vuelta a Mavericks, el viaje avanza siguiendo las marejadas y las oportunidades que aparecen por el camino. Porque perseguir un swell no consiste únicamente en llegar al spot adecuado: también implica tomar decisiones sobre la marcha, asumir riesgos y aceptar que las mejores sesiones no siempre llegan cuando uno las espera.

Más allá de las olas

Con North Amerika, Miguel Blanco vuelve a demostrar que el surf de exploración es mucho más que una sucesión de maniobras espectaculares. La película pone el foco en todo lo que sucede alrededor de cada sesión: los desplazamientos, la incertidumbre, los cambios de rumbo y la determinación necesaria para seguir buscando cuando las cosas no salen según lo previsto.

El segundo episodio forma parte de Swell Diaries, un proyecto audiovisual de tres años que acompaña al surfista portugués en su búsqueda de grandes olas por diferentes rincones del planeta. Una propuesta que combina surf de alto nivel, aventura y relatos nacidos en el camino, con el océano como hilo conductor.

El capítulo ha sido filmado por Timmy Toes, editado por Manel Geada y producido por Planeta Azul Eco, con el apoyo de Oxbow.

En esta ocasión, la costa oeste de Norteamérica es el escenario de una historia en la que el verdadero desafío no termina al entrar al agua. A veces, la aventura empieza mucho antes de que llegue la primera ola y continúa incluso después de la caída.

Dale al play y acompaña a Miguel Blanco en la persecución de un swell gigante en Norteamérica.

Surfer Miguel Blanco @_miguelblanco_

Grabado por: Timmy Toes
Editado por: Manel Geada
Producido por: Planeta Azul Eco

Fuente: Oxbow.

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Hay olas que duran unos segundos y otras que parecen detener el tiempo. En SLOWMOCEAN 3, Ryan Pernofski nos invita a contemplar el océano desde otra perspectiva, dejando que el movimiento del agua, la luz y las formas de cada ola adquieran todo el protagonismo.

Conocido por su trabajo como fotógrafo y creador de imágenes del océano, Pernofski ha hecho de la cámara lenta una forma de mostrar los detalles que a menudo pasan desapercibidos cuando estamos frente al mar. Su proyecto Slowmocean pone el foco en la belleza natural de las olas y en la capacidad de la imagen para transmitir sensaciones más allá de la acción del surf.

En esta tercera entrega, las imágenes encuentran su complemento en «Rise (Ambient)», de Tony Anderson, una composición atmosférica que acompaña el movimiento del agua y refuerza el carácter contemplativo de la pieza. La música y las imágenes construyen una experiencia audiovisual en la que el océano no necesita palabras para expresarse.

Lejos de la velocidad, los giros y la adrenalina habituales en los vídeos de surf, SLOWMOCEAN 3 propone otra manera de mirar. Una invitación a detenerse en las texturas, los reflejos y la energía de las olas, recordándonos que el surf también es observación, sensibilidad y conexión con el mar.

Dale al play, sube el volumen y déjate llevar por el océano a cámara lenta.

Vídeo: Ryan Pernofski
Música: Tony Anderson — Rise (Ambient)

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Hossegor está que arde: tubos, locales y surfistas de élite en una sesión para enmarcar

Los bancos de arena de Las Landas se convierten en auténticas máquinas de tubos en una sesión que reúne a Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot y compañía. Grabada casi en su totalidad el 2 de octubre, esta nueva película de Ripitup confirma que el otoño ha llegado a Hossegor con ganas de guerra.

Hay días en los que Hossegor recuerda por qué ocupa un lugar privilegiado en el imaginario del surf europeo. El océano encuentra la dirección adecuada, los bancos de arena se ordenan y las olas empiezan a dibujar esas paredes huecas que convierten cualquier baño en una prueba de lectura, precisión y compromiso. El 2 de octubre fue uno de esos días.

El vídeo HOSSEGOR ON FIRE Tubes, locaux & pros du Quiksilver Festival Hossegor Octobre 2026, publicado por Ripitup, pone imágenes a una sesión de esas que justifican madrugar, revisar las previsiones una y otra vez y esperar en la playa hasta que aparece la serie buena. Bancos de arena que parecen losas, tubos potentes y una sucesión de olas que invita a quedarse mirando desde la orilla… aunque cueste resistirse a entrar al agua.

Bancos de arena con carácter y tubos de verdad

En Hossegor, el espectáculo empieza mucho antes de que un surfista consiga salir de un tubo. Está en la forma en la que la ola levanta sobre el banco, en la velocidad con la que se cierra el labio y en ese instante en el que una pared aparentemente perfecta puede convertirse en una sección imposible.

Las imágenes de esta sesión capturan precisamente esa esencia del beach break de Las Landas: olas rápidas, huecas y exigentes, con secciones que premian la colocación y castigan cualquier error de cálculo. Aquí no basta con tener buenos reflejos. Hay que encontrar el punto exacto de entrada, ajustar la línea y confiar en que el labio deje una salida.

Cuando los bancos funcionan así, Hossegor no necesita demasiados adornos. El propio océano se encarga de construir el espectáculo.

Una alineación de lujo en aguas landesas

El otro gran atractivo de la película es el grupo de surfistas que aprovecha las condiciones. La sesión reúne a nombres conocidos del panorama internacional y a surfistas vinculados a la escena local, en una combinación que encaja perfectamente con el espíritu del Quiksilver Festival.

Entre los protagonistas aparecen Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot, Eimeo Czermak, Leonardo Fioravanti, Justin Becret, Nolan Guerin y Aldric God. Una alineación que mezcla experiencia, talento competitivo y conocimiento de unas olas que no regalan absolutamente nada.

Florès, uno de los grandes referentes del surf francés, representa ese vínculo especial entre Hossegor y los surfistas que han llevado el nombre de la costa landesa por todo el mundo. A su alrededor, la presencia de profesionales internacionales y riders de la escena francesa refuerza la sensación de estar ante una auténtica sesión de equipo, con el nivel suficiente para convertir cada serie en una oportunidad.

Pero aquí el protagonismo no pertenece exclusivamente a los nombres más conocidos. En condiciones de este calibre, cada ola es una historia independiente y cada tubo exige ganarse el derecho a salir por la puerta de atrás.

El espíritu del Quiksilver Festival continúa fuera de competición

El Quiksilver Festival, celebrado del 19 al 27 de septiembre de 2026 en Hossegor, Capbreton y Seignosse, reúne surf, skate, música y arte en una celebración de la cultura de tabla. <Cite refs={[“turn729018search5″,”turn729018search11”]}/> Su propuesta también sirve como punto de encuentro entre surfistas profesionales, locales y aficionados, más allá del formato tradicional de competición.

Esta sesión de octubre prolonga ese ambiente desde una perspectiva diferente: sin necesidad de centrarse en mangas, resultados o clasificaciones, el interés está en el surf y en las condiciones. El vídeo traslada la atención a la playa, a los bancos de arena y a la búsqueda de las mejores olas.

Es una de las particularidades que hacen especial a Hossegor durante el otoño. Cuando llegan los primeros grandes swells de la temporada y los bancos empiezan a ofrecer su mejor versión, la costa se convierte en un punto de encuentro para quienes quieren medirse con algunas de las olas más exigentes del continente.

El otoño acaba de empezar

La sesión del 2 de octubre deja una idea bastante clara: la temporada de tubos en Las Landas ya está en marcha. Y si los bancos de arena mantienen este nivel, todavía quedan muchos baños capaces de dar que hablar.

Para quienes conocen Hossegor, no hace falta demasiada explicación. Basta con ver una serie entrar, observar cómo la ola se levanta sobre la arena y comprobar cómo desaparece el surfista detrás del labio. Para quienes todavía no han vivido un otoño en esta costa, el vídeo funciona como una invitación a descubrir por qué este tramo del Atlántico francés sigue siendo una referencia para los amantes del surf de alto rendimiento.

Tubos, velocidad, locales y profesionales compartiendo el mismo escenario. Hossegor está on fire. Y esto no ha hecho más que empezar.

Vídeo: Ripitup
Título: HOSSEGOR ON FIRE Tubes, locaux & pros du Quiksilver Festival Hossegor Octobre 2026
Fecha de grabación: 2 de octubre de 2026, casi en su totalidad
Surfistas: Jérémy Florès, Michel Bourez, Marco Mignot, Eimeo Czermak, Leonardo Fioravanti, Justin Becret, Nolan Guerin y Aldric God.

*Fotos cortesía de  RIPITUP / @ripitup.fr

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Hay lugares que se convierten en destinos para surfear y otros que terminan formando parte de la historia de un deporte. Jeffreys Bay pertenece a esta segunda categoría. En la costa oriental de Sudáfrica, las largas derechas de J-Bay han sido durante décadas un laboratorio natural para el surf de alto rendimiento y el escenario donde algunas de las mayores figuras de este deporte han buscado una de esas experiencias que solo el océano puede ofrecer: encontrar una línea perfecta y mantenerla durante cientos de metros.

Chasing the Perfect Wave: Jeffrey’s Bay – The Pure Line recupera esa historia y se sumerge en la relación entre los surfistas y una rompiente que ha evolucionado al mismo tiempo que lo hacía el propio surf. Con Shaun Tomson y Mark Occhilupo como dos de sus grandes protagonistas, el documental viaja desde los primeros años de J-Bay hasta la época en la que la ola pasó a convertirse en uno de los escenarios imprescindibles del surf profesional.

Porque hablar de Jeffreys Bay no significa hablar únicamente de una ola. J-Bay es un point break formado por diferentes secciones, cada una con su propia personalidad. Boneyards, Supertubes, Impossibles, Tubes y Point forman parte de un recorrido que, cuando las condiciones son las adecuadas, permite conectar diferentes paredes y construir una de las líneas más largas y reconocibles del planeta. Entre todas ellas, Supertubes se convirtió con el tiempo en la sección más famosa y en el corazón competitivo de J-Bay.

Y conviene hacer una precisión: Supertubes no es Jeffreys Bay en sí mismo, sino una de las secciones de este point break sudafricano. No debe confundirse con Supertubos, en Peniche, Portugal. Dos nombres similares, dos olas completamente diferentes. En J-Bay, Supertubes es la sección rápida, técnica y tubular que terminó convirtiéndose en uno de los grandes escenarios del surf mundial.

Cuando J-Bay todavía era territorio por descubrir

La historia moderna de Jeffreys Bay comenzó a tomar forma durante los años sesenta, cuando los primeros surfistas empezaron a explorar sus diferentes secciones. En aquella época, la ola que hoy conocemos como uno de los grandes templos del surf era un lugar mucho más remoto y menos accesible. Los surfistas se concentraban principalmente en The Point, mientras las secciones exteriores planteaban un desafío considerable.

La evolución de las tablas fue cambiando esa relación con la ola. Las tablas más cortas y maniobrables permitieron atacar paredes que anteriormente resultaban mucho más difíciles de aprovechar. Más adelante, el invento facilitó también la posibilidad de enfrentarse a los fondos rocosos y a las secciones más exigentes. Poco a poco, los surfistas comenzaron a desplazarse hacia las partes más rápidas del point y Supertubes empezó a revelar todo su potencial.

Aquella transformación es una parte fundamental de la historia de J-Bay porque demuestra que una ola no permanece igual cuando cambia el surfista que la monta. La evolución del material también transforma el mapa de una rompiente. Lo que para una generación era una sección imposible puede convertirse, para la siguiente, en el lugar donde desarrollar una nueva forma de surfear.

Y Jeffreys Bay fue precisamente eso: un lugar donde las nuevas tablas, las nuevas líneas y las nuevas generaciones fueron ampliando los límites de lo que parecía posible.

Shaun Tomson y la construcción de una leyenda

Pocos nombres están tan ligados a la historia de J-Bay como Shaun Tomson. El sudafricano, campeón del mundo en 1977, creció surfeando las olas de su país y se convirtió en uno de los grandes referentes de la generación que llevó el surf sudafricano al escenario internacional.

Para Tomson, J-Bay fue mucho más que una ola perfecta. Fue una escuela. Allí aprendió a leer paredes largas, a mantener velocidad y, sobre todo, a entender que el surf no consistía necesariamente en acumular maniobras, sino en encontrar una línea que permitiera conectar cada parte de la ola con la siguiente.

Esa idea acabaría siendo esencial para comprender J-Bay. Una de sus características más especiales es precisamente la posibilidad de enlazar secciones. Con el swell adecuado, la ola puede comenzar en Boneyards y continuar a través de Supertubes, Impossibles, Tubes y otras secciones hasta convertirse en un recorrido extraordinariamente largo. No se trata simplemente de sobrevivir a una ola rápida: se trata de anticipar lo que va a ocurrir en los siguientes segundos y colocar la tabla en el lugar exacto para que la línea no se rompa.

Tomson fue uno de los primeros en demostrar hasta dónde podía llegar esa idea. Su victoria en el Beach Hotel Classic de 1981 ayudó a consolidar la importancia competitiva de Jeffreys Bay y abrió el camino para que el point break sudafricano comenzara a ocupar un lugar permanente en la imaginación del surf internacional.

Occhilupo y el día que J-Bay volvió a cambiar

Tres años después, la historia de J-Bay escribiría otro de sus capítulos fundamentales. Un joven Mark Occhilupo, todavía adolescente, llegó a Sudáfrica y ganó el campeonato de 1984.

Lo hizo de una manera que llamó especialmente la atención. Su surf de backside en las rápidas paredes de J-Bay tenía una potencia y una radicalidad poco habituales para la época. Allí donde otros podían ver la dificultad de surfear una derecha de espaldas, Occhilupo encontró una oportunidad para atacar la pared con fuerza y velocidad.

Su victoria frente a Hans Hedemann se convirtió en uno de los momentos más recordados de la historia competitiva de J-Bay. El campeonato ofreció varios días de buenas condiciones y permitió comprobar hasta qué punto aquella ola podía convertirse en un escenario para llevar el surf competitivo hacia una nueva dimensión.

La importancia de Occhilupo no estuvo solamente en ganar. Su manera de surfear ayudó a demostrar que la ola podía ser interpretada de muchas maneras diferentes. J-Bay no tenía una única línea correcta. Cada generación podía encontrar una nueva.

Esa es probablemente una de las razones por las que la ola ha mantenido su relevancia durante tanto tiempo.

De la aventura al circuito mundial

Con el paso de los años, Jeffreys Bay dejó de ser aquel point break remoto que unos pocos surfistas perseguían en la costa sudafricana y se convirtió en uno de los grandes escenarios del surf profesional. La competición fue creciendo hasta que, en 1996, J-Bay entró en el World Championship Tour. Kelly Slater ganó aquella primera edición dentro del circuito mundial, inaugurando una nueva etapa en la historia competitiva del lugar.

A partir de entonces, la lista de nombres que han dejado su huella en J-Bay parece un resumen de la propia evolución del surf moderno. Kelly Slater, Andy Irons, Mick Fanning, Jordy Smith y muchas otras figuras han tenido que enfrentarse a una ola que premia especialmente la velocidad, la precisión y la capacidad para mantener una línea durante mucho tiempo.

Pero precisamente ahí está la dificultad.

Desde la orilla, J-Bay puede parecer una ola perfecta, casi demasiado perfecta. Una pared limpia, larga y abierta en la que parece que todo está escrito. Sin embargo, cuando se entra en ella, cada sección plantea una pregunta diferente. ¿Dónde ganar velocidad? ¿Cuándo entrar en el tubo? ¿Hasta dónde bajar la pared? ¿Dónde colocar la tabla para llegar a la siguiente sección?

Una mala decisión al principio puede acabar con toda la ola.

Una buena decisión puede convertirla en un recorrido de cientos de metros.

La línea por encima de la maniobra

Quizá sea este aspecto el que mejor explica por qué Jeffreys Bay ha tenido tanta influencia sobre el surf moderno.

En una época en la que el surfing competitivo ha evolucionado hacia maniobras cada vez más radicales, J-Bay continúa recordando que existe otra manera de medir la calidad de un surfista: la capacidad de conectar la ola.

La velocidad es fundamental. El posicionamiento también. El surfista tiene que saber cuándo acelerar y cuándo esperar, cuándo atacar la sección y cuándo conservar energía para la siguiente. Una gran maniobra aislada puede impresionar, pero en J-Bay lo verdaderamente difícil es construir una secuencia en la que cada movimiento tenga sentido dentro de la línea completa.

Por eso la expresión The Pure Line resulta tan apropiada para contar esta historia.

La película escrita y narrada por Shaun Tomson recupera precisamente esa evolución: desde los primeros surfistas que comenzaron a explorar Jeffreys Bay hasta la llegada de las grandes estrellas del surf profesional. El documental utiliza la ola como hilo conductor para hablar también de las personas, las tablas, la competición y la cultura que crecieron alrededor de ella.

Y en ese viaje aparecen nombres y generaciones diferentes, pero una misma obsesión.

La línea perfecta.

Una historia que va más allá de las olas

La historia de J-Bay tampoco puede separarse completamente de la historia de Sudáfrica. Durante los años del apartheid, el surf estuvo inevitablemente condicionado por una sociedad marcada por la segregación racial. La propia película aborda episodios relacionados con surfistas negros que se enfrentaron a la discriminación y a la intervención policial cuando intentaban acceder a determinados espacios y practicar surf.

Es una parte menos conocida de la historia de Jeffreys Bay, pero necesaria para comprender cómo evolucionó realmente aquella comunidad surfera. El mito de la ola perfecta convivía con una realidad social muy alejada de esa imagen idílica que posteriormente proyectaría J-Bay al resto del mundo.

Con el tiempo, la comunidad del surf fue cambiando, igual que cambió la propia Sudáfrica. Y Jeffreys Bay pasó de ser un lugar conocido principalmente por unos pocos surfistas a convertirse en una referencia internacional, un destino para surfistas de todo el mundo y una pieza fundamental del calendario profesional.

Una ola que sigue escribiendo su propia historia

Más de medio siglo después de que los primeros surfistas comenzaran a explorarla, Jeffreys Bay continúa teniendo algo que las nuevas generaciones todavía quieren descubrir.

Quizá sea porque la ola nunca termina de estar completamente descifrada. Las tablas cambian. Las maniobras evolucionan. Los surfistas son cada vez más rápidos y radicales. Pero la pared sigue siendo la misma.

Cuando un swell entra con la dirección adecuada y el viento limpia la superficie, J-Bay vuelve a mostrar por qué ocupa un lugar tan especial en la historia del surf. Boneyards empieza a moverse, Supertubes se convierte en una pared de velocidad, las secciones se conectan y, durante unos instantes, el surfista tiene delante una de esas líneas que parecen dibujadas de antemano.

Shaun Tomson ayudó a enseñarle al mundo cómo recorrerla. Mark Occhilupo demostró que todavía podía surfearse de otra manera. Las generaciones posteriores llevaron esa evolución todavía más lejos.

Y quizás esa sea la verdadera historia de Jeffreys Bay.

No la de una ola perfecta que permaneció intacta durante décadas, sino la de una ola que obligó al surf a evolucionar con ella.

Porque cada generación que llega a J-Bay busca lo mismo que buscaban aquellos primeros surfistas: una pared que se abra delante de ellos, suficiente velocidad para recorrerla y unos segundos en los que todo encaje.

Una línea limpia.

Una línea larga.

Una línea que, por un instante, parezca perfecta.

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